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Conférence : « Inside a Parish Church: Art & Religion in 18th-Century Paris ».

Type : Conférence
Date et heure : 24 Octobre 2017 à 18h
Lieu : Centre Allemand d’Histoire de l’Art (DFK), 45 rue des Petits-Champs, Paris
Conférence en anglais proposée par Dr. Hannah Williams, Leverhulme Early Career Research Fellow, Queen Mary University of London.
Religion has become the blindspot of eighteenth-century art history. From Watteau’s fêtes galantes, to Boucher’s rococo nudes, or David’s neoclassical political dramas, the canonical images defining our discipline’s chapters on the late ancien régime are resolutely secular. But the period itself was not. In eighteenth-century Paris, religion was everywhere and so was religious art. This paper is a response to this art-historical conundrum of why eighteenth-century religious art, so important in its time, has since been so consistently overlooked. Continuer la lecture de Conférence : « Inside a Parish Church: Art & Religion in 18th-Century Paris ».
Exposition : “Images et révoltes dans le livre et l’estampe” (Bibliothèque Mazarine, Paris)
Annonce d’exposition :
Révoltes et évènements révolutionnaires ponctuent l’histoire européenne depuis la fin du Moyen Âge. On a longtemps cru que l’analphabétisme qui régnait parmi l’écrasante majorité de la population n’avait laissé aux insurgés que peu de moyens d’expression. Or la diffusion d’images lors des révoltes atteste d’une culture visuelle populaire qui préexiste à la Révolution française. On en décèle les traces les plus évidentes avec les Hussites en Bohême au XVe siècle, et lors de la Guerre des paysans qui ébranla le monde germanique en 1525.
Une iconographie de la révolte se forme et se transmet, sur des supports éphémères mal conservés, mais aussi dans le livre manuscrit, et bientôt grâce aux nouveaux médias. Dans l’estampe et l’imprimé, les rebelles expriment leur vision. En réaction, les pouvoirs contestés endiguent leur diffusion, et affichent, par d’autres images, la légitimité ou le rétablissement de leur autorité. Ces images suscitent bien des interrogations. Quelle part les révoltés ont-ils prise à leur production ? Comment les mutations techniques (l’imprimerie) ou spirituelles
(la Réforme, l’iconoclasme…) ont-elles modifié leur diffusion mais aussi leurs formes et contenus ? Quel degré de confiance l’historien doit-il leur accorder ?
L’exposition présente un large panorama d’images, des rébellions des villes flamandes au XIVe siècle, des jacqueries, des troubles religieux des XVe et XVIe siècles, des soulèvements et révolutions qui marquent le milieu du XVIIe siècle (en France, à Naples, dans les îles britanniques, au Portugal), des contestations jansénistes du XVIIIe siècle… Elles constituent un patrimoine visuel aussi saisissant que méconnu, et un témoignage décisif sur les cultures politiques européennes.
Exposition organisée par la Bibliothèque Mazarine en partenariat avec le projet ANR Culture des révoltes et révolutions.
Commissariat : Tiphaine Gaumy
Direction scientifique : Stéphane Haffemayer, Alain Hugon, Yann Sordet, Christophe Vellet
Le catalogue de l’exposition est coédité par la Bibliothèque Mazarine et les Éditions Les Cendres
Publication : « L’enseignement à l’Académie royale d’architecture »

Présentation de l’éditeur :
S’appuyant sur une étude de cours le plus souvent inédits et sur un examen de la personnalité des enseignants, cet ouvrage retrace l’histoire de l’enseignement à l’Académie royale d’architecture (1671-1793). Si dans un premier temps les cours portent sur des thèmes variés – hydraulique, optique, géométrie pour les mathématiques, principes et théorie des ordres pour l’architecture –, l’éducation des futurs architectes du roi est rapidement recentrée sur des connaissances plus précises dans le dessin et l’architecture.
Plus d’informations sur le site de l’éditeur.
Appel à communication : “Tapisserie et arts textiles : Représentations des gestes et processus de création du XVIIIe au XXIe siècle”

Type : Appel à communication.
Date limite : 28 février 2017
Date de la manifestation : 16 novembre 2017
Lieu : Cité internationale de la tapisserie et de l’art tissé d’Aubusson (Creuse), France
Organisation : Céline Bricault (PRAG, CELIS) et Jean-François Luneau (MCF, CHEC), Université Clermont-Auvergne
Les historiens de l’art recherchent constamment les sources littéraires des tapisseries. De la période moderne jusqu’au XXIe siècle, la tapisserie occidentale relève en effet de la peinture d’histoire : ses sources littéraires se trouvent dans la mythologie, l’histoire sainte, l’histoire antique ou contemporaine, ou encore la Fable. À toutes les époques, les tapisseries permettent la représentation de mythes ou de récits, mais aussi de figures emblématiques de la création littéraire, comme le poète Orphée, ou de la création tapissière, comme Arachné.
Symposium de la mairie du 11e arrondissement : « De la Régence à la République – Plaisirs parisiens du vice et de la vertu »

Type : Symposium.
Date : 5 juillet de 9h à 18h
Lieu : Salle des fêtes de la Mairie du 11e arrondissement, Paris.
Sous la direction de : Christophe Henry et Marine Roberton, avec la collaboration du Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne (GRHAM).
Programme :
9h : Café d’accueil
9h30 : Introduction : Marine Roberton, Sébastien Chauffour & Christophe Henry
Publication : “Administrer les menus plaisirs du roi : L’État, la cour et les spectacles dans la France des Lumières”.

Présentation de l’éditeur :
Chargés des décors nécessaires aux transformations de l’espace curial qu’impliquait la mise en scène du cérémonial royal, les Menus Plaisirs du Roi intervenaient aussi bien dans l’organisation du lever du roi, des divertissements de la cour, des cérémonies dynastiques que des rituels d’État. Sous la direction des Premiers Gentilshommes de la Chambre, dont ils étaient les officiers de finances, leurs administrateurs participaient également à l’exercice de la tutelle monarchique sur la Comédie-Française et la Comédie-Italienne. Les Menus Plaisirs se trouvaient donc à la fois placés au service du roi et au service du public. C’est pourquoi cette institution constitue un terrain privilégié pour explorer les modalités de l’administration de la cour, dont l’existence était inhérente au système de représentation de la personne royale et à la nature de l’État monarchique. L’ouvrage s’inscrit ainsi dans le renouvellement de l’histoire politique et culturelle de l’État moderne. Au-delà des idées reçues sur l’espace curial, il prend non seulement ce dernier comme un observatoire de la culture politique propre à l’Ancien Régime, mais en révèle les paradoxales dynamiques au temps des Lumières. Au cœur d’un spectacle monarchique où les représentations lyriques et dramatiques un rôle croissant, les artisans du cérémonial qu’étaient les Menus Plaisirs deviennent en effet au XVIIe siècle les maîtres d’œuvre d’une action publique en faveur du théâtre.
Plus d’informations sur le site de l’éditeur.
Publication : “Visions de l’Empire du Milieu au XVIIIe siècle en France”

Présentation de l’éditeur :
Les Mémoires concernant les Chinois présentent une Chine vue à travers les interrogations européennes du XVIIIe siècle. Les illustrations, réalisées à partir d’une grande variété de sources envoyées par les missionnaires à Paris, relèvent souvent, par leur style, de modèles chinois ou sont nettement plus occidentalisées dans leur facture. Celles qui empruntent directement aux sources chinoises créent une rupture de style. La correspondance entre Bertin et les jésuites en Chine, partiellement inédite, conservée à l’institut de France, aide à comprendre la commande, l’élaboration de cette collection et les enjeux des illustrations : la vision christianisée de la vie de Confucius, la chronique d’un événement révélateur du bon exercice du pouvoir, le thème des hommes illustres, où manières chinoise et occidentale se répondent, se juxtaposent, affirmant les liens entre les styles de ces illustrations, commande de Bertin, et le contexte historique, politique et religieux. La question des enjeux politiques de ces choix du ministre demeure incontournable.
Chao-ying LEE, docteure en histoire de l’art de l’université de Paris I, est maître de conférences à l’université nationale de Dong Hwa à Taiwan. Elle a été professeur invitée de l’université Paris Ouest Nanterre La Défense (juillet 2012-février 2013). Ses recherches portent sur « Les livres sur Taiwan et la Chine publiés en français au XVIIe et XVIIIe siècles : les styles d’illustrations entre Occident et Extrême-Orient ».
Plus d’informations sur le site de l’éditeur.
Colloque : Image(ries) religieuses à l’ère industrielle en Europe (XVIIIe-XIXe siècle).
Type : colloque.
Date de la manifestation : du 20 au 21 avril 2016.
Lieu : Mulhouse, université de Haute-Alsace, Campus Fonderie.
Les temps modernes, avec les développements techniques de la gravure et la multiplication des supports imprimés, décuplent la présence des images religieuses en Occident. Qu’elles accompagnent la diffusion des textes ou se retrouvent, isolées, dans les effets des particuliers, qu’elles soient le support de dévotions ou de simples illustrations ou décorations et bien que leur statut diverge suivant la religion professée, les images font partie de l’environnement religieux des croyants. Images du Christ ou de la Vierge, des saints ou des principaux personnages bibliques, elles se retrouvent également au sein de religions qui donnent, à les appréhender trop rapidement, l’impression de les rejeter. Le protestantisme ou le judaïsme, même si le texte biblique est déterminant dans la liturgie, ne négligent pas les images religieuses ; elles ne sont pas vénérées mais peuvent jouer un rôle pédagogique important pour le fidèle (souvenirs de communion, portrait de pasteurs, Mizra’h ou mappot…). Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’essor industriel favorise leur production à grande échelle avec une circulation accrue qui entraîne la création de modèles et de représentations culturelles. L’imagerie religieuse se répand, les centres de productions se spécialisent et exportent dans toute l’Europe et au-delà, comme certaines entreprises alsaciennes qui ont produit en arabe des images à destination du marché musulman vers la fin du XIXe siècle. Les productions industrielles représentant des images religieuses participent alors à la diffusion de certains modèles et suscitent un véritable engouement. Ainsi, les estampes de tableaux, apparues à la Renaissance, restent largement diffusées, mais de nouveaux supports plus populaires s’emparent de l’iconographie religieuse telles les imageries diffusées par les colporteurs et les arts industriels (toiles imprimées, faïences, papiers peints). Cet intérêt pour l’imagerie religieuse et la vulgarisation, pourrait-on dire, qu’elle connaît dans la société européenne des XVIIIe et XIXe siècles posent de nombreuses questions. La première concerne la circulation des modèles diffusés : quelles voies sont utilisées et suivant quels réseaux ? Quel public vise-t-on et suivant quelles modalités de diffusion ? Cette première question croise celle de la représentation des modèles véhiculés par la fabrication et le commerce d’images religieuses. Cette interrogation paraît particulièrement déterminante en France, où ces dernières sont d’abord le reflet d’un catholicisme d’État jusqu’à la Révolution française. Le Concordat place le catholicisme comme religion de la majorité des Français mais, en reconnaissant certaines minorités religieuses (protestantisme, judaïsme), il permet également l’expression et la diffusion d’une imagerie des religions jusqu’alors difficilement acceptées. Ce pluralisme modifie-t-il le rapport aux images religieuses présentes dans les différentes confessions, les supports sont-ils les mêmes que dans la religion dominante ou répondent-ils à des spécificités confessionnelles? En posant la question des images et des imageries religieuses à l’ère industrielle, ce colloque entend s’interroger sur les conséquences d’une production à grande échelle sur les choix iconographiques, culturels et artistiques au sein des monothéismes en Europe.
Colloque international : “Le rôle de la sculpture dans les arts décoratifs parisiens, 1715-1815”

Type : Colloque.
Date : 14-15 mars 2016
Lieu : INHA, Salle Vasari, 1er étage
Le colloque est accessible gratuitement à tous sur inscription préalable obligatoire par email (voir la marche à suivre en fin d’article). – Les inscriptions seront clôturées le jeudi 10 mars à minuit.
Collaboration entre le Centre André Chastel de l’université de Paris-Sorbonne et l’association Low Countries Sculpture. Avec le soutien de The Boulle Project, Paris.
Lundi 14 mars 2016
Appel à communication : « Publier sur l’art, l’architecture et la ville : La Font de Saint-Yenne (1688-1771) et l’ambition d’une œuvre »

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 24-25 novembre 2016.
Lieu : Paris.
Date limite : 25 mars 2016.
La contribution décisive de La Font de Saint-Yenne à la naissance et à l’affirmation d’un nouveau type de discours sur l’art au milieu du XVIIIe siècle n’est certainement plus à prouver. Albert Dresdner et Roland Desné, et à leur suite Else Marie Bukdahl, Annie Becq et Richard Wrigley ont définitivement arraché le littérateur des limbes de la critique. Plus récemment, les travaux de René Démoris, Florence Ferran ou encore Étienne Jollet, éditeur de ses œuvres complètes, ont considérablement contribué à faire sortir les écrits de ce personnage de l’ombre du grand Diderot, dans laquelle on avait tendance à les tenir. Ces études, souvent centrées sur deux des principaux écrits de La Font (les Réflexions sur quelques causes de l’État présent de la peinture en France, avec un Examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre, 1746, parues en 1747, et les Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, sculpture et gravure, Écrits à un particulier en province, publiées en 1754), ont mis en évidence la témérité et l’audace de leur auteur qui revendique le droit fondamental au libre exercice de la critique. Plus encore, elles ont souligné le coup de force qu’a constitué l’irruption, dans le discours sur l’art, d’une parole et d’un jugement profanes s’autorisant du seul « public » – entité évidemment floue dont Thomas Crow a bien montré qu’elle allait devenir, justement à partir de La Font de SaintYenne, l’enjeu principal des affrontements idéologiques autour du Salon. En soulignant l’ampleur du scandale (dont l’éclat semble effacer jusqu’au personnage, dont on ne sait encore aujourd’hui que très peu) et la vigueur de la polémique engendrées, les analyses sur La Font ont démontré que son œuvre avait indéniablement une valeur inaugurale. Ce colloque autour de La Font de Saint-Yenne se propose de prolonger la réflexion dans trois directions :
Publication : Jacques-François Blondel, un architecte dans la « République des Arts »
Présentation de l’éditeur :
Au XVIIIe siècle, de nombreux architectes ont publié des traités ou des « Cours » sur leur art. L’un d’eux se distingue par la quantité et la qualité des livres qu’il publie : Jacques-François Blondel (1708/9 – 1774). Auteur majeur de la théorie architecturale, Blondel a su, au cœur des Lumières, redonner une actualité à l’architecture classique, en s’opposant à l’art rocaille qui domine alors. Pour Blondel, l’architecture possède une dimension encyclopédique – il mobilise à la fois les savoirs techniques et les différents arts –, mais aussi sociale – chacun est appelé à y participer. Les écrits de Blondel sont par ailleurs indissociables de son action pédagogique : avec la fondation de son Ecole des Arts, qui se propose de centraliser la diversité des compétences, il opère une véritable révolution pédagogique. Cet ouvrage rassemble les discours, mémoires, articles pour L’Encyclopédie et autres textes de Blondel, dans lesquels le professeur développe ses idées sur le « bon goût » en architecture. Pour la majeure partie inédits, ou jamais réédités depuis le XVIIIe siècle, ces documents renseignent sur les enjeux de l’art de bâtir au siècle des Lumières, ainsi que sur la transmission de la tradition nationale.
Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.
Journée d’étude : Le rôle de la sculpture dans les arts décoratifs parisiens

Type : Journée d’étude à l’occasion de Mons, Capitale Européenne de la Culture 2015.
Date : 29 août 2015 (Inscriptions obligatoires, ouvertes jusqu’au 26 août).
Lieu : Maison de la Mémoire de Mons, rue des Sœurs Noires, 2.
Entre 1715 et 1830, Paris devient la capitale de l’Europe : “une ville de pouvoir et de plaisir, un aimant pour toutes les nationalités exercé bien au delà des limites de la France”, écrira Philip Mansel, ou comme le Prince Metternich le formule, “quand Paris éternue, l’Europe prend froid.” Ce contexte historique voit naître de profonds changements societaux. C’est un temps où la consommation et l’intérêt porté aux produits de luxes atteint des sommets.
La priorité de cette journée d’étude sera d’établir le rôle du sculpteur dans les processus de conception et de production des arts décoratifs Parisiens, à partir de meubles et d’éléments de décoration intérieure : porcelaines, argents, bronzes dorés et horloges.
Ces dernières années, un grand nombre d’études a été porté sous les auspices de musées d’arts décoratifs et d’autres entités telle la Furniture History Society et la Société Française de Porcelaine. Cela semble intéressant de les confronter dans une approche interdisciplinaire au niveau Européen et en encourageant la discussion à partir des différents objets d’étude, de part leur matérialité et leur tri-dimensionnalité.
Les relations entre, d’un côté, les architectes, ornemanistes et autres concepteurs ainsi qu’entre les sculpteurs, menuisiers, ébénistes, orfèvres, fabricants de porcelaines, bronziers et autres producteurs, sans oublier les marchands, seront au coeur des études sur le processus de conception.
Une deuxième étape de compréhension de l’importance de la sculpture dans les arts décoratifs sera mise en lumière à l’aune de la diffusion des produits manufacturés dans les autres capitales Européennes, particulièrement après la Révolution Française.
Dans l’ensemble, cette journée devrait éclairer l’aspect sculptural des arts décoratifs produits à Paris tout au long du XVIIIe siècle et comment ces modèles se diffusent en Europe. Sans vouloir être exhaustive, cette journée – et les publications qui en suivront – espère confronter les histoires et les méthodes afin de faire ressortir l’importance des arts décoratifs, trop souvent négligés.
Programme :
9 h – 10 h : Accueil et petit-déjeuner
9 h 45 – 10 h : Introduction par Jean Schils, Werner Oechslin et Léon Lock
Session 1 : Sculpture as a theme / sculpture as an object, within French decorative arts
Président de séance : Guilhem Scherf, Musée du Louvre, Paris
10 h – 10 h 25 : Luca Raschèr, Koller Auktionen, Zürich
Humanité et bestiaire en bronze sur les meubles français du XVIIIe siècle
10 h 30 – 10 h 55 : Dr Charles Avery, Cambridge
An elephantine rivalry : the ménagerie clocks of Saint-Germain and Caffieri
11 h – 11 h 25 : Virginie Desrante, Cité de la Céramique, Sèvres
Petite sculpture et objets de luxe, le biscuit de Sèvres – une révolution esthétique
11 h 30 – 11 h 55 : Xavier Duquenne, Brussels
Le sculpteur de la cour Augustin Ollivier, de Marseille, au Palais de Charles de Lorraine à Bruxelles
11 h 55 – 12 h 15 : Discussion
12 h 15 – 13 h 10 : Déjeuner
Session 2: The role of the sculptor within the design and production processes
13 h 15 – 13 h 40 : Jean-Dominique Augarde, Centre de Recherches Historiques
sur les Maîtres Ébénistes, Paris
De Houdon à Prud’hon, la collaboration entre sculpteurs et bronziers d’ameublement de 1760 à 1820
13 h 45 – 14 h 10 : Audrey Gay-Mazuel, Musée des Arts Décoratifs, Paris
Du dessin au montage, les sculpteurs dans l’atelier de l’orfèvre parisien Jean-Baptiste-Claude Odiot (1763-1850)
14 h 15 – 14 h 40 : Jean-Baptiste Corne, Ecole du Louvre/Ecole Pratique des Hautes Etudes, Paris
Le sculpteur ornemaniste à la veille de la Révolution. Une condition sociale en mutation ?
14 h 40 – 15 h : Discussion
15 h 00 – 15 h 30 : Pause café
Session 3: French sculptural decorative arts in international perspective
Président de séance : Prof Dr Dr H.C. Mult. Werner Oechslin, ETH Zürich/ SBWO Einsiedeln
15 h 30 – 15 h 55 : Dr Léon Lock, University of Leuven
Comment la rocaille parisienne conquit Munich. Le rôle de l’architecte et ornemaniste François Cuvilliés (Soignies 1695 – Munich 1768)
16 h 00 – 16 h 25 : Guido Jan Bral, Brussels
Les ducs d’Arenberg, mécènes des arts décoratifs parisiens à Bruxelles (1765-1820)
16 h 30 – 16 h 55 : Sir Timothy Clifford, Former Director, National Galleries of Scotland, Edinburgh
Title to be confirmed
16 h 55 – 17 h 15 : Conclusions et discussion
INSCRIPTIONS :
Free for members of the Low Countries Sculpture Society and of the
Maison de la Mémoire of Mons, but registration compulsory :
info [at] lcsculpture [dot] org
Seating limited so book early to avoid disappointment. Non-members : €25 per person.
La toilette au XVIIIe siècle, entre hygiène et intimité
Au Musée Marmottan-Monet, l’exposition La Toilette. Naissance de l’intime (jusqu’au 5 juillet 2015), s’étend sur une large période, de la Renaissance jusqu’à nos jours. Deux salles, sur les six, sont consacrées à la peinture de la période moderne.

Nadeije Laneyrie-Dagen et Georges Vigarello, commissaires de l’exposition[1], mettent en évidence la rupture qui s’opère au début du XVIIe siècle. Les bains représentés durant la Renaissance, tel le Portrait présumé de Gabrielle d’Estrées et la Duchesse de Villars au bain (Fig. 1), disparaissent à l’orée du Grand Siècle au profit de la toilette sèche. Celle-ci s’effectue habillée, au moyen d’un linge blanc et de diverses poudres ou onguents. La Vue (femme à sa toilette) d’après Abraham Bosse (Fig. 2) est particulièrement représentative de ces nouvelles mœurs. Se déroulant dans la chambre, le moment est pensé comme un spectacle où les visiteurs sont conviés. Lors de la présentation de l’exposition, Nadeije Laneyrie-Dagen précise que « outre une véritable défiance vis-à-vis de l’eau, la dame de qualité ne peut plus être représentée nue ».


Car la nudité ne sied pas aux femmes du monde. La Jeune femme nue à mi-corps en train de se peigner de Salomon de Bray (Fig. 3) ne semble pas en être une. De même que La Femme à la puce de Georges de la Tour (Fig. 4) qui est une domestique, et peut donc être représentée ainsi. Le cadrage serré permet de donner au spectateur une sensation de proximité avec le modèle peint, impression qui est aussi recherchée par Nicolas Régnier dans la Vanité ou Jeune Femme à sa toilette (Fig. 5). Ici, la représentation intime prend la forme d’un jugement moral, de par l’apport de plusieurs objets propres à la symbolique des vanités qui lient la féminité à la coquetterie et à la mort.
C’est aussi dans la partie moderne que se trouve la seule représentation où un homme est le sujet principal. Gravure d’Adriaen Pietersz van de Venne, le Gentilhomme à sa toilette[2] côtoie, sur sa cimaise, une Jeune femme se coupant les ongles de Jacob Ochtervelt[3]. Elle est l’une des rares œuvres de la période à montrer des ustensiles destinés à une toilette humide : cependant, le nécessaire disposé sur le sol pour prendre un bain de pieds reste vide.


La pratique de l’ablution connaît un renouveau progressif dans la toilette au début du XVIIIe siècle. Ce dernier s’accompagne de l’apparition d’objets jusqu’alors inusités, comme en témoignent les eaux-fortes de Jean-Charles Delafosse montrant bidet et demi-baignoire italienne. La scène se privatise et le spectateur n’est plus convié, devenant ainsi voyeur dissimulé dans l’embrasure d’une porte ou d’un paravent. Dans les vitrines, des représentations de moments privés : sexualité et épilation. Utilisation grivoise d’un instant qui ne concerne que celui qui s’y consacre. La coquetterie reste souvent représentée : ainsi, dans la Dame à sa toilette ou La Mouche de François Boucher (Fig. 6), une femme s’apprête pour son amant, en regardant son portrait.

Nadeije Laneyrie-Dagen véhicule l’hypothèse que la forme ovale prise par les peintures à cette période atteste d’une nouvelle façon de voir l’intimité par des « trous de serrure ». Les quatre œuvres les plus remarquables de cette partie de l’exposition sont justement des ovales de Boucher, réunis pour la première fois. A l’origine, ils ornent le fumoir de Pierre Paul Louis Randon de Boisset[4] (1708-1776). L’Enfant gâté (Fig. 7) et La Gimblette (Fig. 8), œuvres innocentes, cachent sous leur cadre deux représentations crument érotiques : La Jupe relevée (Fig. 9) et La Femme qui pisse (Fig. 10). Les secondes, masquées, étaient probablement montrées aux seuls proches du propriétaire. Les sujets représentés et le procédé utilisé font de ces deux œuvres en paires, les ancêtres de la célèbre toile L’Origine du monde[5] de Courbet, originellement cachée sous Le château de Blonay[6].

Le spectateur observera également La Toilette de Jean-Baptiste Pater[7], propriété du Louvre ; la Jeune femme à sa toilette de François Eisen du musée d’Abbeville (Fig. 11) ; sans oublier le Lever de Fanchon de Nicolas-Bernard Lépicié (1770), habituellement exposé à Saint-Omer[8]. Ils rendent compte, chacun à leur manière, de moments d’intimité qui font de plus en plus partie de la vie quotidienne, comme le montrent aussi dans les vitrines les gravures de Nicolas-René Jollain – telles que Après le bain ou La Serviette qui côtoient les manuels de toilette de l’époque. La salle de bains gothique de Jean-Baptiste Mallet (Fig. 12) vient clôturer ce parcours effectué dans la période moderne : la toilette bénéficie désormais d’un espace privé dédié au sein duquel l’eau retrouve une place essentielle et où la femme jouit d’une solitude que seul l’œil du peintre a le privilège de venir troubler.


[1] Concernant les travaux des commissaires sur la thématique du corps et de la femme, nous pouvons citer : Alain Corbin, Jean-Jacques Courtine, Georges Vigarello (dir.), Histoire du corps, 3 vol., Paris, Seuil, 2005, Georges Vigarello, Histoire de la beauté, Paris, Points, 2004 ; Georges Vigarello Le Propre et le sale, Paris, Seuil, 2013, ainsi que Nadeije Laneyrie-Dagen, L’Invention du corps, Paris, Flammarion, 2006.
[2] Adriaen Pietersz van de Venne, Gentilhomme à sa toilette, 1660, grisaille sur bois, 41 x 32 cm, Valenciennes, musée des Beaux-Arts.
[3] Jacob Ochtervelt, Une jeune femme se coupant les ongles, vers 1670-1675, huile sur toile, 74,5 x 59 cm, Londres, The National Gallery.
[4] « On comparait la galerie de cet amateur à un sanctuaire, n’y était pas admis qui voulait. Les prières, les sollicitations restaient sans succès, près d’un homme froid, peu communicatif », dans Gault de Saint-Germain, Souvenirs de quelques amateurs du XVIIIe siècle, Ms 329, Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, cité par C .Guichard, Les amateurs d’art à Paris au XVIIIe siècle, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p. 216.
[5] Gustave Courbet, L’Origine du monde, 1866, huile sur toile, 46 x 55 cm, Paris, Musée d’Orsay.
[6] Gustave Courbet, Le Château de Blonay, c. 1875, huile sur toile, 46 x 55 cm, Budapest, Musée des Beaux-Arts.
[7] Jean-Baptiste Pater, La Toilette, première moitié du XVIIIe siècle, huile sur toile, 47 x 37,5 cm, Paris, Musée du Louvre.
[8] Nicolas-Bernard Lépicié, Le Lever de Fanchon, 1773, huile sur toile, 74 x 93 cm, Saint-Omer, Musée de l’Hôtel Sandelin.