Archives par étiquette : Nature morte

Conférence : « “Vanity of vanities, […] all is vanity”. Breath, Time, and Standstill in the Baroque Vanitas Still Life ».

Harmen Steenwijck, Vanitas-Still Life, ca. 1640, Oil on wood panel, 39,2 x 50,7 cm, National Gallery, London

Type : Conférence
Date et heure : 13 mars 2018 à 18h
Lieu : Centre Allemand d’Histoire de l’Art (DFK), 45 rue des Petits-Champs, Paris

Conférence en anglais proposée par Karin Leonhard, Professeur d’histoire de l’art, Universität Konstanz.

What exactly characterizes vanitas-still lives and in what way do they differ from other forms of the genre of still life? A commonplace would be to consider them primarily as the programmatic expression of the volatile nature of earthly vanity, completing the representation of inanimate objects with symbols of fugacity (e.g. hourglass or clock, skull, extinct candle, etc.). The conference aims at critically questioning this kind of interpretation and proposes a new reading of this artistic genre.

Entrée libre dans la limite des places disponibles

Appel à communication : Vanitas. Reconsideration of a pictorial concept

Philippe de Champaigne, Vanitas, vers 1671, huile sur toile, 28 x 37 cm, Le Mans, musée Tessé.

Type : Appel à communication

Date limite de l’appel : 30 juin 2017

Date de l’événement : 24 – 26 mai 2018

Lieu : Belgique, Gand

Vanitas. Reconsideration of a pictorial concept

ANKK-sponsored Session

One of the most controversial pictorial concepts within the methodological debate of Netherlandish art history certainly was (and still is) the concept of the Vanitas of the mundane world. It has become quite common to view and subsume Dutch still life painting under the aspect of transience and to claim that those works include a moralizing message: The depicted objects – may it be the skull or hourglass, overturned glasses, wilted flowers, money, jewelry or instruments (used either in daily life or in art and science) – have been interpreted by art historical scholarship in rather generalizing terms as symbols of the vanity and impermanence of human life. Besides this rather cultural pessimistic interpretation there are additional readings of still life painting – for example a more sensualistic approach emphasizing the cognitive power of sense perception; or a social-historic position that links the genre to seventeenth-century European economic expansion by accentuating the importance of goods as a means to establish identity. Continuer la lecture

Soutenance de thèse: “Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699). Peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique”

Jean-Baptiste Monnoyer, Coupe ornée d'un mascaron de satyre remplie de fleurs, posée près d'un paon, peinture à l'huile sur toile, 98 x 137cm, Versailles: châteaux de Versailles et de Trianon, Photo (C) RMN-Grand Palais (Château de Versailles) / Daniel Arnaudet

Jean-Baptiste Monnoyer, Coupe ornée d’un mascaron de satyre remplie de fleurs, posée près d’un paon, peinture à l’huile sur toile, 98 x 137cm, Versailles: châteaux de Versailles et de Trianon, Photo (C) RMN-Grand Palais (Château de Versailles) / Daniel Arnaudet

Type : soutenance de thèse.
Date : vendredi 2 décembre 2016 à 14h.
Lieu : Université Aix-Marseille Université – amphithéâtre de la MMSH, 5 rue du château de l’horloge, Aix-en-Provence.

Soutenance de thèse de Claudia Salvi: “Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699). Peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique”.

Le jury est composé de:

Olivier BONFAIT, professeur d’histoire de l’art moderne à l’Université de Bourgogne (directeur de thèse).

Michèle-Caroline HECK, professeur d’histoire de l’art moderne à l’Université Paul Valéry Montpellier (rapporteur).

Pierre ROSENBERG, de l’Académie Française, ancien Président Directeur du musée du Louvre.

Guillaume GLORIEUX, professeur d’histoire de l’art moderne à l’Université Rennes 2 (rapporteur).

Patrick DANDREY, professeur de littérature française du XVIIe siècle à l’Université Paris – Sorbonne.

Mireille NYS, maître de conférences en histoire de l’art moderne à l’Université Aix-Marseille.

Publication : “Die Experimentalkultur in einer Seifenblase. Das epistemische Potenzial in Chardins Malerei”.

 

HOSSEINI Anita, Die Experimentalkultur in einer Seifenblase. Das epistemische Potenzial in Chardins Malerei, Munich, Wilhelm Fink, 2016, 296 p.

HOSSEINI Anita, Die Experimentalkultur in einer Seifenblase. Das epistemische Potenzial in Chardins Malerei, Munich, Wilhelm Fink, 2016, 296 p.

Présentation de l’éditeur :

Wie kann Malerei Wissen vermitteln oder gar generieren? Diese Frage untersucht Anita Hosseini in ihrer Studie zum 18. Jahrhundert ausgehend von Jean-Siméon Chardins Gemälde »Die Seifenblasen«.
Durch die Zusammenführung von Experimentalkultur, Bildgenese und Bildrezeption zeigt Hosseini, wie aus der Seifenblase als Symbol der Vanitas zugleich auch ein Sinnbild der Veritas wird. Nicht nur durch das Sujet, sondern auch durch die Darstellungstechnik veranschaulichen Chardins Bildwelten die Diskurse ihrer Entstehungszeit. Die Malerei gibt Aufschluss über das Licht Newtons und die damaligen Wahrnehmungstheorien. Mit »Augen wie Prismen« (Renou) zergliedert Chardin die sichtbare Welt in Luft und Licht, die er zur Darstellung bringt. Aus der malerischen Ästhetik geht eine Wahrnehmungsästhetik hervor, die diese Malerei in der Rezeption selbst zu einem Feld des Experiments macht.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Ventes Christie’s de décembre 2015 : tableaux anciens

Charles-Antoine Coypel, La Destruction du Palace d’Armide, 1737, huile sur toile, 128 x 193 cm.

Charles-Antoine Coypel, La Destruction du Palace d’Armide, 1737, huile sur toile, 128 x 193 cm.

Pour sa vente du 8 décembre à Londres (King Street, 19 h), Christie’s propose La Destruction du Palace d’Armide (1737) de Charles-Antoine Coypel (Paris 1694 – 1752). Ce tableau (lot n° 36 estimé entre 250 000 et 300 000 £) est un original en petit de la troisième Entrée de Coypel pour la série connue sous le nom de Tenture des Fragments de l’Opéra destinée à orner les appartements privés de la reine Marie Leszczynska à Versailles. Cette série représente quatre scènes tirées du théâtre lyrique de Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687) s’inspirant de La Jérusalem libérée du Tasse (1584). Il ne fallut pas moins d’une année aux ateliers des Gobelins pour transposer la composition de ce modello sur le carton à tapisserie qui se trouve aujourd’hui au musée des Beaux-Arts de Nancy. Les registres de l’Académie indiquent que Coypel fit cadeau de ce tableau au portraitiste Jean-Louis Tocqué (1696 – 1772) en l’honneur de sa présentation à l’Académie du portrait de Le Normant de Tournehem en 1750[1]. L’œuvre rejoint par la suite les collections d’Hippolyte Taine (1828-1893) et de ses descendants.

Claude Joseph Vernet, Port méditerranéen avec des personnages déchargeant des marchandises, 1773, huile sur toile, 52,6 x 70,6 cm.

Claude Joseph Vernet, Port méditerranéen avec des personnages déchargeant des marchandises, 1773, huile sur toile, 52,6 x 70,6 cm.

Le lot 35 (estimé entre 80 000 et 120 000 £) présente une marine de Claude Joseph Vernet (Paris 1714-1789).

Le bateau voguant sous pavillon ottoman marque l’importance des relations commerciales que la France entretenait alors avec la Sublime Porte, tandis que la forme de la fontaine à laquelle deux femmes viennent chercher de l’eau pourrait être une allusion au célèbre phare de Naples, la Lanterne du Môle, souvent présente dans les tableaux de Vernet.

Louis-Michel Van Loo, Portrait de Gabriel-Henri Bernard de Rieux, marquis de Boulainvilliers, 1758, huile sur toile, 144 x 112 cm.

Louis-Michel Van Loo, Portrait de Gabriel-Henri Bernard de Rieux, marquis de Boulainvilliers, 1758, huile sur toile, 144 x 112 cm.

Le lot 37 (évalué entre 120 000 et 180 000 €) permet de découvrir le portrait du marquis de Boulainvilliers (1724 – 1798) réalisé par Louis-Michel Vanloo (Toulon 1707-1771/5 Paris). Descendant d’une famille de banquier anoblie par Louis XIV, Gabriel-Henri Bernard de Rieux est conseiller du roi, président du Parlement et dernier prévôt de Paris en 1792, conservateur des privilèges de l’université de Paris, lecteur de la chambre du Roi, grand prévôt et maître des cérémonies de l’ordre de Saint-Louis, lieutenant du Roi et gouverneur de l’Île-de-France en 1775.

Le portrait de sa deuxième femme réalisé en pendant du sien, toujours par Louis-Michel Van Loo, est aujourd’hui perdu.

Giovanni Francesco Barbieri, dit Le Guercin, Portrait de Fra Bonaventura Bisi, vers 1658, huile sur toile, 94.4 x 76.4 cm.

Giovanni Francesco Barbieri, dit Le Guercin, Portrait de Fra Bonaventura Bisi, vers 1658, huile sur toile, 94.4 x 76.4 cm.

Dans la vente du 9 décembre à Londres (King Street, 10h30), on signalera ce portrait de Fra Bonaventura Bisi (1601-1659) par Le Guerchin (Cento 1591 – 1666 Bologne), lot n° 168 évalué entre 100 000 – 150 000 £. Le tableau a donné lieu à une abondante littérature concernant son auteur ; la paternité de l’œuvre a été successivement attribuée au Guerchin par Denis Mahon, puis à Bendetto Gennari par Nicosetta Roio, puis de nouveau au Guerchin par David Stone et Daniele Benati. L’identité du modèle n’est en revanche plus contestée depuis 1906 date à laquelle elle est attestée grâce à une gravure de Domenico Maria Muratori. A noter que la gravure montre le peintre miniaturiste tenant une feuille représentant une Vierge à l’enfant, tandis que le portrait dépeint Fra Bonaventura Bisi avec un dessin d’Alfonse IV, duc de Modène (1634 – 1662) pour lequel Le Guercin agissait comme agent dans l’acquisition de tableaux.

Edwaert Collier, Nature morte, 1662, huile sur toile, 166.1 x 137.2 cm.

Edwaert Collier, Nature morte, 1662, huile sur toile, 166.1 x 137.2 cm.

A signaler encore deux belles natures mortes. La première est d’Edwaert Collier (Breda vers 1640 – 1708 Londres).

Elle représente un globe, un coffret à bijoux, des livres, un calice en argent renversé, un roemer en équilibre dangereux au bord de la table (rappellant la fragilité la vie), un nautilus (qui remplace le crâne de mort, objet familier des Vanitas), un châle et une gravure représentant le portrait de l’artiste. Les instruments de musique (une vielle, un luth, un violon, une cornemuse) semblent retenir l’écho d’une musique qu’indique la partition : la mélodie Questa Dolce Sirena de Gastold. Le tableau engage ainsi le spectateur à réfléchir sur la fascination qu’il peut exercer sur lui. Ce lot, n° 149, est évalué entre 80 000 et 120 000 £.

La seconde nature morte à signaler (lot 127, évalué entre 50 000 et 80 000 €) est celle d’Ottmar Elliger I (Göteborg 1633 – 1679 Berlin) entre plaisirs des yeux et plaisirs de la bonne chair.

Ottmar Elliger I, Nature morte, 1671, huile sur bois, 98.4 x 78.4 cm.

Ottmar Elliger I, Nature morte, 1671, huile sur bois, 98.4 x 78.4 cm.

Florence Fesneau

————————————————————————————————————————-

[1] Voir la thèse à paraître d’Esther Bell.