Type : conférence (entrée libre et gratuite) Date et horaire : jeudi 11 mai à 18h (veuillez noter le changement d’horaire habituel) Lieu : salle Jullian (1er étage), Galerie Colbert (Institut National d’Histoire de l’Art), 2 Rue Vivienne, 75002 Paris. Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Pour cette nouvelle séance le GRHAM est heureux d’accueillir Jan Blanc (Université de Genève) et Frédéric Ogée (Université Paris Cité) en conversation avec Isabelle Baudino (ENS de Lyon), pour la présentation des leurs derniers ouvrages dédiés à l’art britannique :
Isabelle Baudino est maîtresse de conférences à l’ENS de Lyon, membre du laboratoire IRHIM. Spécialiste de l’histoire culturelle du Royaume-Uni, elle a rédigé sa thèse sur la peinture d’histoire et la fondation de la Royal Academy de Londres. Chercheuse invitée à Magdalene College, Cambridge (2015-16), elle a reçu des bourses du Paul Mellon Centre de Londres, de la Lewis Walpole Library et de Chawton House Library. Ses publications traitent des pratiques picturales, de la réception, du goût, des usages sociaux de la peinture et des images ainsi que de l’évolution du métier de peintre au XVIIIe siècle en Grande-Bretagne dans une perspective interdisciplinaire. Au croisement des études visuelles anglo-saxonnes et de l’histoire du livre, sa dernière publication parue chez Routledge en mars 2023, est une monographie intitulée Eighteenth-century Engravings and Visual History in Britain, qui étudie les vies et les après-vies d’un corpus d’illustrations historiques.
Jan Blanc est professeur d’histoire de l’art de la période moderne à l’université de Genève. Ses recherches portent essentiellement sur l’art du nord de l’Europe (Pays-Bas, France et Grande-Bretagne), du XVIe au XVIIIe siècle. Il est notamment l’auteur de Stilleven : peindre les choses au XVIIe siècle (Éditions 1:1), Le Siècle d’or hollandais (Citadelles & Mazenod, 2019), Les Écrits de Sir Joshua Reynolds (Brepols, 2016), Peindre et penser la peinture au XVIIIe siècle: la théorie de l’art de Samuel van Hoogstraten (Peter Lang, 2008) et Dans l’atelier de Rembrandt : le maître et ses élèves (La Martinière, 2006).
Frédéric Ogée est professeur de littérature et d’histoire de l’art britanniques à l’Université Paris Cité. Ses principaux domaines de recherche sont l’esthétique, la littérature et l’art au cours du long 18ème siècle (1660-1815) en Grande-Bretagne, sur lesquels il a souvent donné des conférences dans des universités européennes, nord-américaines et asiatiques. Commissaire de l’exposition sur le peintre anglais William Hogarth au Musée du Louvre en 2006, il est l’auteur de plusieurs ouvrages, notamment Diderot and European Culture, un recueil d’essais (Oxford: 2006, réédité 2009), J.M.W.Turner : Les paysages absolus (Hazan, 2010) et Jardins et Civilisations (Valenciennes, 2019), suite à une conférence organisée à l’Institut Européen des Jardins et Paysages. Il écrit actuellement une série de monographies sur quatre artistes anglais pour les éditions Cohen & Cohen.
Jean-Baptiste Perroneau, Portrait de Gabriel Huquier, pastel sur papier, H. 0,63 ; L. 0,53 m, signé et daté à la mine de plomb “Perroneau. / en 1747 février”, Paris, musée du Louvre, département des arts graphiques.
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 28 mars 2019 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne. Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Deux expositions récentes ont permis de découvrir l’art de Jean-Baptiste Perronneau : l’une a été la rétrospective qui lui a été consacrée par le musée des Beaux-Arts d’Orléans en 2017 et l’autre, l’exposition En société, pastels du Louvre des XVIIe et XVIIIe sièclesen 2018. Cette présentation s’attachera à l’inscription autographe du nom de Perronneau sur ses portraits – le terme de « signature » serait pour le XVIIIe siècle un anachronisme – en écho à la publication de l’étude de Charlotte Guichard sur La griffe du peintre (2018).
Nous verrons comment Perronneau au cours de ses vingt années de carrière parisienne (1734-1755) se démarque de ses confrères dans le contexte de l’atelier de gravure puis de la concurrence des Salons du Louvre. Reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture, il est devenu l’un des portraitistes les plus en vue à Paris au milieu du siècle et expose aux Salons un nombre de portraits aussi impressionnant que celui du très célébré Maurice Quentin Delatour. Il fait néanmoins le choix paradoxal de poursuivre sa carrière hors Paris, et de peindre une nouvelle France.
Jean-Marc Nattier, Marie-Anne de Bourbon, Mademoiselle de Clermont, aux eaux minérales de Chantilly, 1729, huile sur toile, 195 × 161 cm, Chantilly, musée Condé.
Type : Conférence (entrée libre). Date de l’événement : vendredi 8 février 2019, 19h. Lieu : Salle Mariette, Institut national d’histoire de l’art, Paris.
Jean-Laurent Mosnier, Self-portrait, 1786, State Hermitage, Saint Petersburg
Type : Conférence Date et heure : 5 juin 2018 à 18h Lieu : Centre Allemand d’Histoire de l’Art (DFK), 45 rue des Petits-Champs, Paris
Conférence en anglais proposée par Gerrit Walczak, Universität Greifswald
Portrait painters were the largest and commercially most successful group among the Académie Royale’s ‘talents particuliers,’ its practitioners of lesser genres. Regardless of their ever-increasing presence in the Salon exhibitions, however, they remained barred from teaching, and stood little chance of admission even into the lowest rank of the administration. Absorbing a large number of artists beyond the ‘partie enseignante’ of its history painters and sculptors, who were still considered ‘comme constituant principalement l’Académie’ as late as in 1790, meant that many of its most successful artists were of the Académie rather than in it. Being foreign or female were further disadvantages that could only widen the gap between public acclaim and academic status. What did it mean to be a portrait painter and an academician, and how did portraitists navigate between the rules of the Académie and those of the marketplace ?
PD Dr. Gerrit Walczak is Visiting Professor at the Universität Greifswald and Associate Professor at the Technische Universität Berlin. He previously taught at the universities of Cologne, Mainz and Bochum, and is currently finishing a study on the (e)migration of French artists during the Revolution, Artistische Wanderer: Künstler(e)migration in Zeiten der Revolution und des Krieges, 1789–1814.
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 18 mai 2017 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
A l’occasion de la dernière conférence de son cycle 2016-2017, le GRHAM invite la Galerie Hubert Duchemin pour une séance dédiée à un vaste débat sur l’attribution.
Ambroise Duchemin présentera une communication axée autour de la découverte d’un portrait de Fortuné Dufau (1770-1821). L’attribution à cet élève de Girodet d’un petit tableau longtemps resté anonyme a permis de redécouvrir un artiste oublié et de mettre un nom sur un des portraits les plus mystérieux du néo-classicisme français : La jeune fille au collier de jais du musée Magnin à Dijon.
Hubert Duchemin s’interrogera sur l’attribution de certaines œuvres célèbres présentées dans les musées. Il partagera avec le public son analyse sur des toiles de Caravage et Poussin mais aussi, plus brièvement, de Watteau et Chardin. Cette présentation sera l’occasion de mettre à l’épreuve de la discussion quelques-unes de ses interrogations. Partisan d’une approche singulière et transversale, Hubert Duchemin reviendra également sur sa méthode basée sur « la connaissance du langage des peintres » et la comparaison, le « paragone ».
Expert indépendant en tableaux et dessins, Hubert Duchemin exerce son regard depuis plus de trente ans au sein des collections privées, du marché de l’art mais également des musées. Il est notamment à l’origine de la redécouverte du Chat Mort de Géricault ainsi que des Esquisses de portraits de Fragonard (avec Lilas Sharifzadeh). Actuellement installé au 8 rue de Louvois à Paris, la Galerie Hubert Duchemin présente plusieurs expositions chaque année, basées sur ses récentes découvertes.
Diplômé de Sciences-Po Toulouse en 2013 (Master Culture et Production des savoirs), Ambroise Duchemin rejoint dans la foulée la galerie familiale puis créé en 2015 sa propre structure accompagnée d’un site internet. Passionné par l’art ancien et moderne, il a publié en mars 2017 son premier catalogue « Œuvres sur papier » qui couvre une période allant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle.
Philippe de Champaigne, Portrait de Louis XIII, après 1670, huile sur toile, 86 x 108 cm, Madrid, musée du Prado
Type : appel à communication
Date limite de l’appel : 30 avril 2017
Date de la manifestation : 1 – 2 décembre 2017
Lieu : Munich / München, Zentralinstitut für Kunstgeschichte
Conference Concept (short version)
What meanings do head and body convey in the medieval and early modern ruler portrait? How do its mimetic schemes and visual projections of power relate to each other? How are conceptually abstract norms and values of rulership transposed to categories of looking, how do images of bodies concretize these norms and values, and what modes of representation do they cultivate? Research on the history of portraits has relegated these questions to the margins; we presently lack a systematic analysis. Nevertheless, head and body forged central attributes and categories for physical manifestations of rulership in the Middle Ages and early modern period. The specific conditions of their visual portrayal is therefore of particular interest. Unlike in republican or democratic political systems, where the presence and legitimation of ruling power is supported by an elected government or a constitution, in principalities and monarchies the prince or king himself guaranteed the legitimacy of his own rule. He did this above all else through his physical body, whose visually and haptically experienced presence first lent the necessary evidence for his sovereignty. Continuer la lecture de Appel à communication : Evidence of Power in the Ruler Portrait, 14th – 18th Cent.
JAMES-SARAZIN Ariane avec la collaboration de SARAZIN Jean-Yves, L’homme et son art : Hyacinthe Rigaud (1659-1743), Dijon, Faton, 2016, 2 volumes, 1708 p.
Présentation de l’éditeur :
L’œuvre du portraitiste des roi de France et de l’immense artiste qu’était Hyacinthe Rigaud (Perpignan, 1659 – Paris, 1743) n’avait jamais fait l’objet d’un catalogue raisonné, ni d’une monographie exhaustive et parfaitement documentée. Cet ouvrage, fruit d’un travail minutieux et rigoureux de plusieurs années de recherches, se compose de deux volumes.
Dans le premier, Ariane James Sarazin retrace la vie et la carrière de Rigaud. Elle étudie méthodiquement sa clientèle et ses commanditaires. Un regard synthétique et magistral est porté sur ses processus de création et, au fil des pages, se dévoile une remarquable analyse son oeuvre et son évolution, dans le contexte du Grand Siècle finissant et de celui, naissant, des Lumières. Continuer la lecture de Publication : “L’homme et son art : Hyacinthe Rigaud (1659-1743)”.
Stephen Slaughter, Portrait de Hans Sloane, 1736, huile sur toile, Londres, Portrait Gallery.
Type : colloque.
Date de la manifestation : du jeudi 8 au dimanche 11 septembre 2016.
Lieu : Melbourne, The University of Melbourne & National Gallery of Victoria.
Keynotes
• David H. Solkin FBA Walter H Annenberg Professor of the History of Art, The Courtauld Institute of Art: ‘English or European? Portraiture and the Politics of National Identity in Early Georgian Britain’.
• Kate Retford Senior Lecturer, Department of History of Art, Birkbeck, University of London: ‘Conversing in and with the Landscape: Edward Haytley’s Portraits of The Brockman Family at Beachborough’.
• David Hansen Associate Professor, Centre for Art History & Art Theory, Australian National University: ‘Skin and Bone: Surface and Substance in Anglo-Colonial Portraiture’.
• Martin Myrone, Lead Curator, Pre-1800 British Art, Tate Britain, London ‘Portrait and Autograph: Art and Identity in the Age of Reform, c.1820–40’.
• Anne Gray Emeritus Curator, National Gallery of Australia, Canberra ‘The Two Titans of Australian Portraiture: Roberts and Lambert’.
Jean Raoux, Une dame devant son miroir, ca. 1720, huile sur toile, 79 x 64 cm, Londres, Wallace Collection.
Type : Appel à communication. Date de la manifestation : 10 novembre 2016. Lieu : York, university of York. Date limite : 29 août 2016.
In the early modern world, ‘first impressions’ played a central role in the establishment and maintenance of individual and group identities; faces, clothes, and bodies provided a number of sensory clues as to a person’s gender, social status, age, and even health. Appearances were described, depicted, and consumed. However, anxiety over the potential for outward appearances to confuse, disguise, or deceive also gained increasing momentum in this period – ‘first impressions’ were not always as they seemed. Emulation and the erosion of the social hierarchy caused particular alarm, and even the most respectable members of society were now understood to be vulnerable to deception. Clothing, cosmetics, and deportment could all alter appearance and render ‘first impressions’ as shifting and uncertain. In addition, the dissemination of images and descriptions of appearances across the social hierarchy markedly increased throughout the period;the explosion of print culture meant that descriptions of felons were now widely circulated in newspapers, for example, whilst satirical prints prompted a familiarity with images of public figures. Continuer la lecture de Appel à communication : “La première impression : visages, vêtements et corps. 1600-1800 — ’First Impressions’ : Faces, Clothes, and Bodies, 1600-1800”.
Marianne Cojannot-Le Blanc : Apprécier les arts du règne de Louis XIV : une gageure pour notre temps ?
Etudes :
Marie Pauline Martin : Le Cabinet des Beaux-arts de Charles Perrault : le monument d’un moderne.
Anne Le Pas de Sécheval : Jules Hardouin-Mansart et le décor intérieur du Dôme des Invalides L’architecte ordonnateur, le dessin et les relations entre les arts.
Koenraad Brosens : Les manufactures royales et la loi du marché. La tapisserie à Paris et à Beauvais.
Notes et documents :
Stéphane Castelluccio : Madeleine de Scudéry et Versailles. Des châteaux enchantés au château enchanteur.
Robert W. Berger : Les bustes de Louis XIV par Le Bernin et Warin : marbres, bronzes et copies.
Benjamin Ringot : Politique des arts et pratiques artistiques : le rôle de la surintendance des Bâtiments du roi.
Claire Mazel : Le portrait d’Antoine Coysevox sous la plume de Fermel’huis Un sculpteur en mouvement.
Hendrik Ziegler : L’art français à l’épreuve du jugement allemand : le cas de l’hôtel d’Amelot de Bisseuil examiné par Leonhard Christophe Sturm.
Découvertes :
Alexandre Cojannot : Le château de Châteauneuf-sur-Loire au XVIIe siècle : à propos de la maquette d’un projet de Pierre Bullet en 1679.
Etienne Faisant : Une œuvre inédite de Jean-Baptiste Tuby d’après Charles Le Brun : le tombeur d’Henri de Matignon.
PAPPE Bernd, Jean-Baptiste Jacques Augustin, 1759-1832. Une nouvelle excellence dans l’art du portrait en miniature., Vérone, Scripta, 2015, 384 p.
Présentation de l’éditeur :
En sus des chapitres évoquant sa vie et sa carrière, l’auteur traite de la technique picturale du peintre et de son atelier parisien fréquenté par de très nombreux élèves. Il nous fait part également des commentaires émis à l’encontre de ses ouvres exposées aux Salons, évoque son esprit entreprenant et novateur, puis dédie un chapitre aux autres artistes de sa famille. Grâce à plus de 1200 réalisations que le catalogue raisonné répertorie, il nous est enfin donné de saisir toute l’ampleur de l’ouvre du grand miniaturiste. Bien des pièces de sa production sont ici révélées pour la première fois. Le livre est complété par une liste des clients d’Augustin, ainsi qu’un registre de ses élèves.
Jean-Honoré Fragonard, Céphale et Procris, 1755, huile sur toile, 79 x 173 cm, Angers, musée des Beaux-Arts.
Type : journée d’étude. Date : 08 décembre 2015. Lieu : Palais du Luxembourg, 26 rue de Vaugirard, 75006 Paris. Sous la direction du :laboratoire IRHiS (Université Lille 3) et du musée du Luxembourg. Sur inscription, par mail : joanne.snrech@museeduluxembourg.fr, avant le 10 novembre.
Programme :
9h00 : Accueil.
9h30 : Fragonard, le « peintre dynamique » ?. Entretien avec Pierre Rosenberg de l’Académie Française.
10h10 : « Je peindrais avec mon cul ». Peindre sur nature chez Fragonard. Guillaume Faroult, Conservateur en chef, en charge des peintures françaises du XVIIIe siècle et des peintures britanniques et américaines, Musée du Louvre ; Commissaire de l’exposition Fragonard amoureux.
11h00 : Pause.
11h20 : « Il y en a bien peu qui connoissent le fin ». Connoisseurs, demi-connoisseurs et goût pour le dessin en France au XVIIIe siècle. Delphine Chambon, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
11h40 : “Finissez monsieur Robert !” : la rapidité du geste d’Hubert Robert. Sarah Catala, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
12h00 : discussion.
12h20-13h50 : Pause déjeuner.
14h00 : Brouillon, prélude, esquisse. Michel Delon, Professeur de Littérature française, Université Paris-Sorbonne.
14h40 : Les étapes d’une réflexion : étude de quelques séries d’esquisses de Gabriel-François Doyen (1726-1806). Benjamin Salama, doctorant en histoire de l’art, Université Paris-Sorbonne.
15h00 : Nocturnes libertins, ou la mise en scène de la spontanéité dans l’art d’aimer du siècle des Lumières. Marine Ganofsky, maître de conférences, Université de Saint-Andrews.
15h20 : Discussion.
15h40 : Pause.
16h00 : « Plus de grâce que les plus beaux ornements » : la quête de la spontanéité dans le portrait féminin du XVIIIe siècle. Elise Urbain, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS, École du Louvre.
16h20 : Pétiller d’esprit : les sociabilités du bon mot au XVIIIe siècle. Jean-Alexandre Perras, assistant de recherche, Jesus College, Université d’Oxford.
16h40 : Discussion.
17h00 : Conclusion générale.
17h20 : Fin de la journée.
Placée sous l’égide d’Etienne Jollet et de Valentine Toutain-Quittelier, la journée d’étude du 23 septembre 2015 s’est interrogée sur les différents aspects de la représentation de la figure de Philippe II d’Orléans, régent du Royaume de France du 1er septembre 1715 au 15 février 1723.
Traits et Portraits
Attribué par Christophe Henry à la famille Parrocel, Philippe, duc d’Orléans, régent de France, vers 1717, huile sur toile, 46 x 38 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Christophe Henry (Académie de Versailles) a profité de sa communication[1] pour présenter diverses réflexions sur l’image du Régent ainsi que de nouvelles attributions. Il propose tout d’abord de rapprocher un petit portrait conservé à Versailles avec ceux de Charles Parrocel. S’intéressant dans un second temps à un portrait du Régent accompagné de Minerve[2], il présente l’œuvre comme inscrite dans un système de pendant avec le célèbre tableau figurant Philippe d’Orléans et sa maîtresse, Marie madeleine de la Vieuville, sous les traits d’Adam et Eve[3]. L’agencement des deux compositions ainsi que la carnation et la chevelure des deux figures féminines permettraient un rapprochement entre ces deux tableaux de Jean-Baptiste Santerre[4]. Il souligne aussi que la physionomie de la comtesse de Parabère est extrêmement proche de celle de la Suzanne au bain[5] du même Santerre.
Attribué par Christophe Henry à Philippe d’Orléans, Philippe, duc d’Orléans et régent de France, dans son cabinet de travail, vers 1717, huile sur toile, 103 x 138 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
La représentation du Régent en armure et en roi de guerre ainsi que le portrait en Hercule convoquent, pour Henry Christophe, l’iconographie d’Henri IV dans la mesure où les conditions de l’avènement de ce dernier permet de rendre légitime la prétention du Régent au trône. Neveu de Louis XIV, le Régent a pu estimer qu’il avait tout autant voire plus de légitimité à lui succéder que son arrière-petit fils, et ce d’autant plus que le cas d’Henri IV (cousin issu de germains d’Henri III n’ayant avec lui que des arrières grands parents communs Louise de Savoie et Charles d’Orléans) constituait un précédent dans la rupture de succession en primo-géniture mâle. Amateur de sciences, le Régent est proche de nombreux artistes dont Bernard Picart, Antoine Coypel et le comte de Caylus. Il s’est également adonné à la pratique du dessin. Certaines de ses compositions ont d’ailleurs été gravées par Benoît Audran afin d’orner une édition des Amours pastorales de Daphnis et Chloé de Longus. Christophe Henry propose enfin d’attribuer le tableau représentant Philippe d’Orléans dans son cabinet de travail au Régent lui-même.
Antoine Dieu (?), Allégorie du duc d’Orléans, régent du Royaume, 1718, huile sur toile, 106 x 77 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Françoise Joulie (musée du Louvre) a présenté « Les allégories du Régent » afin d’en peser le sens au regard des événements qui se déroulent entre 1715 et 1723, voire même après sa mort. A la différence de son père, Monsieur, qui commande un certain nombre d’allégories pour son château de Saint-Cloud, et à l’exception de quelques portraits privés, le Régent ne semble pas avoir investi dans ce type de représentations. De ce fait, les différentes allégories présentées ne répondent pas à un discours officiel et uniforme ; toutefois, elles mettent en scène le Régent au milieu d’un panthéon de vertus, souvent mythologiques, qui rendent hommage à la force et au développement économique et artistique du Royaume qu’il dirige. Sur le plan politique, Philippe d’Orléans est perçu comme le protecteur de la monarchie incarnée par le jeune Louis XV.
L’exercice du pouvoir
Nicolas de Largillière, Le Régent vainqueur de la conspiration sous la figure d’Apollon Pythien, huile sur toile, 41 x 30 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Pour les besoins de sa communication[6], Valentine Toutain-Quittelier (université de Poitiers) ressuscite un grand décor disparu de la Régence : le plafond de la Galerie dite « des Mississipiens » de la Banque Royale réalisé par Giovanni Antonio Pellegrini. Grâce à l’appui du Régent, de Law et probablement de Pierre Crozat, ce dernier en obtient la commande en novembre 1719. Le programme iconographique met non seulement en scène les vertus d’un Bon Gouvernement tourné vers le commerce avec les colonies, mais organise aussi la légitimation du pouvoir en place, tout particulièrement dans la section du décor ayant pour thème ; Le Régent en Hercule tenant un gouvernail : La France est au-dessus de lui et le Mississipi lui rend hommage. Les portraits du Régent réalisés par Rosalba Carriera semblent avoir la même fonction et cette ambition dynastique s’affirme encore d’avantage dans le tableau de Largillière qui laisse deviner que le duc d’Orléans – représenté en Apollon et non plus en Hercule – ne comptait pas se dessaisir de son autorité à la majorité du roi.
Jean-Baptiste André Gautier-Dagoty d’après Jean Baptiste Santerre, Philippe d’Orléans, régent du Royaume, 1770, manière noire, 30 x 23 cm, marché de l’art.
Le Dictionnaire des artistes (1776) de l’abbé de Fontenai permet à Christine Gouzi (université Paris IV Sorbonne) d’étudier un sujet[7] rarement abordé : le portrait littéraire du Régent dans les années 1770 – 1780, auquel on préfère habituellement l’étude de celui établi soit par ses contemporains, soit par les écrivains du XIXe siècle, rarement élogieux. Or les nombreuses citations concernant le Régent, qui émaillent le Dictionnaire de l’abbé de Fontenai, sont très laudatives. Elles font de Philippe d’Orléans un homme cultivé, curieux de tous les arts, en particulier dans leurs aspects scientifiques ; le Régent apparaît comme la personnification de l’homme des Lumières. Cette image positive du Régent traduit sans doute les espoirs que l’abbé et la Compagnie de Jésus mettaient à se voir réintroduire en France grâce à la maison d’Orléans. Le janséniste Athanase-Alexandre Clément de Boissy ne se laisse pas tromper par ces manœuvres et s’emploiera à ternir l’image de l’abbé en utilisant le nom de ce dernier pour faire paraître des ouvrages – dont De la grâce de Dieu et de la prédestination (1787) – ouvertement antijansénistes et abîmant, par la même occasion, la figure du Régent. L’instrumentalisation de la figure du Régent montre que les luttes religieuses entre jansénistes et jésuites sont toujours vivaces à la fin du XVIIIe siècle.
Circulation des modèles
D’après Jean-Baptiste Santerre, Philippe, duc d’Orléans, régent de France, vers 1717-1718, huile sur toile, 117 x 110 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Véronique Meyer (université de Poitiers) s’est interrogée sur les « Portraits gravés du Régent » pour essayer de démontrer l’importance quantitative des représentations de Philippe d’Orléans dans le domaine de la gravure. Bien qu’il n’existe actuellement aucun inventaire précis de ces portraits, Véronique Meyer en répertorie une centaine dont certains ont été réalisés par des artistes anglais ou allemands qui ont copié hâtivement les modèles français. Elle recense une quinzaine de gravures réalisées entre 1687 et 1701, la plupart possédant une iconographie diversifiée puisque ces portraits étaient gravés pour s’intégrer dans des suites. Les informations inscrites sur ces œuvres concernent surtout le rang mais également la bravoure du Régent. A partir de 1691, les gravures mentionnent surtout les exploits guerriers, tandis que les œuvres réalisées à partir de 1701 insistent sur l’obtention de l’ordre de la Toison d’or.
Jean Ranc d’après Nicolas Edelinck, Philippe, duc d’Orléans, régent de France, vers 1720, gravure sur cuivre, marché de l’art.
Selon les estimations de Véronique Meyer, le roi Louis XIV et le Dauphin sont les seules personnes à servir plus régulièrement de modèle que Philippe d’Orléans. Parallèlement aux portraits en modes, les représentations du Régent en buste sont également fort nombreuses. La première œuvre signée par un peintre date de 1709 ; il s’agit d’une gravure de Claude Duflos d’après Robert Le Vrac Tournières[8]. Véronique Meyer souligne que ce modèle a servi d’inspiration à de nombreux graveurs allemands. A partir de 1716, le portrait donné par Jean-Baptiste Santerre s’impose dans le domaine de la gravure. De nombreux artistes dont Marie-Anne Horthemels[9], François Chéreau et Claude Duflos[10] s’inspirent de cette œuvre et contribuent à la propagation de cette image de Philippe d’Orléans. Le modèle donné par Santerre est prédominant durant toute la Régence même si le portrait réalisé par Jean Ranc[11] est aussi fréquemment utilisé. Véronique Meyer conclue en insistant sur la faible postérité de l’image de Philippe d’Orléans après 1723. En 1770, le graveur Jean-Baptiste André Gautier-Dagoty[12] s’inspire encore du modèle donné par Santerre afin de figurer le Régent dans sa Galerie des hommes et des femmes célèbres qui ont paru en France.
Jean-Louis Lemoyne, Buste de Philippe, duc d’Orléans, régent de France, 1715, marbre, 87 x 75 x 40 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Sébastien Bontemps (université Paris I Panthéon-Sorbonne) a mis en évidence[13] l’extrême rareté des portraits sculptés du Régent[14] alors que ceux de Louis XIV sont nombreux. En effet, son analyse repose principalement sur le buste en marbre du Régent sculpté par Jean-Louis Lemoyne en 1715 (Versailles)[15]. Celui-ci a été transcrit la même année par Jean Duvivier dans une médaille (Louvre)[16] ou encore copié en bronze autour de 1720 (National Gallery of Scotland), attestant ainsi de l’autorité du modèle initial et peut-être aussi d’une volonté de diffuser une image-type, aisément identifiable, en vue de légitimer le pouvoir contesté du neveu de Louis XIV. Paradoxalement, ce portrait ne semble pas avoir été largement diffusé et ne comprend pas d’autres attributs d’autorité que l’armure. Au contraire, la statue commandée à Théophile Bra au XIXe siècle pour les galeries de pierre de Versailles présente le Régent avec plusieurs symboles de pouvoir, et l’intègre à un centre mémoriel qui marque désormais sans détour sa légitimité au sein de l’Histoire de France. En dépit de ces quelques témoignages, la quasi-absence de portraits sculptés d’un homme qui fut non seulement maître de la France, mais aussi amateur d’art moderne[17], ne manque pas d’intriguer.
Décor et métaphore
D’après OPPENORD, Gilles-Marie, Le Roi, Décoration De La Galerie Du Palais-Royal, Vue Du Côté De La Cheminée, in BLONDEL, Jacques-François, Cours d’Architecture (1754), vol. V, pl. LV.
La présentation de Jean-François Bédard (université de Syracuse, USA) traite d’un portrait architectural du régent, via ses appartements du Palais-Royal ornés entre 1714 et 1721 par Gilles-Marie Oppenord. Elle apporte de nouveaux arguments qui font de l’ornemaniste un artiste de tradition classique et non pas rocaille, contrairement à une certaine idée reçue. La chambre du régent est, en effet, réaménagée sur le modèle de celle du Roi à Versailles et la galerie longeant la rue Richelieu reprend, quant à elle, la structure de la Galerie des Glaces. De nombreuses sources iconographiques combinées à une reconstruction tridimensionnelle par informatique viennent étayer les hypothèses exposées. Les rénovations deviennent alors le manifeste architectural d’un projet politique : celui d’établir au cœur de la capitale, un témoignage éclatant du pouvoir royal.
Louis Surugue d’après Charles Antoine Coypel, L’Apothéose d’Hercule et les chemins qui conduisent les héros à l’immortalité, 1723, gravure, 60,3 x 53,6 cm, Paris, Bibliothèque Nationale de France, Cabinet des Estampes.
Michaël Decrossas s’est attaqué à la question d’un projet de décor allégorique pour le château de Saint-Cloud, représentant L’Apothéose d’Hercule, par Charles Antoine Coypel. Ce décor est partiellement connu par une gravure de Louis Surugue, une esquisse[18], ainsi qu’une description[19]. Sa réalisation aurait été interrompue par la mort du régent en 1723. L’objectif principal de l’étude est de tenter de comprendre la destination d’une telle œuvre et d’évaluer les lieux probables de son installation. Le décor était-il destiné au Salon, alors orné d’une allégorie représentant la France et l’Angleterre que rendaient obsolète les alliances nouvellement conclues entre la France et l’Espagne avec, entre autres, les fiançailles de Louis XV et Marie-Anne-Victoire d’Espagne ? Ou bien était-il destiné à un pavillon qui devait s’élever dans le jardin du château, dont les fondations furent posées, des gravures diffusées, mais le bâtiment jamais terminé ? Autant de pistes que Michaël Decrossas déclare comme étant un work in progress qui fera peut-être l’objet d’une étude plus approfondie à l’avenir.
Organisé à l’occasion du tricentenaire de l’avènement de la Régence, ce séminaire a permis de mieux évaluer les enjeux du portrait politique du Régent qui, par définition, ne détient aucun pouvoir de droit divin et d’envisager comment ses diverses représentations visuelles peuvent vouloir faire face à cette problématique.
Compte-rendu réalisé par Florence Fesneau, Maxime Métraux, Maël Tauziède-Espariat et Hadrien Volle.
[2] Jean-Baptiste Santerre, Philippe, duc d’Orléans, régent de France et la déesse Minerve, 1717-1718, huile sur toile, 248 x 160 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
[3] Jean-Baptiste Santerre, Philippe d’Orléans et sa maîtresse Marie Madeleine de la Vieuville, comtesse de Parabère, en Adam et Eve, vers 1717-1718, huile sur toile, 228 x 170 cm, Colorado, collection privée.
[4] Voir LESNE, Claude et WARO-DESJARDINS, Françoise, Jean-Baptiste Santerre (1651-1717), Colombelles, éditions du Valhermeil, 2011.
[5] Jean-Baptiste Santerre, Suzanne au bain, 1717, huile sur toile, 205 x 145 cm, Paris, musée du Louvre.
[6] « Le Régent et le Dauphin au plafond de la Banque royale : une dualité impossible ? ».
[7] « Un portrait littéraire du Régent : Philippe II d’Orléans d’après le Dictionnaire des artistes de l’abbé de Fontenai (1776) ».
[8] Voir le cat. d’exp. Robert Le Vrac Tournières : les facettes d’un portraitiste, Caen, musée des Beaux-Arts, 14 juin 2014 – 21 septembre 2014. Commissariat : RAMADE Patrick et TASSEL Eddie, Gand, Snoeck, 2014.
[9] Marie-Anne Horthemels d’après Jean-Baptiste Santerre, Philippe, duc d’Orléans, régent de France, vers 1716, gravure sur cuivre, Cambridge, The Fitzwilliam Museum. Marie-Anne Horthemels est la femme du graveur Nicolas-Henri Tardieu.
[10] Claude Duflos d’après Jean-Baptiste Santerre, Philippe, duc d’Orléans, régent de France, 1716, gravure sur cuivre, 29 x 22 cm, Londres, British Museum.
[11] Voir BOTTINEAU, Yves, L’art de cour dans l’Espagne de Philippe V (1700-1746), Nanterre, Conseil général des Hauts-de-Seine, 1993.
[13] Titre de la communication : « Portraits gravés du Régent ».
[14] C’est également le cas de son père, Monsieur, dont ne connaît qu’un buste posthume sculpté par Jacques Prou (collection privée).
[15] Le contexte de réalisation de ce buste est inconnu. Il n’est pas possible de déterminer s’il a été commandé par Philippe d’Orléans ou bien s’il s’agit d’une création spontanée de Lemoyne, peut-être désireux de remplacer Coysevox, sculpteur de Louis XIV, auprès du nouveau dirigeant du royaume de France. Cette hypothèse est d’autant plus vraisemblable que le seul buste du Régent attribué à Coysevox représenterait en fait le duc de Chaulnes (musée d’Amiens).
[16] Voir NOCQ, Henry, Les Duvivier. Jean Duvivier, 1687-1761, Benjamin Duvivier, 1730-1819 ; essai d’un catalogue de leurs œuvres, Paris : Société de propagation des livres d’art, 1911, p. 33.
[17] Voir BREJON DE LAVERGNÉE, Arnauld, « Le Régent, amateur d’art moderne », dans Revue de l’Art, 62, 1983, p. 45-48.
[18] Exposée au Salon de 1725, cette esquisse fragmentaire (huile sur toile, 65 x 121 cm) est actuellement dans une collection particulière à Paris.
[19]Le Mercure de France publie le commentaire suivant : « Le sujet destiné pour le plafond, étoit le séjour de l’immortalité, & le bas, les différens chemins qui y conduisent… Le peintre a exprimé dans le haut au-dessus de la porte, l’Apothéose d’Hercule, comme le premier Héros qui a mérité l’immortalité, & dans le bas, la Guerre & la Religion. La Guerre caractérisée par Mars, qui oronne à Vulcain de forger des Armes, et la Religion par Numa Pomilius, qui fait porter le feu sacré au Temple de Vesta… », dans LEFRANCOIS, Thierry, Charles Coypel 1694 – 1752, Paris, Arthena, 1994, p. 190.