Editions du GRHAM : « Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 »

Ill. : William Hogarth, Time Smoking a Picture, ca. 1761, New York The Metropolitan Museum of Art (Public Domain Dedication)

Type : Actes journée d’étude – Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles
Publication & Diffusion : à partir du 1er juin 2017, Bibliothèques spécialisées en Histoire de l’art
Editeur : Paris, Editions du GRHAM

Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 / isbn 978-2-9559546-0-7

Non commercialisé, où le consulter ?

Le thème de la Réception critique de la restauration du XVIIIe au XXe siècle interroge, à travers des sources manuscrites ou imprimées, différents regards portés sur une discipline, la restauration, domaine en constante mutation depuis le XVIIIe siècle. Essais et textes d’experts, de journalistes, d’écrivains, d’artistes et de restaurateurs sont ici mis en perspective par des chercheurs afin de mettre en avant plusieurs points de vue quant à l’évolution des interventions et des pratiques sur les œuvres d’art.

Comment les restaurations sont-elles appréciées depuis le XVIIIe siècle et quelle est la notoriété de leurs praticiens ? Sont-elles les conséquences d’observations contemporaines ou sont-elles postérieures aux interventions pratiquées tant sur des peintures et des œuvres d’art graphiques que sur des édifices architecturaux ? Cette approche permet de se demander si les critiques, dans leur récurrence positive ou négative, portent plutôt sur les restaurations ou sur les restaurateurs eux-mêmes. Continuer la lecture de Editions du GRHAM : « Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 »

Conférence du GRHAM : « Questions d’attribution » par Ambroise et Hubert Duchemin (Paris, 18 mai 2017).

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 18 mai 2017 à 19h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée).
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

A l’occasion de la dernière conférence de son cycle 2016-2017, le GRHAM invite la Galerie Hubert Duchemin pour une séance dédiée à un vaste débat sur l’attribution.

Ambroise Duchemin présentera une communication axée autour de la découverte d’un portrait de Fortuné Dufau (1770-1821). L’attribution à cet élève de Girodet d’un petit tableau longtemps resté anonyme a permis de redécouvrir un artiste oublié et de mettre un nom sur un des portraits les plus mystérieux du néo-classicisme français : La jeune fille au collier de jais du musée Magnin à Dijon.

Hubert Duchemin s’interrogera sur l’attribution de certaines œuvres célèbres présentées dans les musées. Il partagera avec le public son analyse sur des toiles de Caravage et Poussin mais aussi, plus brièvement, de Watteau et Chardin. Cette présentation sera l’occasion de mettre à l’épreuve de la discussion quelques-unes de ses interrogations. Partisan d’une approche singulière et transversale, Hubert Duchemin reviendra également sur sa méthode basée sur « la connaissance du langage des peintres » et la comparaison, le « paragone ».

Expert indépendant en tableaux et dessins, Hubert Duchemin exerce son regard depuis plus de trente ans au sein des collections privées, du marché de l’art mais également des musées. Il est notamment à l’origine de la redécouverte du Chat Mort de Géricault ainsi que des Esquisses de portraits de Fragonard (avec Lilas Sharifzadeh). Actuellement installé au 8 rue de Louvois à Paris, la Galerie Hubert Duchemin présente plusieurs expositions chaque année, basées sur ses récentes découvertes.

Diplômé de Sciences-Po Toulouse en 2013 (Master Culture et Production des savoirs), Ambroise Duchemin rejoint dans la foulée la galerie familiale puis créé en 2015 sa propre structure accompagnée d’un site internet. Passionné par l’art ancien et moderne, il a publié en mars 2017 son premier catalogue « Œuvres sur papier » qui couvre une période allant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle.

Appel à communication : Early Netherlandish Art in the Long 19th Century

Pierre Paul Rubens, Prométhée supplicié, 1611 – 1618, huile sur toile, 242,6 x 209,5 cm, Philadelphie, Museum of Art.

Type : Appel à communication

Date limite de l’appel : 1er juin 2017

Date de la manifestation : 24 – 26 mai 2018

Lieu : Gand (Belgique)

Francis Haskell famously argued that the “rediscovery” of early Netherlandish painting in the nineteenth century was central to the notions of history and culture that undergirded the rise of the modern nation-states of Belgium and the Netherlands. This view has been enriched by recent scholarship on the medieval and Renaissance revivalist movements that took hold in both countries from about 1840 through the early years of the twentieth century. Yet the complex relationship between artistic and literary practices of the period and the emergence of a distinctly northern European history of art remains largely unexamined, and its implications unacknowledged. Continuer la lecture de Appel à communication : Early Netherlandish Art in the Long 19th Century

Conférence du GRHAM : « Les Ateliers des Le Nain » par Olivier Bonfait (Paris, 20 mars 2017).

Légende traditionnelle: Antoine Le Nain, Portrait présumé des frères Le Nain, dit L’Atelier, XVIIe siècle, toile, Grande-Bretagne, collection privée.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : lundi 20 mars 2017 à 18h30.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari (premier étage).
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

De la date de leur naissance aux circonstances de leurs décès, les frères Le Nain (Antoine, Louis, Matthieu) posent de nombreux problèmes, qui ne concernent pas uniquement la distinction des mains. L’historiographie a toujours souligné la concorde entre les trois frères, mais les témoignages anciens introduisent rapidement des singularités dans le groupe ; ils sont peintres dans le faubourg de Saint-Germain des Prés, mais font tout de suite partie de l’Académie royale.

Les deux représentations d’ateliers laissés par les trois frères (celle actuellement conservé dans la collection Bute, peinte vers 1645 ; celle du Vassar Collège, qui a servi de point de départ pour élaborer le catalogue de Matthieu, datant de 1655 environ) seront présentées à l’exposition Le Nain qui ouvre au Louvre Lens le mardi 21 mars. En les regardant intensément, en les analysant et en les situant dans différentes configurations, il devient possible de proposer à partir de ces deux tableaux des hypothèses tant sur la conception de la peinture des Le Nain que sur la stratégie familiale des trois frères et ses représentations. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : « Les Ateliers des Le Nain » par Olivier Bonfait (Paris, 20 mars 2017).

Appel à communication : “Décor et architecture : entre union et séparation des arts (XVIe-XVIIe siècle)” (Lausanne, 16-17 novembre 2017)

Giulio Romano, La chambre des Géants (paroi nord), 1532-1535, Mantoue, Palais Te

Le décor à la période moderne est considéré comme l’une des parties constitutives de l’architecture. Grâce à lui, celle-ci se distingue de la simple maçonnerie et peut revendiquer une forme d’excellence. Dans une telle perspective, le décor est une condition essentielle à l’architecture et non pas un élément marginal. Or dans l’historiographie, décor et architecture sont souvent étudiés de manière séparée, ce qui institue de fait une rupture entre ces deux champs, susceptible de biaiser notre compréhension de la production artistique.

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Conférence : “Le Dit du Genji en peintures et en gravures dans le Japon du XVIIe siècle (Smith-Lesouef japonais 52)”.

Atelier de Tawaraya Sōtatsu, Scene from "The Ivy" (Yadorigi), chapter 49 of the Tale of Genji, début du XVIIe siècle, encres et or sur papier, 25 x 55 cm, New York, Metropolitan Museum.
Atelier de Tawaraya Sōtatsu, Scene from “The Ivy” (Yadorigi), chapter 49 of the Tale of Genji, début du XVIIe siècle, encres et or sur papier, 25 x 55 cm, New York, Metropolitan Museum.

Type : conférence.
Date : 28 février 2017 à 18h15.
Lieu : Galerie Colbert, auditorium, Institut national du patrimoine, 2 rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.

Le Dit du Genji est un roman composé peu après l’an mil par une dame de la cour de Heian, au Japon. Il célèbre la vie et les amours d’un personnage fictif, le prince Genji, de sa jeunesse à sa mort, et décrit les rites, cérémonies, luttes de pouvoir et pratiques artistiques à la cour impériale. Considéré comme un texte majeur de la littérature classique, il est diffusé jusqu’au début du XVIIe siècle sous forme de manuscrits ; ses épisodes les plus marquants font l’objet de mise en images sous divers formats (rouleaux, éventails, paravents, etc.).

La conférence présentera une série d’albums contenant 200 peintures du Dit du Genji, datant du XVIIe siècle. Ils ont été acquis dans la deuxième moitié du XIXe siècle par le bibliophile Auguste Lesouëf (1829-1906), puis légués à la Bibliothèque nationale en 1913 avec l’ensemble de sa collection. Ce dernier, passionné de manuscrits à peintures occidentaux et orientaux, remarque la qualité de ces miniatures : elles témoignent pour lui d’une culture brillante et d’un passé aristocratique dont il veut garder les vestiges. Continuer la lecture de Conférence : “Le Dit du Genji en peintures et en gravures dans le Japon du XVIIe siècle (Smith-Lesouef japonais 52)”.

Conférence du GRHAM : “Peinture et discours à Toulouse au XVIIe siècle” par Stéphanie Trouvé (Paris, 23 février 2017).

Antoine Rivalz, Cassandre traînée hors du temple de Minerve, ca. 1700, toile, 97 × 137 cm, Rouen, musée des Beaux-Arts.
Antoine Rivalz, Cassandre traînée hors du temple de Minerve, ca. 1700, toile, 97 × 137 cm, Rouen, musée des Beaux-Arts.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 23 février 2017 à 19h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian (premier étage).
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Toulouse est présentée depuis le XIXe siècle comme un des foyers artistiques provinciaux des plus féconds, mais sa production a aussi été perçue par l’historiographie comme un art utilisant de vielles formules stylistiques, ou comme une pâle réplique des grands chefs-d’œuvre italiens ou parisiens. A partir d’un corpus d’œuvres et d’écrits sur la peinture sans équivalent pour une ville de province, cette conférence vise à proposer des pistes méthodologiques pour comprendre les enjeux de la peinture toulousaine. Comment situer cette production dans le panorama de l’art français ? Il s’agit de s’interroger sur la construction de la notion d’école, sur le métier de peintre et de confronter peintures et discours afin de porter un nouveau regard sur le développement de l’art en dehors du domaine royal.

Stéphanie Trouvé est docteur en histoire de l’art moderne de l’Université de Paris X – Nanterre. Elle est l’auteur d’un livre intitulé : Peinture et Discours. La construction de l’école de peinture XVIIe-XVIIIe siècles (Presses universitaires de Rennes, 2016) et de plusieurs articles sur des écrits artistiques, sur des grands décors toulousains, et sur les Salons de l’Académie royale de peinture et de sculpture de Toulouse. Elle a enseigné l’histoire de l’art dans les universités de Toulouse et de Bordeaux. Elle travaille dans le projet LexArt – Words for Art : The Rise of a Terminology (1600-1750) sélectionné par le Conseil Européen de la Recherche.

Appel à communication : “Beyond Reproductive Printmaking: Prints and the Canon of European Painting, ca. 1500–1810”

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Nicolas François Regnault d’après Jean-Honoré Fragonard, Le Baiser à la dérobée, XVIIIe siècle, estampe, 42,2 x 48,5 cm, Paris, musée du Louvre, collection Rothschild

Type : Appel à communication.
Date limite appel à candidature: 15 février 2017.
Date de la manifestation : 18-19 septembre 2017.
Lieu : Dresde.

Conference for Ph.D. students, postgraduates and researchers at museums and universities in the Kupferstich-Kabinett (Museum of Prints, Drawings and Photographs) of the Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Dresden State Art Collections) in collaboration with the TU Dresden Institute of Art and Music, Dresden, 18–19 September 2017.

Are paintings reproduced because they are famous, or have they become famous because they have been reproduced over and over again in the past centuries? The aim of this conference is to throw light on the status of reproductive prints in the process of the formation of (an) artistic canon(s). It aims at exploring artistic and technical aspects of the creative and innovative making process, including the printmakers’ ability to translate the original work into a new pictorial language and to the history of both reception and transmission of works of art.

The conference will cover the period running from the early 16th century to the introduction of the first lithographic press in the early 19th century. Geographically, the focus is on Europe. No restrictions are imposed concerning printing techniques—on the contrary, the characteristics of each technique as well as its ability and uses for reproducing original paintings constitute an important topic. We invite submissions of papers drawing from current research on specific prints or series of prints as well as on new theoretical approaches and methodologically promising developments in the study of interpretative prints, also exploring their potential as a source and as a subject matter of art history. Continuer la lecture de Appel à communication : “Beyond Reproductive Printmaking: Prints and the Canon of European Painting, ca. 1500–1810”

Appel à communication: 2000 ans déjà… Aspects de la réception d’Ovide

 Gian Lorenzo Bernini, Apollon et Daphné, 1622-1625, marbre, 243 cm, Rome: galerie Borghese.
Gian Lorenzo Bernini, Apollon et Daphné, 1622-1625, marbre, 243 cm, Rome: galerie Borghese.

Type : journée d’étude.
Date limite d’envoi des propositions:  30 avril 2017.
Date de la manifestation : 10 octobre 2017.
Lieu : Université de Toulouse Jean-Jaurès, Maison de la Recherche, salle D31.

17, 2017…
Il y aura bientôt deux mille ans que le poète Ovide a disparu. Mais, comme il le prophétise lui-même dans l’épilogue des Métamorphoses avec une assurance qui n’a pas été démentie, son œuvre lui a survécu et a inspiré de nombreux artistes, qui ont perpétué sa mémoire. C’est à cet aspect de la réception d’Ovide qu’est consacrée la journée d’étude du 10 octobre 2017, organisée par Cristina Noacco (maître de conférences en littérature médiévale à l’Université de Toulouse 2 Jean Jaurès) et Jean-Luc Lévrier (professeur de lettres classiques en classes préparatoires aux grandes écoles, lycée Saint-Sernin, Toulouse), dans le cadre des activités du laboratoire PLH/ELH de l’université Toulouse 2 Jean Jaurès. Continuer la lecture de Appel à communication: 2000 ans déjà… Aspects de la réception d’Ovide

Colloque international: Flandes by Substitution. Copies of Flemish Masters in the Hispanic World (1500-1700)

Michiel Coxcie, David et Goliath, huile sur panneau, 139 x 106 cm, Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial
Michiel Coxcie, David et Goliath, huile sur panneau, 139 x 106 cm, Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Type : colloque international.
Inscription (payante) : du 20 décembre 2016 au 26 janvier 2017.
Date de la manifestation : 9-10 février 2017.
Lieu : Royal Institute for Cultural Heritage (KIK-IRPA), Brussels.

Lunch, morning and afternoon teas on Thursday and Friday are included in the registration fee, as well as the reception on Friday and the preprint abstracts
Price: 75 €.

Program

09:00 Registration & coffee

09:30 Welcome by Christina Ceulemans (Director-General of KIK-IRPA)

09:40 Didier Martens (Université Libre de Bruxelles), Jalons pour une histoire de la copie de Primitifs flamands en Espagne, depuis l’époque des Rois Catholiques jusqu’à Philippe IV
10:20 Questions and discussion Continuer la lecture de Colloque international: Flandes by Substitution. Copies of Flemish Masters in the Hispanic World (1500-1700)

Publication : “De l’expertise artistique à la vulgarisation au siècle des Lumières. Jean-Baptiste Descamps (1715-1791) et la peinture flamande, hollandaise et allemande”.

MAES Gaëtane, De l’expertise artistique à la vulgarisation au siècle des Lumières. Jean-Baptiste Descamps (1715-1791) et la peinture flamande, hollandaise et allemande, Turnhout, Brepols, 2017, 608 p.
MAES Gaëtane, De l’expertise artistique à la vulgarisation au siècle des Lumières. Jean-Baptiste Descamps (1715-1791) et la peinture flamande, hollandaise et allemande, Turnhout, Brepols, 2017, 608 p.

Présentation de l’éditeur :

Cette étude de la carrière et des livres de Jean-Baptiste Descamps contribue à définir le statut de l’expertise artistique et de l’écriture de vulgarisation dans l’Europe des Lumières.
Peintre flamand peu connu aujourd’hui, Jean-Baptiste Descamps (1715-1791) demeure important par les livres qu’il a publiés de son vivant. Entre 1753 et 1763, paraissent ainsi les quatre volumes de son recueil intitulé ‘La vie des peintres flamands, allemands et hollandois’, suivis en 1769 de la publication d’un ‘Voyage pittoresque de la Flandre et du Brabant’. Ces textes ont longtemps été négligés car, contrairement aux modèles représentés par Giorgio Vasari et Karel van Mander, ils sont considérés comme de simples compilations. Consacrer une étude aux ouvrages de Descamps vise, par conséquent, à remettre en question ce postulat en soulignant les réels enjeux intellectuels que revêt l’écriture de ce polygraphe. Par ses livres, Descamps a en effet su se construire une visibilité et une légitimité d’expert de la peinture septentrionale, qui lui ont ouvert les portes de l’Académie royale de Peinture et de Sculpture à Paris en 1764. Dans ce contexte, l’enquête monographique sert ici de simple fil conducteur à des questionnements variés sur la France des Lumières, et plus particulièrement sur le rapport entre Paris et la province, entre les grands et petits maîtres, entre la littérature érudite et les écrits de vulgarisation. L’étude s’attache aussi à définir la place des Arts dans l’espace public ouvert par le développement des expositions, du marché de l’art et du tourisme culturel. Elle met enfin l’accent sur l’attraction puissante qu’ont exercée les œuvres flamandes, hollandaises et allemandes sur les collectionneurs du XVIIIe siècle.

Cette synthèse sera prochainement suivie de la réédition critique du ‘Voyage pittoresque de la Flandre et du Brabant’, qui a été le premier guide publié en France avec l’intention explicite de proposer aux artistes et amateurs d’art une autre destination que l’Italie.

Gaëtane Maës est Maître de conférences habilitée à diriger des recherches, et elle enseigne l’Histoire de l’Art des Temps modernes à l’université de Lille. Ses recherches s’attachent autant à l’art des anciens Pays-Bas (Flandre et Hollande) qu’à l’art français, afin de les envisager dans un esprit de décloisonnement. Avec Jan Blanc, elle a notamment publié ‘Les échanges artistiques entre la France et les anciens Pays-Bas. 1482-1814‘ (Brepols, 2010). Elle est également l’auteur de nombreux articles sur l’historiographie des peintres et les fonctions sociales de l’art.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Publication : “The Language of Continent Allegories in Baroque Central Europe”.

SCHMALE Wolfgang, ROMBERG Marion et KOSTLBAUER Josef, The Language of Continent Allegories in Baroque Central Europe, Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2016, 240 p.
SCHMALE Wolfgang, ROMBERG Marion et KOSTLBAUER Josef, The Language of Continent Allegories in Baroque Central Europe, Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2016, 240 p.

Présentation de l’éditeur :

The iconography of the four continents dates back to 16th and early 17th centuries, at a time when Europe’s vision of the world was changed dramatically by discovery and conquest of the New World. Its peak of dissemination was reached in the 18th century. The late Baroque claims a special role for two reasons: The first is the large number of reproductions and applications during this period, the second is the multifaceted significance these allegories enjoyed. They could be inserted into religious and liturgical settings as well as into political language or that of the history of civilization and mankind. “Language” in this sense means that the continent allegories were less the object of an art historical interpretation than being considered a formative part of religious, liturgical, political, historical and other discourses. As pictorial language they were interwoven with text, dogmas, narratives and stereotypes. Thus the authors of this volume inquire what the allegories of the four continents actually meant to people living in the Baroque age. Continuer la lecture de Publication : “The Language of Continent Allegories in Baroque Central Europe”.

Publication : “The Medici’s Painter Carlo Dolci and Seventeenth-Century Florence”.

STRAUSSMAN-PFLANZER Eve (dir.),The Medici's Painter Carlo Dolci and Seventeenth-Century Florence,New Haven, Yale University Press, 2017, 128 p.
STRAUSSMAN-PFLANZER Eve (dir.),The Medici’s Painter Carlo Dolci and Seventeenth-Century Florence,New Haven, Yale University Press, 2017, 128 p.

Présentation de l’éditeur : 

Carlo Dolci (1616–1687), arguably the greatest painter in 17th-century Florence, was admired and patronized by the city’s leading families. Best known for his half-length and single-figure devotional pictures, Dolci was also a gifted painter of altarpieces and portraits.

Written by a team of distinguished scholars, The Medici’s Painter offers new archival discoveries and insights and features cross-disciplinary approaches to Dolci’s life and art and the cultural and political contexts in which he worked. The volume sheds new light on Dolci’s significant and impressive body of work. The painter understood the power of his paintings to inspire contemporaries, and his works continue to compel individuals to look closely and feel deeply about art.

Eve Straussman-Pflanzer is head of the European Art Department and Elizabeth and Allan Shelden Curator of European Paintings, Detroit Institute of Arts.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Publication : “GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance”.

GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance, introduction, traduction et notes de FIORATO Adelin Charles, préface, édition critique et notes de SOLINAS Francesco, Paris, Les Belles Lettres, 2016, 364 p.
GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance, introduction, traduction et notes de FIORATO Adelin Charles, préface, édition critique et notes de SOLINAS Francesco, Paris, Les Belles Lettres, 2016, 364 p.

Présentation de l’éditeur :

« J’assure Votre Seigneurie Illustrissime que ce sont là des tableaux qui comportent des figures nues et des femmes, qui coûtent très cher et vous causent de grands casse-tête. Quant à vouloir faire des esquisses et à les envoyer, j’ai fait résolument le vœu de n’envoyer jamais plus d’esquisses de ma main, car j’ai été victime de fort méchants tours ; et en particulier, aujourd’hui même, je me suis trouvée avoir fait une esquisse sur des âmes du Purgatoire pour l’évêque de Sant’Agata, et cette esquisse, pour dépenser moins, on l’a fait exécuter par un autre peintre, lequel peintre travaille à partir des fruits de mon labeur. Si j’avais été un homme, je ne sais comment cela se serait passé. »

Lettre à Antonio Ruffo, 1649

Artemisia Gentileschi a laissé quelques lettres, publiées sporadiquement en Italie, et rassemblées pour la plupart dans un recueil édité par Francesco Solinas, chez l’éditeur De Luca, en 2011. Mais comme le cas socio-professionnel d’Artemisia est particulièrement digne d’attention, sont également publiées dans cet ouvrage une quinzaine de missives écrites et envoyées par des membres de son entourage : son père le peintre Orazio, son mari Paolo Antonio Stiattesi, le plus illustre de ses amants Francesco Maria Maringhi, et d’autres agents s’intéressant à la production picturale d’Artemisia.

Cette correspondance est lacunaire : n’ont survécu que des séries de missives, découvertes au fil du temps dans des archives et des éditions « princeps » partielles. Elles couvrent quatre périodes : 1611-1612, pour les documents concernant le viol ; 1615-1620, pour les lettres adressées à son amant Francesco Maria Maringhi ; 1630-1639, pour la correspondance avec les ducs de Modène et de Toscane, Galilée et d’autres commanditaires ; enfin, une série de douze lettres à Don Antonio Ruffo, écrites entre 1649 et 1651. Continuer la lecture de Publication : “GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance”.

Conférence du GRHAM : “Aux origines de la normalisation des formats des tableaux à Paris : les « toiles de mesure » du XVIIe siècle”, par Pascal Labreuche (Paris, 15 décembre 2016, 19h).

L’Encyclopédie ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers sous la direction de Denis Diderot et Jean le Rond d’Alembert ©Claude Yvel
L’Encyclopédie ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers sous la direction de Denis Diderot et Jean le Rond d’Alembert ©Claude Yvel

Type : Conférence (entrée libre)
Date et horaire : jeudi 15 décembre 2016 à 19h
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Le GRHAM recevra Pascal Labreuche pour une conférence intitulée “Aux origines de la normalisation des formats des tableaux à Paris : les « toiles de mesure » du XVIIe siècle.”

On trouve les premières traces d’une standardisation des formats des toiles à peindre (et des bordures ou cadres), à Paris, dès la deuxième décennie du XVIIe siècle, selon les connaissances actuelles. Un phénomène de normalisation similaire est observable dans d’autres pays d’Europe à la même époque : Italie, Pays-Bas, Angleterre.

Tous ces systèmes nationaux sont différents entre eux et les listes de formats sont généralement associées à des désignations imagées, à l’instar des noms de formats de papiers en France (Petit-Jésus, Soleil, Grand-Aigle, etc.). La France semble constituer un cas unique dans l’histoire de ces différents systèmes de normalisation : à Paris, la nomenclature se fixe une fois pour toutes dès l’origine, et repose non sur des appellations mais sur des numéros (10, 25, 50, etc.) correspondant initialement à des prix fixes, exprimés en sols (sous), livres et écus.

Autre particularité frappante : à de rares ajouts et simplifications près, cette table de formats parisiens, étendue progressivement à l’ensemble du territoire français et largement adoptée comme système international, n’a pas connu de changements depuis l’origine jusqu’à nos jours, ni dans les dimensions ni dans les désignations par numéros. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : “Aux origines de la normalisation des formats des tableaux à Paris : les « toiles de mesure » du XVIIe siècle”, par Pascal Labreuche (Paris, 15 décembre 2016, 19h).

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