Bonne année muséale !

Johannes Vermeer, L’Astrologue, dit aussi l’Astronomie, 1668, huile sur toile, 51,5 x 45,5 cm, Paris, musée du Louvre.
Johannes Vermeer, L’Astrologue, dit aussi l’Astronomie, 1668, huile sur toile, 51,5 x 45,5 cm, Paris, musée du Louvre.

L’équipe du GRAHM vous souhaite une très belle année muséale et vous invite à aller voir de belles expositions …

A Paris

  • Vermeer et les maîtres de la peinture de genre au siècle d’or, musée du Louvre, du 22 février au 22 mai, sous le commissariat de : Blaise Ducos, conservateur du Patrimoine, département des Peintures, musée du Louvre ; Adriaan E. Waiboer, conservateur, National Gallery of Ireland et Arthur K. Wheelock Jr., conservateur, National Gallery of Art, Washington,
  • Valentin de Boulogne, réinventer Caravage, musée du Louvre, du 22 février au 22 mai, sous le commissariat de : Annick Lemoine et Keith Christiansen.
  • De Zurbaran à Rothko. Collection Alicia Koplowitz, musée Jacquemart-André, du 2 mars au 24 juillet, sous le commissariat de : Pablo Melendo Beltrá ; Pierre Curie, conservateur en chef du patrimoine,
  • Sérénissime ! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi, musée Cognacq-Jay, du 25 février au 25 juin, sous le commissariat de : Benjamin Couilleaux, conservateur du patrimoine au musée Cognacq-Jay, Rose-Marie Herda-Mousseaux, conservateur en chef du patrimoine, directrice du musée Cognacq-Jay,
  • Jardins, Grand Palais, du 15 mars au 24 juillet, sous le commissariat de : Laurent Le Bon, président du Musée National Picasso – Paris ; Coline Zellal, conservateur du patrimoine ; Marc Jeanson , conservateur scientifique, responsable de l’Herbier national au Museum National d’Histoire Naturelle,
  • De Watteau à David, la collection Horvitz, Petit Palais, du 21 mars au 9 juillet 2017, sous le commissariat de : Alvin L. Clark, Jr, The Horvitz Collection and The J.E.Horvitz Consultative Curator, Department of Drawings, Division of European and American Art, Harvard Art Museums/ Fogg ; Christophe Leribault, directeur du Petit Palais,
  • Le Baroque des Lumières, chefs d’œuvres des églises parisiennes, Petit-Palais, du 21 mars au 16 juillet, sous le commissariat de : Christophe Leribault, directeur du Petit Palais ; Marie Monfort, responsable de la Conservation des œuvres d’art religieuses et civiles de la Ville de Paris. Commissaires associés : Maryline Assante (Petit Palais), Lionel Britten (musée d’Orsay), Jessica Degain, Nicolas Engel et Emmanuelle Federspiel (COARC), Christine Gouzi (Université de Paris-Sorbonne) et Guillaume Kazerouni (musée des Beaux-Arts de Rennes).
  • Pierre-Joseph Redouté et le goût des fleurs, musée de la Vie romantique, du 1er avril au 31 octobre,
  • Or virtuose à la cour de France, Pierre Gouthière (1732 – 1813), Les Arts décoratifs, du 15 mars au 25 juin, sous le commissariat de : Anne Forray-Carlier, conservatrice en chef du patrimoine, département XVIIe-XVIIIe siècles assistée de Sophie Motsch, assistante de conservation, département XVIIe-XVIIIe siècles,
  • Des Grands Moghols aux maharajahs. Joyaux de la collection Al Thani, Grand Palais, du 29 mars au 5 juin. sous le commissariat de : Amin Jaffer, conservateur, Collection Al Thani ; Amina Okada, conservateur général au musée national des arts asiatiques – Guimet.

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Ventes Sotheby’s de mai et de juin 2016.

 

Louyse Moillon, Panier de quetsches, 1629, huile sur bois, 40,5 x 52,5 cm
Louyse Moillon, Panier de quetsches, 1629, huile sur bois, 40,5 x 52,5 cm

Au cours de la vente de tableaux et dessins anciens du 16 juin (Paris, 14h30), le Panier de quetsches de Louyse Moillon (1610 – 1696) a atteint la somme de 1 143 000 € (Lot 24). Louyse Moillon est une des rares femmes peintres du XVIIe siècle qui ait réussi à s’imposer dans le milieu artistique de l’époque, à l’instar d’Artemisia Gentileschi en Italie. Agée de seulement 19 ans, l’artiste révèle déjà toute sa virtuosité dans cette nature morte, un genre qui commence tout juste d’être apprécié par les érudits de la France de Louis XIII. La coupe de raisins sur entablement (1631, huile sur bois, 47,5 x 62,2 cm) de Jacques Linard (1597 – 1645), contemporain de Louyse Moillon, est partie à un prix plus raisonnable (Lot 25, 113 100 €).

Jean Restout, Abraham et les trois anges, huile sur toile, 130 x 97 cm
Jean Restout, Abraham et les trois anges, huile sur toile, 130 x 97 cm

L’Abraham et les trois anges de Jean Restout (1692 – 1768) relate l’épisode au cours duquel trois anges reçus par Abraham lui annonce la grossesse prochaine de sa femme Sarah (Genèse 18, 1-16). Tandis qu’Abraham s’est agenouillé pour laver les pieds d’un des anges, les deux autres se regardent d’un air entendu (retenant encore la bonne nouvelle) et Sarah observe la scène à moitié cachée derrière un pan de la tente. Cette peinture méconnue de l’artiste faisait partie de la collection du peintre Noël Hallé (1711-1781) et était restée depuis chez ses descendants. Elle a atteint la somme de 87 000€ (Lot 27).

Jean-Baptiste Marie Pierre, Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant, huile sur toile, 61,3 x 76,5 cm.
Jean-Baptiste Marie Pierre, Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant, huile sur toile, 61,3 x 76,5 cm.

Le Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant de Jean-Baptiste Marie Pierre (1714 – 1789) est une œuvre précoce de l’artiste. Elle fut très certainement peinte durant le séjour de Pierre à l’Académie de France à Rome (1735 – 1740) où, après avoir gagné le Prix de Rome en 1735, il travailla sous la direction de Nicolas Vleughels et Jean-François de Troy. Ce Lot 39 a atteint la somme de 363 000 €. Signalons encore Le cheval blanc (huile sur toile, 37,5 x 46 cm) de Louis-Léopold Boilly (1761 – 1845) dépeignant le départ d’une jeune fille sur un cheval blanc à qui un couple, qui semble être celui de ses parents, dit au revoir (Lot 55, 45 000 €).

François Ladatte, Vénus et Cupidon, 1759, marbre, 89 x 35 cm.
François Ladatte, Vénus et Cupidon, 1759, marbre, 89 x 35 cm.

Dans la vente de Sculptures et Objets d’Art Européens du 16 juin (Paris, 10h30) on peut signaler une Venus désarmant l’Amour datant de 1730 (44 cm). Ce bronze à la belle patine brune et à la surface finement ciselée a séduit par la qualité de sa fonte et la complexité de sa composition (Lot 50, 129 000 €). La Vénus et Cupidon de François Ladatte (1706 – 1787) a atteint la somme de 96 600 € (Lot 54). C’est en 1737 que Ladatte expose au Salon la version en terre cuite de ce marbre sous le titre de Flore, en même temps que le modèle en plâtre de sa statue de Louis XV en pied destinée à la ville de Rouen. La Danaé recevant Jupiter en pluie d’or  (vers 1762, 35 x 58 x 23,5 cm) d’Augustin Bocciardi (1719 – 1797) a été vendue au prix de 111 000€ (Lot 58). En 1762, une paire de figures en marbre par Bocciardi, représentant La Volupté couchée sur un matelas et Danaé recevant Jupiter en pluie d’or, sont mentionnées à l’exposition de l’Académie de Saint-Luc sous le n° 126. Le livret les décrit comme « Deux Figures de Femmes en marbre blanc, de 22 pouces de proportion; l’une représente la Volupté couchée sur un matelas, l’autre Danaé qui reçoit Jupiter en pluie d’or ». Ces deux figures faisaient partie de la collection de Denis Pierre Jean Papillon de La Ferté (1727-1794), intendant des Menus-Plaisirs de la Maison du roi. s’étant vu imposé l’emploi de Bocciardi par le duc d’Aumont (1709 – 1782) alors qu’il estimait ne rien avoir à lui confier comme travail, Papillon de La Ferté, grand collectionneur de Vernet (il lui commande une série de sept grands panneaux décoratifs pour son hôtel particulier) s’est visiblement laissé séduire par les talents du sculpteur.

Rosalba Carriera, Portrait d’une dame à mi-figure, pastel, 60 x 40 cm.
Rosalba Carriera, Portrait d’une dame à mi-figure, pastel, 60 x 40 cm.

Au cours la vente d’une collection milanaise le 13 juin (Milan, 18h00) sont passés deux portraits de Rosalba Carriera (1675 – 1757) : le Portrait d’une dame à mi-figure (lot 78, 68 750 €) et le Portait d’un gentilhomme à mi-figure (pastel, 57 x 43 cm) (lot 79, 62 500 €).

Valentin de Boulogne, David avec la tête de Goliath, 1627, huile sur toile, 139 x 103 cm.
Valentin de Boulogne, David avec la tête de Goliath, 1627, huile sur toile, 139 x 103 cm.

La vente « Master Paintings » du 26 mai (New York, 10h00) a notamment permis d’admirer un David avec la tête de Goliath de Valentin de Boulogne (1591 – 1632), commandé en 1627 par la Cardinal Francesco Barberini (1597 – 1679), neveu du Pape Urbain VIII (Lot 64, vendu à 490 000 $). Son pendant présumé est le Samson qui se trouve au musée d’art de Cleveland.

Louis Gauffier, Portrait de Lady Holland, 1795, huile sur toile, 51 x 67,6 cm.
Louis Gauffier, Portrait de Lady Holland, 1795, huile sur toile, 51 x 67,6 cm.

On signalera également le Portrait de Lady Holland réalisé par Louis Gauffier (1762 – 1801). Ce Lot 83, évalué entre 300 000 et 600 000 $ n’a pas trouvé acquéreur. En revanche, une Nature morte au violon peinte vers 1725 (huile sur toile, 60,3 x 76,8 cm) par Jean-Baptiste Oudry est partie à 610 000 € (Lot 88).

Dans la vente « Travel, Atlases, Maps and Natural History » du 28 avril  (Londres 14h30), on notera l’Altas Major de Johannes Blaeu (1596 – 1673) en 9 volumes (Lot 41, vendu 389 000 £) ainsi que la première édition en 8 volumes de l’Hortus Romanus de Giorgio Bonelli illustrée de 800 planches gravées et coloriées à la main (55 x 38 cm par folio) datant de 1772 – 1793 (Lot 23, vendu 118 750 £).

Florence Fesneau

La Collection A. Alfred Taubman chez Sotheby’s

Valentin de Boulogne, Le couronnement d’épines, vers 1615, huile sur toile, 146,4 x 106,5 cm.
Valentin de Boulogne, Le couronnement d’épines, vers 1615, huile sur toile, 146,4 x 106,5 cm.

Le 27 janvier 2016, Sotheby’s mettra en vente à New York (18h) une partie de la collection d’Alfred Taubman (1924 – 2015). Cet homme d’affaires qui fit fortune dans les centres commerciaux, fut actionnaire de Sotheby’s de 1983 à 2005 en assurant ainsi son indépendance et son développement, mais aussi philanthrope (il a largement contribué au développement de l’université du Michigan) et grand collectionneur. Parmi les objets dispersés, on signalera Le couronnement d’épine de Valentin de Boulogne (Coulommiers-en-Brie, 1591 – 1632, Rome). Le tableau (lot 20 estimé entre 1 500 000 et 2 000 000 $) devrait faire partie des œuvres présentées au Metropolitan Museum, puis au Louvre pour une exposition monographique – la première réalisée sur l’artiste – qui débutera à New York en octobre 2016 et se terminera à Paris en janvier 2017. Le commissariat de l’exposition sera assuré par Keith Christiansen pour le Metropolitan Museum, Nicolas Milovanovic pour le Louvre, ainsi que par Annick Lemoine qui a publié en 2008 chez Arthena, la monographie d’un autre émule du Caravage, Nicolas Régnier (1588 – 1667).

Matthias Stomer, Dispute du christ avec les docteurs, huile sur toile, 136 x 181 cm.
Matthias Stomer, Dispute du Christ avec les docteurs, 1630 – 1640, huile sur toile, 136 x 181 cm.

Le lot 30 (estimé entre 1 000 000 et 1 500 000 $) présente une Dispute du Christ avec les Docteurs de Matthias Stomer (Amersfoort, 1600 – 1652, Sicile) peinte à Naples dans les années 1630, ainsi que son pendant, Jacob béni par Isaac qui se trouve aujourd’hui au Barber Institute of Fine Arts de l’université de Birmingham.

Thomas Gainsborough, Le page en bleu, 1770 – 1772, huile sur toile, 165,5 x 113 cm.
Thomas Gainsborough, Le page en bleu, 1770 – 1772, huile sur toile, 165,5 x 113 cm.

Enfin le XVIIIe siècle est représenté, entre autre, par un tableau (lot 62 estimé entre 3 000 000 et 4 000 000 $) de Thomas Gainsborough (Sudbury, 1727 – 1788, Londres), Le Page en bleu. L’œuvre est peinte par l’artiste au cours de son séjour à Bath (1759 – 1774) durant lequel sa réputation de portraitiste s’accroît rapidement grâce à la clientèle de la haute société. Son succès l’oblige à adopter une touche rapide qui ne s’attarde pas sur les détails du costume du page pour se concentrer sur le rendu des traits de son visage. Ce portrait entretient une certaine proximité avec celui du Garçon en bleu qui se trouve actuellement dans les Huntington Art Collections de San Marino en Californie. Gainsborough expose le Garçon en bleu au salon de la Royal Academy en 1770 où il souhaite se confronter à Joshua Reynolds (1723 – 1792). La réalisation du Page en bleu participe sans doute des réflexions que Gainsborough mène pour se différencier de son concurrent le plus direct.

Florence Fesneau

Les Bas-Fonds du Baroque. La Rome du vice et de la misère.

L’exposition qui a lieu jusqu’au 24 mai 2015 au Petit Palais – sous le commissariat de Francesca Cappelletti et Annick Lemoine –  a suscité d’élogieuses critiques, non seulement pour le choix audacieux d’un sujet peu traité jusqu’à présent et pour la qualité des œuvres présentées (même si certains auraient souhaité que celles-ci soient plus nombreuses), mais aussi pour la magnifique scénographie de Pier Luigi Pizzi. Par la reproduction monumentale de gravures[1] d’époque, l’exposition donne à voir, côté galerie, la Rome fastueuse du XVIIe siècle, tandis que, côté salons, Bamboccianti[2], caravagesques et paysagistes offrent aux visiteurs, sous les ors des palais romains (reconstitués) de leurs commanditaires un autre visage de la cité éternelle : une « Rome souillée » qui aime vivre « sous le souffle de Bacchus », dans des tavernes « truculentes » ou « mélancoliques » que fréquentent les Bentvueghels[3], une Rome de « désordres et de violences » mais aussi de « charmes et de sortilèges », pour reprendre les différentes thématiques abordées par l’exposition. Les neuf essais proposés dans le catalogue de l’exposition[4] reviennent plus précisément sur les aspects méconnus de cette Rome du XVIIe siècle et sur les artistes qui la fréquentaient. Cet article se propose d’en donner une brève synthèse.

Michelangelo Merisi dit Caravage, Bacchus malade, 1593, huile sur toile, 67 x 53 cm, Rome, Museo e Galleria Borghese.
Michelangelo Merisi dit Caravage, Bacchus malade, 1593, huile sur toile, 67 x 53 cm, Rome, Museo e Galleria Borghese.

Dans son essai « Sous les auspices de Bacchus. La Rome des bas-fonds, de Caravage aux Bentvueghels[5] », Annick Lemoine explicite le choix qu’a fait Caravage, suivi par les Bentvueghels, de retenir la figure de Bacchus comme source d’inspiration libératrice et transgressive, plutôt que celle d’Apollon. La figure de Bacchus cristallise « le comique et la dérision, l’ambiguïté et la manipulation, ou encore l’excès ou la simple licence[6] » qui caractérisent les recherches picturales de Caravage, puis de ses suiveurs et des Bamboccianti, allant de l’audace jusqu’à l’art de l’insulte, dont le geste de la fica[7] est l’illustration par excellence.

 

 

 

Dans « Stupenda e misera città. Sites célèbres et gens de peu : une nouvelle idée de la peinture dans la Rome du début du XVIIe siècle[8] », Francesca Cappelletti souligne le nouvel attrait qu’exerce, au XVIIe siècle, la peinture d’après nature qui permet « d’intégrer les images de l’ordinaire des jours dans les décors grandioses[9] » de la Rome antique et moderne. Aux côtés des mendiants et des vagabonds, les bohémiennes se font aussi très présentes dans ces œuvres. « Camper des passants vêtus à la mode du temps – ou même un quidam en train d’uriner – peut être le moyen de souligner l’exactitude d’un coup d’œil qui ne recule devant aucune trivialité.[10] ».

Roeland van Laer, Les Bentvueghels dans une auberge romaine, 1626 – 1628, huile sur toile, 88,5 x 147,5 cm, Rome, Museo di Rome.
Roeland van Laer, Les Bentvueghels dans une auberge romaine, 1626 – 1628, huile sur toile, 88,5 x 147,5 cm, Rome, Museo di Rome.

Si les biographes du XVIIe siècle mettent en avant les aspects les plus édifiants de la vie des artistes pour affirmer le caractère noble de leur art,  Patrizia Cavazzini relate, dans « Noblesse et bassesse dans la biographie des peintres de genre[11] », les anecdotes moins glorieuses de la vie quotidienne des peintres des Bentvueghels à Rome. Moins bien rémunérés que les peintres d’histoire, les Bamboccianti vivent souvent à crédit, payant parfois leur ardoise en tableaux. Grands amateurs de jeux de hasard, ils ont souvent des démêlés avec la justice, certains jeux de dés étant interdits. Les agressions et les comportements violents sont fréquents, favorisés par la consommation d’alcool. La fréquentation des courtisanes est assidue. Cependant les œuvres témoignant de ces soirées de débauche ne se retrouvent pas dans les demeures modestes qui abritent pourtant des peintures en grand nombre à partir des années 1620 : elles semblent exclusivement réservées aux collections des grands personnages, les Bamboccianti fréquentant aussi bien des gens de rien que des gens de bien.

Dans « Qui est Pauson ? Aux origines du genre vil[12] », Michel Hochmann rappelle que si Bellori a pu comparer le genre bas d’imitation de Pieter van Laer (surnommé Bamboche) à celui de Pauson mentionné par Aristote dans sa Poétique, cette comparaison a une histoire. En effet les premiers commentateurs d’Aristote (au XVIe siècle) n’ont pas immédiatement interprété correctement la conception du philosophe concernant le rapport de l’art à la nature qui exemplifie celui de la tragédie à la comédie. L’œuvre – disparue et donc énigmatique – de Pauson ne permettait pas de comprendre de visu si la critique d’Aristote portait sur la manière de l’imitation ou sur l’objet de celle-ci. Mais l’étude du livre XXXV de l’Histoire naturelle de Pline permit finalement à Giovan Battista Agucchi (1570 – 1632), d’ordonner les genres picturaux : il fit figurer au sommet de l’échelle Raphaël et l’idéalisation, au bas de l’échelle Bassano et la peinture de genre, tandis que le naturalisme de Caravage se trouvait clairement condamné. Ainsi établie, cette hiérarchie des genres fournira à Bellori une interprétation satisfaisante de la Poétique d’Aristote, en même temps qu’elle déterminera toute la réflexion théorique des siècles suivants.

Claude Gellée dit Le Lorrain, Port de mer avec soleil couchant, 1639, huile sur toile, 103 x 137 cm, Paris, musée du Louvre.
Claude Gellée dit Le Lorrain, Port de mer avec soleil couchant, 1639, huile sur toile, 103 x 137 cm, Paris, musée du Louvre.

L’essai de Frédéric Cousinié[13] se propose de mettre au jour dans les œuvres de jeunesse du Lorrain « une poétique de la disconvenance » que Claude Gellée a en commun avec les  Bamboccianti. Le Port de mer avec soleil couchant (1639) est l’exemple d’une œuvre dite « sans sujet particulier » dont les personnages en costumes modernes sont proches de ceux peints par les Bamboccianti, tout comme le motif central de la rixe. Ces personnages évoquent soit des gravures satiriques marquant la reprise de la guerre franco-espagnole, soit des gravures de costumes des nations. Seul Le Lorrain démontrera une capacité supérieure à disposer ses figures selon une référence textuelle ordonnatrice, ce qui lui permettra de passer de la peinture de genre à la peinture d’histoire. Mais il n’en reste pas moins qu’il est possible de penser qu’à travers la mise en présence de figures de diverses nations, il partage avec ses amis les Bamboccianti un même propos – caché – illustrant les multiples conflits qui opposèrent les tenant des partis français et espagnols pour s’attirer, à Rome, les bonnes grâces d’Urbain VIII.

Valentin de Boulogne, Le Concert au bas-relief, vers 1620 - 1625, huile sur toile, 173 x 214 cm, Paris, musée de Louvre.
Valentin de Boulogne, Le Concert au bas-relief, vers 1620 – 1625, huile sur toile, 173 x 214 cm, Paris, musée de Louvre.

Dans « Paysages sonores. Images de la musique populaires à Rome au XVIIe siècle[14] », Anna Harwell Celenza indique que la musique italienne subit une mutation au XVIIe siècle permettant aux amateurs de l’unir de façon plus expressive avec la poésie. L’essor de la monodie ou seconda pratica favorise en effet le passage de la polyphonie dite « à voix égale » de la Renaissance tardive à une musique instrumentale et vocale. Les tableaux représentant des joueurs de luth, de théorbe, de guitare (évocatrice d’exotisme et de sensualité) ou encore de flute à bec (réservée à la culture de la classe moyenne et du petit peuple) témoignent d’un plaisir musical « d’autant plus prisé qu’il s’accordait aisément à une sorte de sensualité quotidienne ». Ils sont aussi le signe de l’intérêt que les mécènes accordaient à la musique et de l’importance du patronage aristocratique dans l’adoption de sujets musicaux nouveaux.

L’essai d’Andrea Gareffi[15] fait revivre l’écrivain Ferrante Pallavicino décapité à l’âge de 29 ans en Avignon sur ordre d’Urbain VIII pour ses satires scandaleuses. Parmi les œuvres de Ferrante, sont plus particulièrement mentionnées La Rhétorique des putains et Le Divorce céleste dans lequel l’auteur dénonce « Rome changée en prostibule[16] », non pas du fait de ses courtisanes, mais à cause de « la dégradation de la nature et de l’intelligence qu’a perpétré l’Eglise de Rome[17] ».

Julia Castiglione[18] rappelle, quant à elle, que Salvator Rosa fut un des premiers à critiquer, dans sa satire La Pittura, les bambochades qui étaient, pour lui, le symptôme d’une décadence morale et esthétique. Cependant Julia Castiglione souligne que la réaction contre le mouvement des Bamboccianti et leur vulgarité traduit aussi et surtout une critique à l’égard d’un nouveau système économique qui prend une importance croissante avec le déclin du mécénat : les marchands d’arts.

Angelo Caroselli, Scène de sorcellerie ou L’Apprentie Sorcière, vers 1615 – 1620, huile sur toile, 66 x 61 cm, collection particulière.
Angelo Caroselli, Scène de sorcellerie ou L’Apprentie Sorcière, vers 1615 – 1620, huile sur toile, 66 x 61 cm, collection particulière.

Dans « La violence et ses limites dans les « canards » de faits-divers en Italie au XVIIe siècle[19] », Amélie Bernazzani examine les histoires publiées dans les opuscules vendus par les colporteurs : des affaires criminelles, des disputes de quartier, des catastrophes naturelles et autres faits inexpliqués ou monstrueux. Les références au diable et à Dieu sont omniprésentes dans ces « canards », rappelant que ceux-ci se doivent de servir de guide de bonne conduite pour faire connaître les comportements licites ou illicites. Cet objectif est atteint par des gravures qui témoignent d’une grande retenue : elles préfèrent se concentrer sur la condamnation des criminels tandis que les textes détaillent explicitement les crimes commis. Ainsi l’exploitation du monde des bas-fonds n’est pas seulement faite pour divertir ou choquer, mais aussi et surtout pour véhiculer les idéaux chrétiens tels que reformulés par le concile de Trente.

 

Nicolas Régnier, La Farce, 1623 - 1625, huile sur toile, 97 x 131 cm, Stockholm, Nationalmuseum.
Nicolas Régnier, La Farce, 1623 – 1625, huile sur toile, 97 x 131 cm, Stockholm, Nationalmuseum.

Pour conclure cette trop rapide présentation des Bas-fonds du baroque, quoi de mieux que cette Farce de Nicolas Régnier[20] montrant un jeune homme épuisé par une nuit de débauche devenue la proie d’une jeune femme espiègle qui impose silence au spectateur. En l’absence de sources littéraires s’y rapportant, le sujet reste mystérieux, de même que les intentions de la jeune femme qui, en plaçant une mèche allumée sous le nez du gandin endormi peut vouloir l’éveiller en sursaut, ou l’étourdir plus profondément par quelques drogues, ou provoquer dans son sommeil quelque rêve érotique, le tabac étant alors apprécié pour ses vertus aphrodisiaques.

Florence Fesneau

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[1] Vues de Rome gravées par Giovanni Battista Falda (1643 – 1678).

[2] L’origine de la dénomination Bamboccianti (littéralement bambocheurs) se trouve dans le sobriquet attribué au peintre Pieter Van Laer (« Il Bambocchio » ou « le Bamboche ») pour les scènes de beuveries et autres peintures de genre décrivant crûment la vie du quotidienne des Romains les plus modestes.

[3] Les Bentvueghels (littéralement « Oiseaux de bande ») sont le nom des confréries d’artistes (pour l’essentiel flamands et hollandais) qui se sont constituées à Rome au XVIIe siècle.

[4] Les Bas-fonds du baroque. La Rome du vice et de la misère, Rome, Villa Médicis, du 7 octobre 2014 au 18 janvier 2015 ; Paris, du 24 février au 24 mai 2015. Commissariat : Francesca Cappelletti, Annick Lemoine, Paris, 2014.

[5] Ibid. p. 23 – 42.

[6] Ibid. p. 23

[7] Geste obscène qui consiste à placer le pouce entre l’index et le majeur de façon à figurer le sexe féminin.

[8] Ibid. p. 43 – 56.

[9] Ibid. p. 45.

[10] Ibid. p. 49.

[11] Ibid. p. 57 – 68.

[12] Ibid. p. 69 – 76.

[13] Ibid. « Les disputes du Soleil : le Lorrain crypto-bamboche », p. 77 – 92.

[14] Ibid. p. 93 – 102.

[15] Ibid. « Mort de Ferrante Pallavicino », p. 103 – 110.

[16] Ibid. p. 108.

[17] Ibid. p. 104.

[18] Ibid. « Salvator Rosa contre les Bamboccianti. La querelle de la dignité de l’art», p. 111 – 116.

[19] Ibid. p. 117 – 123.

[20] Ibid. Notice 18, p. 178 – 179.

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