Publication : “Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850)”

Noémi Duperron (dirs.), Barbara Jouves-Hann (dirs.), Maxime Georges Métraux (dirs.), Marc-André Paulin (dirs.) et Bérangère Poulain (dirs.), Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850), Rome, Artemide edizioni, 2022, 166 p.

 

Présentation de l’éditeur :

Dès le début du XVIIIe siècle, l’idée de plaisir — comme recherche de sensations agréables — devient une composante essentielle et constante de la société. Selon l’historien Paul Hazard, la sensation permet alors à l’individu de prendre conscience de l’existence du monde qui l’entoure, et devient une préoccupation centrale pour les hommes de lettres et les artistes. Dans les espaces intérieurs, ce nouveau rapport de proximité entre l’homme sensible et les murs, le mobilier ou les objets du décor se ressent au travers des interrogations sur la place du plaisir sensoriel dans la distribution, l’ameublement et l’ornementation.

Ce paradigme est au cœur des articles présentés dans cet ouvrage. Focalisés sur la production européenne entre 1700 et 1850, leurs auteurs examinent les sensations sous l’angle de la culture matérielle, des normes sociales ou de l’usage des différentes pièces du logement, que celui-ci ait été édifié, théorisé ou simplement imaginé. En s’appuyant sur des méthodologies variées, les différentes études montrent le rôle central joué par le plaisir, le confort, la commodité ou encore l’agrément dans la conception des intérieurs à cette période. Affectant toutes les échelles de l’habitat, de la construction du bâtiment à la décoration de ses recoins les plus intimes, les sens du toucher, de l’odorat, de la vue ou de l’ouïe sont autant d’éléments auxquels les architectes, les artistes et les artisans devaient prêter attention pour satisfaire les exigences de leurs utilisateurs aux perceptions aiguisées. Continuer la lecture de Publication : “Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850)”

Candidatures Université d’été : “Techniques Picturales (1400-1900)”

Type : Université d’été
Date limite des candidatures : 30 avril 2022
Dates de l’évènement : 4-8 juillet 2022
Lieu : Centre Malher, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

L’université d’été « Techniques picturales (1400-1900)” se propose d’explorer certains pans de l’histoire de l’art pictural sous l’angle de la technologie. Des points clés de la peinture tels que le dessin et la production de multiples, la préparation des toiles et la peinture à l’huile, ou encore la couleur et ses modes de production seront étudiés. Chaque point sera développé au travers d’une école artistique et nourri par les interventions d’historiens de l’art, de chercheurs en sciences du patrimoine, de conservatrices du patrimoine et de restauratrices des biens culturels.

La formation s’adresse à douze étudiants en cours de doctorat en histoire de l’art ou en sciences du patrimoine, ou inscrits en master 2 et envisageant un doctorat. L’enjeu de cette université est que les participants acquièrent les fondements d’une étude technologique et expérimentent ces notions. Continuer la lecture de Candidatures Université d’été : “Techniques Picturales (1400-1900)”

Journée d’étude : “Recherche et restauration : histoires, pratiques et perspectives”, 22 septembre 2021, en visioconférence

Type : Journée d’étude

Date et horaire : 22 septembre 2021, 9h-17h30

Lieu : Visioconférence pour le public (sur inscription en ligne)

L’enquête menée récemment dans le cadre du projet « Recherche et Restauration » auprès du DIM Matériaux anciens et patrimoniaux, au sein de l’ENS Paris-Saclay et en partenariat avec l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, a eu pour but d’identifier des pistes de réflexion à partir des discours des acteurs de la profession.

A côté des différentes études menées ces dernières années sur le statut professionnel des restaurateurs, cette journée se donne un autre objectif, alimenté à la fois par une réflexion sur les spécificités de l’interdisciplinarité mise en œuvre dans les études portant sur matériaux anciens, et par une réflexion construite à partir de projets collectifs.

La journée “Recherche et Restauration – Histoires, pratiques et perspectives” aura pour but d’identifier des outils, des instruments, des processus, simples, robustes et innovants favorisant une meilleure articulation entre recherche et restauration dans le cadre d’une réflexion inter- et pluridisciplinaires. Continuer la lecture de Journée d’étude : “Recherche et restauration : histoires, pratiques et perspectives”, 22 septembre 2021, en visioconférence

Colloque online : “Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850)”.

Type : Colloque.
Date de l’événement : 3 et 4 décembre 2020.
Lieu : Online. Le colloque aura lieu sur Zoom.

 
 
Lien pour l’inscription – jeudi 3 décembre : 
Lien pour l’inscription – vendredi 4 décembre :
 
Colloque organisé par l’Université de Genève (Unité d’histoire de l’art) et l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (Equipe de recherche HiCSA et Ecole doctorale d’histoire de l’art).
PROGRAMME
 
Jeudi 3 décembre, 14h

Introduction, Bérangère Poulain (Université de Genève) et Barbara Jouves-Hann (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

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Conférence du GRHAM : “Jacques-Louis David dessinateur : une approche comparative de sa pratique” par Philippe Bordes (12 décembre, Paris)

Jacques-Louis David, Portrait de Thirius de Pautrizel, juin ou juillet 1795, plume, encre grise, lavis gris et brun clair, graphite, rehauts de gouache blanche, diamètre : 19,2 cm, Washington D.C., National Gallery of Art.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 12 décembre 2019 à 19h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

L’intervention soumettra à la discussion des réflexions en vue d’un essai commandé pour le catalogue de l’exposition des dessins de Jacques-Louis David qui sera présentée au Metropolitan Museum of Art de New York en 2021 et dont le commissariat est assuré par Perrin Stein, conservateur au département des dessins et des estampes.

         La pratique du dessin par Jacques-Louis David traduit d’abord des prédilections personnelles et la logique interne de sa carrière et de ses ambitions artistiques. Bien qu’un tel « self-fashioning » s’applique généralement quand l’histoire de l’art se confronte à des artistes majeurs, dans ce cas le processus devient moins facile à cerner en raison de l’instabilité déroutante du contexte social et politique de la Révolution à la Restauration et de l’effondrement des protections et institutions qui sous l’Ancien Régime structuraient la pratique artistique. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : “Jacques-Louis David dessinateur : une approche comparative de sa pratique” par Philippe Bordes (12 décembre, Paris)

Appel à communication : “Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850)”.

Jean-François de Troy, La jarretière détachée, 1724, huile sur toile, 64.8 × 53.7 cm , New York, The Metropolitan Museum of Art, collection Jayne Wrightsman.

Type : appel à communication pour un colloque international.
Date limite de l’appel : 13 janvier 2020.
Date de l’événement : 28 et 29 mai 2020.
Lieu : Genève, université de Genève.

 

Dans la lignée des travaux de Goubert (Du Luxe au confort, 1988), de Crowley (The Invention of Comfort, 2001) et de DeJean (The Age of Comfort, 2009), ce colloque souhaite revenir sur la part que tenait le plaisir sensoriel dans l’organisation des espaces intérieurs en Europe entre 1700 et 1850. Plusieurs traités d’architecture du XVIIIe siècle tels que celui de Boffrand (1745) ou plus tard de Le Camus de Mézières (1780) mettent l’accent sur l’importance des sens dans la disposition et la décoration des pièces. Ces textes soulignent que certains arrangements, pour reprendre le terme de l’époque, doivent créer une impression de plaisir et de bien-être sur ses usagers. Cette idée d’un décor qui éveille les différents organes de perception du corps humain dans le but de produire un effet sur le spectateur s’inscrit dans une approche sensualiste de l’architecture. Cette préoccupation est alors désignée par de nombreux auteurs sous les termes d’« agrément » et de « commodité » qui permettent d’exprimer, avant qu’il n’apparaisse au début du XIXe siècle, le concept de confort[1].

[1] Joan DeJean, The Age of Comfort : When Paris Discovered Casual and the Modern Home Began, New York, Bloomsbury, 2009.

 

Nous proposons de privilégier trois grands axes de réflexion, qui n’épuisent évidemment pas le champ des possibles :

DE LA THÉORIE A LA PRATIQUE

Le premier axe est consacré à la place de l’agrément et du confort dans les ouvrages théoriques et à l’impact de ceux-ci dans la production de décors. Il s’agira ainsi de déterminer la part accordée aux sens et au corps non seulement dans les traités d’architecture, mais aussi les textes destinés aux artistes décorateurs, comme le livre d’André Jacob Roubo (L’Art du menuisier en meubles, 4 vols, 1769-1775), et, plus incidemment, dans les recueils de modèles (Jean-Charles Delafosse (Nouvelle Iconologie historique, 1768). L’intérêt porté aux sensations dans ces ouvrages peut être pensé (/envisagé) en regard de la philosophie sensualiste (Condillac, Traité des sensations, 1754) mais aussi de la littérature libertine du siècle des Lumières (La Petite Maison de Bastide, 1763).

Continuer la lecture de Appel à communication : “Décoration intérieure et plaisir des sens (1700-1850)”.

Appel à communication : “Aux limites de l’étude matérielle de la peinture : la reconstitution du geste artistique”.

François Boucher, Le Peinture dans son atelier, XVIIIe siècle, huile sur toile, 27 x 22 cm, Paris, musée du Louvre

Type : appel à communication.
Date limite de l’appel : 1er mai 2019.
Date de l’événement : 28 septembre  2019.
Lieu : Paris, INHA.

Dans son positionnement en tant que discipline scientifique, l’histoire de la peinture s’impose traditionnellement comme strict objet d’étude le tableau. Elle n’en demeure pourtant pas moins fascinée par ce qu’elle ne peut atteindre de façon absolue : le geste de l’artiste.

Ce geste relève d’autant plus du domaine de l’imaginaire et de l’impalpable, qu’il affleure au sein d’études matérielles consacrées aux outils ou aux matériaux.

Qualifié de volontaire ou de conditionné, d’individuel ou de stéréotypé, le geste entraine dès lors l’histoire de l’art dans des débats sur sa technicité, sa singularité, voire la possibilité même d’un savoir objectif à son endroit.

Ainsi tentée par la réincarnation du peintre en action, l’écriture de l’histoire de l’art a pu développer des stratégies pour recréer le mouvement du peintre, se le figurer par le biais d’une image mentale, en se raccrochant à une imagerie tangible ou encore en essayant de le reconstituer. Continuer la lecture de Appel à communication : “Aux limites de l’étude matérielle de la peinture : la reconstitution du geste artistique”.

Publication : “The Restoration of Paintings in Paris, 1750–1815 : Practice, Discourse, Materiality”.

ETIENNE Noémie, The Restoration of Paintings in Paris, 1750–1815 : Practice, Discourse, Materiality, Los Angeles, Getty Conservation Institute, 2017, 384 p.
ETIENNE Noémie, The Restoration of Paintings in Paris, 1750–1815 : Practice, Discourse, Materiality, Los Angeles, Getty Conservation Institute, 2017, 384 p.

Présentation de l’éditeur :

The decades following the 1973 publication of Alessandro Conti’s Storia del Restauro have seen considerable scholarly interest in the development of restoration in France in the second half of the eighteenth century. A number of technical treatises and biographies of restorers have offered insight into restoration practice. The Restoration of Paintings in Paris, 1750–1815, however, is the first book to situate this work within the broader historical and philosophical contexts of the time. Drawing on previously unpublished primary material from archives in Paris, Berlin, Rome, and Venice, Noemie Etienne combines art history with anthropology and sociology to survey the waning decades of the Ancien Régime and early post- Revolution France. Initial chapters present the diversity of restoration practice, encompassing not only royal institutions and the Louvre museum but also private art dealers, artists, and craftsmen, and examine questions of trade secrecy and the changing role of the restorer. Following chapters address the influence of restoration and exhibition on the aesthetic understanding of paintings as material objects. The book closes with a discussion of the institutional and political uses of restoration, along with an art historical consideration of such key concepts as authenticity, originality, and stability of artworks, emphasizing the multilayered dimension of paintings by such important artists as Titian and Raphael. There is also a useful dictionary of the main restorers active in France between 1750 and 1815.

Noémie Étienne is currently a fellow at the Getty Research Institute. Beginning in September 2016 she will be a Swiss National Science Foundation Professor of Art History at the University of Bern.

Conférence du GRHAM : « Réunion d’Artistes dans l’atelier d’Isabey de Louis-Léopold Boilly » par Claire Betelu (Paris, 21 juin 2016 à 18h30).

Louis Léopold Boilly, Réunion d'artistes dans l'atelier d'Isabey, 1798, huile sur toile, 71 x 111 cm, Paris, musée du Louvre.
Louis Léopold Boilly, Réunion d’artistes dans l’atelier d’Isabey, 1798, huile sur toile, 71 x 111 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : mardi 21 juin de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Réunion d’Artistes dans l’atelier d’Isabey, présenté au Salon de 1798, apparaît aujourd’hui comme une œuvre majeure de Louis-Léopold Boilly. Acclamé par le public, moqué par la critique, le tableau est la première représentation d’artistes d’une telle envergure dans la peinture française. L’étude des différentes étapes du processus créatif, des premiers dessins connus au choix du titre, fait état d’un processus complexe de conception et de réalisation. Son analyse, avec le soutien de la génétique et de l’examen matériel des œuvres notamment dans le cadre de la restauration, offre une lecture nouvelle des pratiques du peintre dans le contexte artistique du Directoire. Elle révèle également les liens et les ambitions d’une nouvelle communauté artistique ouverte à l’ensemble des acteurs des beaux-arts et des arts de la scène.

Claire Betelu est restauratrice de tableaux, elle est également docteur en Histoire de l’art de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

« Est-il utile ou nuisible de restaurer ? » Réflexion sur l’acte de restauration et ses acteurs en 1796.

arrivée au Louvre des trésors d'art de la Grande Armée (RF6061-recto) 263 x 446 cm Paris Musée du Louvre (RMN)

Benjamin ZIX, Arrivée au Louvre des trésors d’art de la Grande Armée, (RF6061-recto), (263 x 446 cm), Paris, Musée du Louvre (RMN)

Souvent négligées, les restaurations de la période moderne et du XIXème siècle sont aujourd’hui l’objet de critiques et retirées lors de nouvelles restaurations le plus souvent sans considération historique ou simplement documentaire. Toutefois, la lecture des archives du Muséum et des publications de la fin du XVIIIème siècle, révèle une discipline en mutation dont les acteurs cherchent à démontrer la légitimité de leur travail en s’appuyant notamment sur leurs connaissances en matière de technologie artistique. Ces dernières années, la publication des travaux de Rosa Moreno[1], la compilation des études de Gilberte Émile-Mâle[2], et, plus récemment, l’ouvrage de Noémie Etienne[3] ont largement couvert le sujet s’attachant à étudier la structuration du métier de restaurateur de tableaux et son intégration dans la politique du Muséum. À ces travaux, s’ajoutent les mémoires de recherche, menés à l’école du Louvre, dont le numéro 27-28 de Techné, La restauration des œuvres d’art. Éléments d’une histoire oubliée, XVIIIème-XIXème siècle[4], nous offre un panel des sujets traités.

Nous nous proposons ici d’analyser le rapport de la Commission nommée par l’Assemblée le 11 nivôse de l’An V (31 décembre 1796) et composée de Joseph-Marie Vien, Jean-Baptiste Le Brun, Jean-Marie Picault, Jean-François Hue et François-André Vincent.[5] Si des éléments de cette archive ont notamment nourri des points de réflexion sur l’utilisation des vernis et les changements de format, elle n’a cependant jamais fait l’objet d’un dépouillement singulier et complet.[6] Le document présente pourtant une cohérence certaine et montre comment la Commission interroge le champ d’action de la restauration. Continuer la lecture de « Est-il utile ou nuisible de restaurer ? » Réflexion sur l’acte de restauration et ses acteurs en 1796.

Appel à communication : Réception critique de la restauration XVIIIe – XXe siècles

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William Hogarth, Time Smoking a Picture, 1761, gravure sur cuivre, 23 x 18,3 cm, Brooklyn, Brooklyn Museum.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 27 octobre 2016
Lieu : Paris, Institut national d’histoire de l’art
Date limite : 1er mai 2016.

Cette journée d’étude s’intéressera, à travers des sources manuscrites ou imprimées, aux regards portés sur une discipline, la restauration, constamment en évolution depuis le XVIIIe siècle. Regards d’experts, de journalistes, d’écrivains, d’artistes et de restaurateurs eux-mêmes seront confrontés afin de mettre en avant différents points de vue quant à l’évolution des interventions et des pratiques sur les œuvres d’art.

Continuer la lecture de Appel à communication : Réception critique de la restauration XVIIIe – XXe siècles

Compte rendu d’exposition: “La Manufacture des Lumières – la sculpture à Sèvres de Louis XV à la Révolution” (Sèvres, Cité de la Céramique, 16 septembre 2015 – 18 janvier 2016)

L’exposition qui se tient en ce moment à la Cité de la Céramique[1], « La Manufacture des Lumières : la sculpture à Sèvres de Louis XV à la Révolution » a donné un lieu à la publication d’un ouvrage[2] qui – avant de faire le catalogue raisonné des pièces présentées[3] – propose sept études dont nous proposons donnons ici un compte-rendu.

D’après Etienne-Maurice Falconet, L’Amour menaçant, 1754 – 1756, biscuit de porcelaine, Sèvres, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
D’après Etienne-Maurice Falconet, L’Amour menaçant, 1754 – 1756, biscuit de porcelaine, Sèvres, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

Dans « L’Atelier de sculpture[4] », Tamara Préaud retrace l’histoire, l’organisation et la production des pièces sculptées de la Manufacture, qui doivent être différenciées des services de table[5]. L’atelier de sculpture de Sèvres se distingue de ses concurrents européens en décidant de produire des modèles par moulage (plutôt qu’à main levée) et de laisser les sculptures obtenues à l’état de biscuit sans couverture brillante (plutôt que de produire des sujets émaillés et colorés). La Manufacture recrute rapidement les services d’artistes en chef capables de créer des modèles de façon régulière et d’en surveiller l’exécution : Falconet en 1757, Bachelier, puis Boizot en 1773. Les sculpteurs travaillant dans les ateliers viennent d’horizons variés (certains commencent directement leur apprentissage à la Manufacture, d’autres se réclament de l’Académie de Saint Luc ou de l’Académie royale) et sont répartis – à partir de 1764 – en deux classes auxquelles correspondent des salaires différents pour des modèles dont le prix de vente reste néanmoins fixe, ce qui participe de la mauvaise gestion de l’établissement.

On sait que la situation financière de la Manufacture est toujours restée difficile sous les effets conjugués de la concurrence des petites fabriques indépendantes, de décisions dispendieuses (dont la construction de nouveaux bâtiments à Sèvres en 1756), voire de malversations : sa mise en banqueroute obligera Louis XVI à conserver l’établissement à ses frais en 1790.

Etienne-Maurice Falconet d’après François Boucher, La Curiosité ou La lanterne magique, 1757 - 1766, biscuit de porcelaine tendre, 16 x 17 x 13,2 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Etienne-Maurice Falconet d’après François Boucher, La Curiosité ou La lanterne magique, 1757 – 1766, biscuit de porcelaine tendre, 16 x 17 x 13,2 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

La sculpture commence à prendre toute son importance seulement à partir de 1751, l’essentiel de la production sculptée étant jusqu’alors consacrée aux fleurs modelées. En 1772 l’adoption de la pâte dure[6] permet de créer de très grandes figures, mais aussi des bas-reliefs en biscuit blanc, puis en camée, de tailles très diverses.

La diffusion des pièces est majoritairement assurée par la Couronne qui achète tous les nouveaux modèles pour orner ses palais ou pour accompagner les services de table offerts comme cadeaux diplomatiques. De nombreux marchands commercialisent les produits à Paris et auprès d’une clientèle anglaise très friande de porcelaine de Sèvres en dépit des prix exorbitants qu’atteignent les objets du fait des droits de douane.

Malgré le succès durable de certains modèles comme l’Amour de Falconet, sa Baigneuse, ou encore les Enfants de Boucher, il ne semble pas qu’il y ait eu de véritables collectionneurs de biscuits au XVIIIe siècle.

Etienne-Maurice Falconet d’après François Boucher, La Loterie, 1757 - 1766, biscuit de porcelaine tendre, 15,5 x 18,2 x 13,5 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Etienne-Maurice Falconet d’après François Boucher, La Loterie, 1757 – 1766, biscuit de porcelaine tendre, 15,5 x 18,2 x 13,5 cm, Copyright by courtesy Lenne Laurence-Galerie Art & Patrimoine

Virginie Desrante met en exergue l’influence qu’exerça la Manufacture de Vincennes-Sèvres depuis ses débuts sur ses concurrents français et européens[7].

Dès 1745, la production de la Manufacture est épiée par les propriétaires des manufactures de Mennecy et de Tournai. A partir des années 1770, les manufactures parisiennes se livrent à une résistance acharnée contre le privilège de la Manufacture royale.

En 1787, suite à un arrêt du Conseil d’état permettant aux meilleurs porcelainiers de s’établir, des établissements protégés par différents membres de la famille royale fleurissent.

Jean-Jacques Bachelier d’après François Boucher, Les Mangeurs de Raisin, vers 1752 - 1772, biscuit de porcelaine tendre, 23,5 x 24,5 x 20 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Jean-Jacques Bachelier d’après François Boucher, Les Mangeurs de Raisin, vers 1752 – 1772, biscuit de porcelaine tendre, 23,5 x 24,5 x 20 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

Par ailleurs, les œuvres de la manufacture royale de Sèvres envoyées comme cadeaux diplomatiques aux différentes cours d’Europe, sont rapidement copiées. Une Bergère assise proche de celle de la série des Enfants du roi est éditée par la Manufacture impériale de Vienne vers 1765. La Manufacture de Copenhague dirigée par un transfuge de Vincennes diffuse une Vénus au bain très proche de la Baigneuse de Falconet qui, du fait de sa célébrité se retrouve bientôt dans toutes les manufactures européennes. En Italie, le fondateur de la Manufacture Doccia, le marquis Carlo Ginori, envoie son chef modeleur Gasparo Bruschi au duché de Parme – qui entretenait des liens étroits avec la Couronne de France – pour qu’il copie (sans autorisation) différents groupes de Boucher et de Falconet. En Angleterre les cadeaux diplomatiques faits au duc de Bedford trouvent facilement le chemin de la manufacture de Derby qui produit des répliques de La Loterie et de La Curiosité. Seule la Manufacture de Meissen semble pouvoir vivre sur les pièces de son propre modeleur, Johann Joachim Kaendler … tout du moins jusqu’en 1775, date à laquelle son directeur Camillo Marcolini produit des copies de l’Hébé de Saly et du Pâris de Gillet.

François Boucher, Pensent-ils au raisin ?, 1747, huile sur toile, 80,8 x 26,97 cm, Chicago, Art Institute of Chicago.
François Boucher, Pensent-ils au raisin ?, 1747, huile sur toile, 80,8 x 26,97 cm, Chicago, Art Institute of Chicago.

Véronique Milande et Fabien Perronet[8] détaillent les multiples opérations nécessaires au montage d’une sculpture en biscuit dont la chaîne opératoire s’est mise en place dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle.

Avant cette époque la pâte de porcelaine était modelée directement et cuite, à chaque nouvel exemplaire.

La collection de modèles en terre cuite reste très lacunaire si l’on considère qu’environ 986 modèles de sculpture ont été créés entre 1740 et 1800 alors qu’il n’en reste que 133.

Sous la direction de Bachelier d’après Coypel, Don Quichotte combat le château des marionnettes, 1771, biscuit de porcelaine tendre, 36,5 x 39 x 34,8 cm, Sèvres, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Sous la direction de Bachelier d’après Coypel, Don Quichotte combat le château des marionnettes, 1771, biscuit de porcelaine tendre, 36,5 x 39 x 34,8 cm, Sèvres, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

Pour les besoins de l’exposition, un important chantier de restauration a été mené en particulier pour la collection des modèles en terre cuite jamais révélée dans son intégralité au public. Frédérique Berson, Catherine Lepeltier, Véronique Milande et Mélanie Parmentier détaillent les enjeux et difficultés du dépoussiérage et du nettoyage des pièces, de la réattribution des fragments, de la dérestauration et restauration[9].

François Poilly d’après Charles Antoine Coypel, Don Quichotte des marionnettes pour des Maures…, 1723 – 1725, gravure, 38 x 45 cm, Paris, Bibliothèque nationale de France.
François Poilly d’après Charles Antoine Coypel, Don Quichotte des marionnettes pour des Maures…, 1723 – 1725, gravure, 38 x 45 cm, Paris, Bibliothèque nationale de France.

Jean-Gérald Castex s’intéresse à la façon dont la peinture et l’estampe ont nourri une production originale : la sculpture de genre[10]. Si Oudry semble ne jamais avoir pris part à l’interprétation de ses compositions en sculpture, Boucher fournit à la Manufacture de nombreux dessins qui permettent, entre autre, la formation de la série des Enfants du service du Roy. Ses Pastorales, largement diffusées par la gravure, sont à la source de nombreux groupes, tel le biscuit du Berger galant de 1750.

Jean-François Duret, La Mandoline ou La Conversation espagnole, 1772, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Jean-François Duret, La Mandoline ou La Conversation espagnole, 1772, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

Falconet travaille non seulement à décliner ses propres œuvres, mais aussi certains groupes d’après les compositions de Boucher, qui a sans doute appuyé sa nomination comme artiste en chef à la Manufacture. Cette dernière n’hésite pas à recourir à son tour à la gravure pour promouvoir ses productions, assurant aussi la renommée de Falconet. Toujours dans la sculpture de genre,  Bachelier fait éditer en 1771 trois groupes représentant Don Quichotte et Sancho Pança directement inspirés des célèbres tentures de Charles Antoine Coypel pour la manufacture des Gobelins. En 1772 La Conversation espagnole de Carle Van Loo sert de modèle pour un surtout de table.

Carle Van Loo, La Conversation espagnole, 1755, huile sur toile, 164 x 129 cm, Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage.
Carle Van Loo, La Conversation espagnole, 1755, huile sur toile, 164 x 129 cm, Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage.

Mais en 1773, l’arrivée de Boizot à la tête de l’atelier marque une véritable rupture, le jeune sculpteur se révélant plus restrictif dans la sélection des modèles et privilégiant ses compositions. La Manufacture continue néanmoins d’utiliser des gravures d’après des sculptures antiques et modernes et Boizot introduit des œuvres dont les sujets sont liés aux événements contemporains, dont L’Hymen célébrant le mariage du Dauphin avec Marie-Antoinette, mais aussi La Rosière de Salency ou La Fête des bonnes gens. Cependant les commandes de la série des Grands Hommes contribuent à faire concevoir la production de Sèvres comme un débouché commercial pour des sculpteurs tributaires de commandes royales et religieuses.

Pierre Julien, Jean de La Fontaine, 1784, terre cuite, 42 x 23,5 x 33,5 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.
Pierre Julien, Jean de La Fontaine, 1784, terre cuite, 42 x 23,5 x 33,5 cm, Cité de la céramique, Musée national de céramique.

Enfin durant la Révolution, Boizot privilégie les sujets allégoriques qu’il diffuse concomitamment en gravure et en biscuit. L’évolution de la production artistique de la Manufacture entre 1750 et 1795 montre que celle-ci s’est progressivement détournée des peintres pour recourir à des sculpteurs et qu’elle a gagné en autonomie dans les scènes prises comme sujets de recréation par les ateliers.

Jean-Baptiste Chapuy d’après Louis Boizot, La Liberté armée du sceptre de la Raison foudroie l’ignorance et le Fanatisme, 1793 – 1795, gravure, 44,5 x 58,5 cm, Paris, Bibliothèque nationale de France.
Jean-Baptiste Chapuy d’après Louis Boizot, La Liberté armée du sceptre de la Raison foudroie l’ignorance et le Fanatisme, 1793 – 1795, gravure, 44,5 x 58,5 cm, Paris, Bibliothèque nationale de France.

Guilhem Scherf raconte l’histoire de la Manufacture à travers ses principaux sculpteurs[11]. Une des nouveautés marquantes du directorat de Falconet à Sèvres est d’y avoir fait exécuter des réductions d’après ses propres créations statuaires et de leur avoir parfois apporté des pendant exécutés uniquement en biscuit. On doit à Bachelier l’introduction du portrait (hors figures de la famille royale) avec les bustes de Voltaire, Diderot et Jean Philippe Rameau. Boizot démultiplie les sujets inspirés de la mythologie antique et innove en créant dès 1774 un atelier spécial de confection des bas-reliefs parmi lesquels on compte des décors de vases mais aussi des portraits en médaillon.

La Nature, 1794.biscuit de pâte dure, Londres, Victoria & Albert Museum.
La Nature, 1794.biscuit de pâte dure, Londres, Victoria & Albert Museum.

Enfin Pascale Gorguet Ballesteros[12] indique que si l’iconographie pastorale de fantaisie, héritée des œuvres de Boucher, ne vise pas à une description réaliste des tenues, certaines figures des années 1770 montrent un mimétisme presque parfait entre les biscuits et les gravures de mode, ce qui permet de s’interroger sur les influences réciproques entre ces deux formes d’expression.

Après les Etudes, le catalogue propose en tête de chaque chapitre, une présentation documentée : un travail très fouillé qui prolonge agréablement une exposition que nous vous engageons vivement à aller voir.

Florence Fesneau

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[1] Du 16 septembre 2015 au 18 janvier 2016.

[2] Sous la direction de Tamara Préaud et Guilhem Scherf, Editions Faton et Sèvres Cité Céramique, 2015.

[3] Le catalogue raisonné suit le plan de l’exposition découpée en dix sections en proposant pour chacune de celles-ci une brève introduction au sujet mis en exergue : Le goût pour l’enfance, Les animaux, Mythologies et allégories, Les surtouts, La vie contemporaine, Sujets littéraires, Œuvres religieuses, Les portraits, Les Grands Hommes, et La Décennie révolutionnaire.

[4] La Manufacture des Lumières. La sculpture à Sèvres de Louis XV à la Révolution, cat. exp. p. 19 – 24.

[5] Ceux-ci représentent néanmoins la très grande majorité de la production de la Manufacture et quelque 90% de son chiffre d’affaires au cours du XVIIIe siècle.

[6] La pâte dure est considérée comme étant la véritable porcelaine, composée majoritairement de kaolin. Le premier gisement européen de kaolin est découvert au début du XVIIIe siècle en Allemagne près de Meissen. En France c’est en 1768 que deux chercheurs de la Manufacture de Sèvres découvrent un gisement de koalin près de Limoges. Contrairement à la pâte dure, la pâte tendre est un succédané dépourvu de kaolin. Les premiers essais de porcelaine tendre datent de la fin du XVIe siècle à Florence. Elle est fabriquée et commercialisée en France dès le XVIIe siècle.

[7] « La Sculpture en porcelaine entre imitation et émulation », p. 25 – 32.

[8] « La sculpture et ses techniques à Sèvres », p. 33 – 48.

[9] « La restauration des sculptures : un chantier d’ampleur à Sèvres », p. 49 – 58.

[10] « L’utilisation de l’estampe et de la peinture par les artistes et les ateliers », p. 59 – 66.

[11] « Le biscuit est une sculpture. Sculpture à Sèvres », p. 67 – 75.

[12] « Le costume sculpté. Réalité ou invention ? », p. 76 – 77.

Colloque : Nantes révolutionnaire. Ruptures et continuités (1770-1830).

Anonyme, Fusillades de Nantes en 1793, fin du XVIIIe siècle, aquarelle sur papier, Paris, Bibliothèque nationale de France.
Anonyme, Fusillades de Nantes en 1793, fin du XVIIIe siècle, aquarelle sur papier, Paris, Bibliothèque nationale de France.

Type : Colloque.
Date : Du 19 au 21 novembre 2015.
Lieu : Nantes, château des ducs de Bretagne et musée d’histoire de Nantes.

Largement étudiée d’un point de vue militaire, économique, religieux et social, la Révolution à Nantes continue d’être peu connue dans ses dimensions artistiques, culturelles et esthétiques. Nous avons donc le plaisir de vous annoncer un colloque qui réunira historiens et historiens de l’art.

Lors de ce colloque sera revisitée cette histoire dans son quotidien comme dans ses coups d’éclats pour évaluer, ou tenter d’évaluer, la pertinence de la césure qu’elle constituerait dans les domaines culturels.

Programme :

Jeudi 19 novembre

9h00 : Accueil des participants.

Présidence de séance : Philippe Bordes.
9h30 : « Introduction », Yann Lignereux, Hélène Rousteau-Chambon.

10h00 : « Nantes de 1789 à 1830, à la recherche de son identité politique d’une révolution à l’autre », Jean-Clément Martin, professeur d’histoire moderne émérite, Université Paris I.

10h40 : « Les négociants nantais et la Révolution française », Guy Saupin, professeur d’histoire moderne émérite, Université de Nantes.

11h20-11h40 : pause café.

11h40 : « Propos sur la franc-maçonnerie nantaise pendant la Révolution française », Martine Acerra, professeur d’histoire moderne, Université de Nantes.

12h20 : « La surveillance des émigrés en Loire-Inférieure entre l’an II et l’an X », Camille Lemeur, étudiante de Master 2, Université de Nantes.

13h00-14h30 : Déjeuner.

Présidence de séance : Claude Allemand.

14h30 : « Une révolution culturelle ? Les Nantais, entre déchristianisation et laïcisation », Samuel Guicheteau, Prag, ESPE (Université de Nantes).

15h10 : « Le pinceau ou la plume : dessiner l’architecture de la Révolution », Basile Baudez, maître de conférences en patrimoine moderne et contemporain, Université Paris-Sorbonne.

15h50-16h15 : pause café.
16h15 : « La ci-devant cathédrale de Nantes dans l’espace public pendant la Révolution Française : une recomposition avortée », Louis Bergès, Directeur de la Drac des Pays de la Loire.

16h55 : « Le comité des travaux publics à Nantes », Gilles Bienvenu, maître assistant, École d’architecture de Nantes.

17h35 : fin de la journée.

Dîner à la Cigale.

Vendredi 20 novembre 2015

9h15 : Accueil.

Présidence de séance : Philippe Bourdin.

9h30 : « Entre divertissement et politisation : la vie théâtrale nantaise face aux bouleversements et aux affres du temps révolutionnaire (1789-1799) », Cyril Triolaire, maître de conférences en études théâtrales, Université Blaise Pascal (Clermont-Ferrand).

10h10 : « A la recherche d’un répertoire perdu… Nouvelles perspectives sur la création théâtrale à Nantes fin XVIIIe siècle », Pauline Beaucé, maître de conférences en études théâtrales, Université Montaigne (Bordeaux).

10h50-11h20 : pause café.

11h20 : « Lille révolutionnaire », Christopher Drew Armstrong, Director of architectural studies and associate professor, Pittsburgh University.

12h00 : « Un ingénieur des Ponts révolutionnaire ? Les projets d’Armand-Bernardin Lefebvre pour la ville de Caen », Étienne Faisant, docteur en histoire de l’art moderne, post-doctorant au sein du Labex « Les passés dans le présent ».

12h40-14h30 : Déjeuner.

Présidence de séance : Daniel Rabreau.

14h30 : « Mathurin Crucy et les monuments publics. De la Révolution à la Restauration, (1791- 1823) », Alain Delaval, ancien chargé d’étude documentaire.

15h10 : «Les lotissements, de l’Ancien régime à la Restauration», Pierre Pinon, professeur d’architecture émérite, École d’architecture Paris-Belleville.

15h50-16h15 : pause café.

16h15 : « L’habitat pavillonnaire, un héritage de la révolution ? », Claire Ollagnier, docteur en histoire de l’art moderne, post-doctorant au sein du Labex « Création Art et Patrimoine ».

16h55 : « Conclusion », Philippe Bordes, professeur d’histoire de l’art moderne, Université Lyon II.

Samedi 21 novembre

Présidence de séance : Jean-Clément Martin.

9h30 : « A la recherche de Louis XVI, images perdues, images transformées », Alexandre Gady, professeur d’histoire de l’art moderne, Université Paris-Sorbonne.

10h15 : « Nantes-Paris an III : l’invention des hommes-tigres », Pierre Serna, professeur d’histoire moderne, IHRF-Université Paris I.

11h00 : «Un château en révolution : de la médiocrité du signe à la valeur de l’objet (Nantes, 1770- 1830) », Yann Lignereux, Hélène Rousteau-Chambon.

11h30 : Clôture du colloque.

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