Pieter Jansz Saenredam, The Nave and Choir of the Mariakerk in Utrecht, Pieter Jansz Saenredam, 1641, oil on panel, 122 x 95 cm, Amsterdam, Rijksmuseum
Type : conférence (entrée libre et gratuite) Date et horaire : jeudi 30 mars à 19h (1h). Lieu : salle Jullian (1er étage), Galerie Colbert (Institut National d’Histoire de l’Art), 2 Rue Vivienne, 75002 Paris. Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Le projet AORUM (Analyse de l’OR et de ses Usages comme Matériau pictural en Europe occidentale aux XVIe et XVIIe siècles), coordonné par Romain Thomas (HAR/UPN), Christine Andraud (CRC/CNRS/MNHN) et Dan Vodislav (ETIS/CY Cergy Paris Université), qui a débuté le 1er octobre 2021, est un projet interdisciplinaire (histoire de l’art, histoire et physico-chimie des techniques picturales, optique) qui s’attache à étudier l’or en tant que matériau pictural dans les pratiques artistiques en Europe occidentale, aux XVIe et XVIIe siècles. Il vise ainsi à explorer un terrain historiographique inédit, en rassemblant un corpus d’œuvres et en l’analysant dans une triple perspective (historique, technique et optique). En effet, contrairement à ce que laissent entendre les prescriptions des théoriciens de la peinture des XVe et XVIe siècles (ex. Alberti et Vasari), l’or continue à être utilisé bien au-delà de la Renaissance. En témoignent certains tableaux d’artistes aussi célèbres que Rembrandt ou Vermeer. Bien d’autres exemples existent, et pourtant, parmi les matériaux du peintre, l’or est le grand absent des travaux sur la peinture européenne de la première modernité. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM: “Projet AORUM: l’utilisation de l’or dans la peinture occidentale du XVIIe siècle” par Romain Thomas (Paris, 30/03/2023)
Ill. 1. Evaristo Baschenis, Nature morte aux instruments de musique, hst, 115 x 163 cm, signature sur le pied gauche de la table “EVARISTUS/BASCHENIS/B”, collection particulière
La galerie Canesso vient de consacrer une exposition à Evaristo Baschenis (1617-1677), le prêtre-peintre, actif à Bergame au milieu du XVIIe siècle, célèbre déjà en son temps pour ces natures mortes d’instruments de musique. Cette initiative, inspirée au marchand d’art parisien par l’étude récente que l’historienne de l’art Ornat Lev-er dédie à Baschenis, lui permettait par la même occasion d’offrir la première exposition monographique en France sur le maître de Bergame[1]. Cette exposition vient compléter la série d’événements que la galerie a dévolu au genre de la « nature morte » depuis plusieurs années[2].
L’initiative de Maurizio Canesso s’inscrivait par ailleurs dans un mouvement de regain d’intérêt pour l’objet « nature morte » dont témoignent les travaux de Sybille Ebert-Schifferer[3], d’Étienne Jollet[4], puis plus récemment de Jan Blanc[5], de Laurence Bertrand Dorléac[6] et finalement de l’exposition Les Choses que vient de lui consacrer le musée du Louvre[7]. Ainsi, l’entreprise de la galerie Canesso offrait l’occasion d’expérimenter l’une des thèses de Charles Sterling[8], rappelée dans le cadre de l’exposition Les Choses, soulignant l’importance des tarsie lignee (panneaux de marqueterie) en tant que prodromes de l’éclosion de la nature morte moderne au XVIIe siècle[9]. Cette thèse s’intègre dans une spécificité italienne que l’œuvre de Baschenis illustre par le potentiel stéréométrique des objets représentés : luths, luths-théorbes, violones, guitares et violons.
Date limite pour les propositions : 30 janvier 2023
Date de l’évènement : 5-7 octobre 2023
Lieu : Rouen, Université de Rouen Normandie
[English version below]
L’analyse formelle ou fonctionnaliste de l’espace sacré tend à voir le bâtiment ecclésial comme une juxtaposition d’espaces clairement distincts – la nef, le chœur, ou encore le transept – dont la séparation refléterait notamment la différence d’état (clercs et laïcs). L’espace ecclésial peut être également envisagé comme un agrégat de chapelles de différentes tailles, ainsi que le suggère la lecture des écrits de Charles Borromée : celui-ci considérait le chœur comme une « chapelle majeure » (de capella maiori) par opposition aux chapelles et autels mineurs (de cappellis et altaribus minoribus). Continuer la lecture de Appel à communication : Ci-bas et au-delà. Les chapelles dans l’espace ecclésial de la France du XVIIe siècle
Pierre Paul Rubens, La Mort de Sénèque, c.1612-13, hsb, 187 x 154,7 cm, Alte Pinakothek, Munchen
Type : Journée d’étude. Date et horaire : mardi 7 décembre, 9h30-17h30. Lieu : Petit château de Sceaux, 9 rue du docteur Berger, salle Le Nôtre. Pour tout renseignement : Pr Marianne Cojannot-Le Blanc mleblanc@parisnanterre.fr
Journée d’étude organisée par l’université Paris Nanterre / EA 4414 HAR
Premier volet du cycle Les imaginaires du Grand Siècle
PROGRAMME
9h30 ━ Accueil (salle Le Nôtre) Matinée sous la présidence d’Alexandre Gady, professeur d’histoire de l’art moderne,
Sorbonne Université et directeur de la Mission de préfiguration du Musée du Grand Siècle
9h45 ━ À l’aube d’une nouvelle ère : l’émulation de l’Antique à la cour du premier Bourbon Par Emmanuel Lurin, maître de conférences, Sorbonne Université (UMR 8150).
10h25 ━ Présence du modèle antique dans la pensée du spectacle : théâtre, jeux et triomphes Par Laura Naudeix, maîtresse de conférences en études théâtrales, université Rennes 2 (EA 3208)
Participer à la réunion Zoom : https://zoom.univ-paris1.fr/j/92473230045?pwd=RnN1b085QzM2aHM3dlVvM3UySFZYZz09
ID de réunion : 924 7323 0045 Code secret : 473092
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
En langue des signes picturale, serrer ses deux mains avec les doigts entremêlés exprime le chagrin ; croiser ses mains sur la poitrine désigne la ferveur dévotionnelle; plier l’auriculaire évoque le nombre « un » ; mettre la main sur la cuisse d’autrui exprime le serment d’allégeance ; joindre le pouce et l’index démontre la finesse de l’éloquence, alors que l’acte de se moucher permet de conjurer le diable. Le répertoire des gestes employés par les peintres à l’époque moderne contient à peu près une centaine de signes distinctifs. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : « Sémiologie de la main dans la peinture moderne : comment interpréter chaque signe gestuel et ses variations », Temenuzhka Dimova.
Une histoire des savoir-faire. Création et vie artistique à Paris du grand siècle à nos jours, volume 1, études rassemblés et présentées par Christophe Henry, en partenariat avec le Groupe de Recherches en Histoire de l’Art moderne (GRHAM) et Les symposiums d’Histoire de l’Art de la Mairie du 11 [en ligne], mis en ligne le 1er juillet 2019 URL : https://www.mairie11.paris.fr/actualites/parution-des-symposiums-d-histoire-de-l-art-de-la-mairie-du-11e-598
Gaspar Bouttats, La loterie de Henricus van Soest à Anvers, 1695. Gravure à l’eau-forte. H. 19,1 ; L. 27,3 cm. Amsterdam, Rijksmuseum. Inv. RP-P-OB-77263
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 15 novembre 2018 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari (1er étage). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Courantes dans les Pays-Bas méridionaux dès le milieu du XVe siècle, les loteries étaient organisées à l’origine par des institutions civiles ou religieuses afin de lever des fonds destinés à des œuvres d’utilité publique. Très tôt, de somptueuses pièces d’orfèvrerie en argent ou en vermeil constituèrent les lots d’appel et matérialisèrent la victoire de la Fortuna. Progressivement, des marchands d’objets d’art et de luxe s’emparèrent du système des loteries, afin d’en exploiter le principe dans un but lucratif. Le succès de ces opérations entraîna leur multiplication ainsi que la diversification des lots à gagner, parmi lesquels œuvres d’art et objets de luxe prirent une place croissante. Peintures, tapisseries, reliefs en albâtre, bijoux, tazze, hanaps, miroirs en cristallin, verreries « façon Venise », clavecins… s’offrirent ainsi à la vue comme le spectacle des richesses à gagner, accessibles à tous selon les caprices du hasard et de la Fortune.
Gabriel Metsu, Femme lisant une lettre, v.1662-65, Dublin, National Gallery of Ireland
Type : appel à contribution.
Date limite de l’appel : 31 octobre 2018.
Appel à contribution pour le deuxième colloque international du projet financé par le Fonds National Suisse
Date du colloque : 6 et 7 juin 2019. Lieu : Pays-Bas (à préciser).
Si on considère depuis Denis Diderot que les genres artistiques sont consubstantiels de la production artistique hollandaise du XVIIe siècle, leurs définitions, leurs places et leurs spécificités demandent encore à être mieux cernées. Il est désormais acquis dans l’historiographie que Carel van Mander fait, dans son Schilder-Boeck, référence à des catégories iconographiques (beest, keucken, brand, zee etc.), plutôt que des genres, ce qu’ont repris, après lui, d’autres auteurs. Il reste que la formule apparaît encore souvent, dans une perspective descriptive et hiérarchique. Cette question des genres apparaît, en outre, comme un moyen d’individualiser les Provinces-Unies au regard de l’Europe. À un nouvel état répondrait un nouvel art, et le développement de ces différents genres artistiques devient alors un des meilleurs exemples de la dutchness de l’art hollandais.
Jean Daret (1614-1668), Esculape et Hippolyte, 1636, Marseille, musée des Beaux-Arts
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 14 décembre 2017 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
L’importance de la Provence du Grand siècle comme foyer artistique n’est pas à démontrer. Mais si la peinture du XVIIe siècle de cette région a fait l’objet de nombreuses études depuis le XIXe siècle, et les catalogues raisonnés de quelques artistes – notamment Nicolas Mignard ou Reynaud Levieux – sont édités, la dernière publication ayant comme objet de donner une vision d’ensemble remonte au siècle dernier. Cette conférence sera l’occasion de revoir la peinture en Provence à la lumière de recherches récentes. Elle traitera des peintres connus, Jean Daret par exemple, et d’autres moins connus, comme Rodolphe Ziegler, ainsi que leur activité dans la capitale de la province et dans des villes moins importantes tant dans le domaine de la peinture religieuse que dans celui de la décoration des hôtels particuliers. Elle sera aussi l’occasion de situer ces artistes et leurs mécènes dans le contexte social de l’époque.Continuer la lecture de Conférence du GRHAM: “La peinture en Provence au XVIIe siècle” par Jane MacAvock (Paris, 14 décembre 2017).
Charles Le Brun, Le Sacrifice de Polyxène, 1647, huile sur toile, 171 x 131 cm, New York, The Metropolitan Museum of Art
Type : Colloque Dates : 26, 27 et 28 mai 2016 Lieux : Ecole du Louvre, Musée du Louvre-Lens, Château de Vaux-le-Vicomte Programme : Télécharger ici
Charles Le Brun est l’un de ces grands artistes qui incarnent à eux seuls une époque. Il fait aujourd’hui l’objet de nombreuses et importantes recherches menées par une nouvelle génération d’historiens de l’art. Ce colloque leur donne la parole, et sera ainsi l’occasion de montrer l’actualité de la recherche sur Charles Le Brun dans les différents domaines de son activité créatrice. Les décors du château de Vaux-le-Vicomte, qui accueillera une journée du colloque, feront l’objet de communications spécifiques. Seront également présentées les principales restaurations passées, en cours et à venir (Louvre, Sceaux, Versailles, Vaux-le-Vicomte) ainsi que leurs enjeux, leurs méthodes et leurs enseignements.
Colloque organisé par le Musée du Louvre-Lens, le Château de Vaux-le-Vicomte et l’École du Louvre.
Le Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow est une institution muséale aux collections variées : peintures, sculptures, objets d’art, d’histoire naturelle et archéologiques datant de la préhistoire au XXe siècle sont exposés dans ses différentes galeries. Le musée, construit sur les rives de la rivière Kelvin par les architectes John W. Simpson et E.J. Milner Allen, est ouvert en 1901 sous le nom de « Palais des Beaux-Arts » (Palace of Fine Arts) pour l’Exposition Internationale tenue à Glasgow cette année-là. Il présente aujourd’hui plus de huit mille objets déployés dans vingt-deux galeries. La plupart des peintures que l’on peut y admirer aujourd’hui ont été données à la ville de Glasgow par le collectionneur Archibald McLellan en 1854.
L’une de ces galeries est dédiée aux œuvres d’artistes néerlandais et flamands du XVIIe siècle. Les différentes peintures y sont regroupées de façon thématique, évoquant les diverses caractéristiques inhérentes à la peinture nordique de cette époque que nous allons alors aborder ici : Allégorie, Nature Morte, Marine, Paysage et Scène de genre.
L’art flamand apparait tout d’abord tel une entité distincte, regroupé dans une partie de la galerie. L’influence des peintres de la Renaissance italienne est évidente, rendue avec des œuvres aux compositions foisonnantes et colorées. Sculpture et architecture classique s’y déploient, parfois ornées de décors végétaux savamment disposés autour de figures aux muscles puissants ou aux formes rondes et charnues. La Servante avec une corbeille de fruits et un couple d’amoureux de Jacob Jordaens (1593-1678) attire notamment l’attention par sa composition étonnante : deux amoureux dissimulés sous une architecture richement sculptée, dans une pénombre à peine éclairée d’une bougie, sont dépeints auprès d’une servante à la figure quant à elle lumineuse, chargée d’un panier débordant de fruits (fig. 1).
Simon Vouet, Saint François de Paule ressuscitant l’enfant de sa sœur, 1648, huile sur toile, Québec, église Saint-Henri-de-Lévis.
Dans le cadre d’une conférence qui s’est déroulée le 3 novembre 2015 à l’INHA, Guillaume Kazerouni a présenté le projet d’une exposition préparée par le Musée des Beaux-Arts de Rennes (MBAR), dont il est le responsable des collections anciennes, en partenariat avec le Musée National des Beaux-Arts du Québec (MNBAQ). Placé dans la continuité de l’exposition qu’il a consacré aux peintures des églises de Paris au XVIIe siècle (Musée Carnavalet, 2012-2013) [1], ce nouveau volet a pour but de révéler l’histoire et la composition d’un ensemble important de peintures provenant des églises parisiennes, peu à peu oublié depuis son transfert au Québec sous la Restauration par l’abbé Philippe-Jean-Louis Desjardins (1753-1833).
1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.
Le GRHAM a été accueilli au Cabinet des dessins Jean Bonna par sa conservatrice, Emmanuelle Brugerolles, qui a rappelé le double intérêt du fonds dont elle a la responsabilité. D’un point de vue patrimonial, il s’agit de la collection française de dessins la plus importante après celle du Louvre. D’un point de vue scientifique, ce fonds offre un point de départ utile à ceux qui étudient certains aspects méconnus de l’histoire de l’art ou de la vie des artistes. L’exemple en est donné avec l’actuelle exposition « Le baroque à Florence » qui offre un appréciable coup de projecteur sur une époque et un espace estompés par la prépondérance historiographique de la Renaissance florentine et du baroque romain[1]. Dans la continuité d’une exposition précédemment consacrée à Michel-Ange[2], le Cabinet Jean Bonna présente jusqu’au 17 avril 2015 une trentaine de feuilles dessinées entre la fin du XVIe siècle et le XVIIe siècle.
2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.
Vice-présidente du GRHAM et stagiaire à l’ENSBA, Marine Roberton a fait découvrir l’exposition aux membres de l’association dans une perspective attributionniste. En effet, la plupart des dessins n’étant pas signés, le rattachement à une main florentine est déterminant pour comprendre le climat artistique de la cité médicéenne durant l’ère baroque. Se fondant sur des œuvres définitives bien documentées[3] et sur des rapprochements techniques ou stylistiques[4], l’exposition a donné lieu à de nouvelles attributions pertinentes. Au-delà de cette garantie scientifique, l’exposition se présente comme un panorama diversifié de Florence aux tournants des Cinquecento et Seicento.
L’ambiance laborieuse et sensuelle des ateliers d’artiste est évoquée par des académies et des études de drapés à la sanguine -technique florentine par excellence- que le Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant une corde illustre fort bien (ill. 1). Ces travaux, autant que les copies d’œuvres alors célèbres (Scène de sacrifice autour d’une statue de Diane d’Ephèse, dessinée par Andrea Boscoli d’après une fresque romaine de Polidoro da Caravaggio), ainsi que les nombreux dessins préparatoires rendent compte de la circulation des motifs, essentiellement religieux (ill. 2), depuis l’atelier jusqu’aux murs des églises et des palais toscans.
3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.
4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.
À côté de ces ébauches, l’exposition présente aussi des dessins dont le fini suggère la présence d’un marché de l’art spécifique. Plusieurs paysages de Remigio Cantagallina, longtemps attribués à Paul Bril, semblent indiquer l’intérêt de collectionneurs contemporains pour le dessin (ill. 3).
Alors que la majorité des feuilles exposées témoigne de l’impact tridentin sur Florence, ces paysages attestent également de l’existence de thématiques profanes.
5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or, 200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.
Des projets de décors éphémères ou de fêtes commandés par les Médicis (ill. 4), en passant par des emprunts à la littérature héroïque, jusqu’aux Personnages burlesques de Baccio del Bianco (ill. 5), le regard des participants s’est réjoui de balayer le spectre d’une société florentine réanimée par les enchevêtrements baroques de la pierre noire, de la sanguine ou de l’encre rehaussés de lavis multicolores.
[1] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le baroque à Florence », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2015, 111 p. [2] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le dessin à Florence au temps de Michel-Ange », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, n°13, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2009, 160 p. [3] Par exemple, le Moïse au Mont Sinaï de la villa Muti à Grottaferrata, peint par Domenico Cresti (ca. 1560-1636), dit Il Passignano, permet d’attribuer deux académies anonymes à cet artiste. [4] Autre exemple, le Portrait de petite fille est donné à Carlo Dolci (1616-1886) en raison d’une forte similitude avec des portraits contenus dans l’un des carnets de dessins de cet artiste, actuellement conservé au Fitzwilliam Museum de Cambridge.