Type : Appel à communication Date limite pour les propositions : 31 janvier 2023 Dates de l’évènement : 8 juin 2023 Lieu : Galerie Colbert, 2 rue Vivienne 75002 Paris
Depuis de nombreuses années, les expositions consacrées aux femmes artistes renouvellent le regard porté sur les femmes comme actrices de l’art. Elles réinterprètent ainsi la question volontairement provocatrice posée en 1971 par Linda Nochlin : « Pourquoi n’y-a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ». Si les travaux amorcés par cette question ont permis de mettre en lumière nombre de figures féminines de l’art, le rôle des femmes comme intermédiaires au sein des différentes sphères artistiques est beaucoup moins l’objet de l’attention des historiennes et historiens de l’art. Un ouvrage très récent (F. Duhautpas, C. Foucher Zarmanian, H. Marquié, 2022) a ouvert une voie en explorant, principalement pour les XIXe-XXe siècles, le rôle des femmes comme médiatrices des arts. Il nous apparaît tout aussi fécond d’appliquer cette interrogation aux deux siècles précédents. En effet, la période moderne correspond à un moment charnière de développement du marché de l’art européen s’accompagnant d’une croissance spectaculaire du nombre d’intermédiaires dans ces réseaux. Définis en 1987 comme « l’ensemble des individus qui assument des responsabilités entre les individus – présents ou passés – et le public […] » (A. Chastel et K. Pomian, 1987), les intermédiaires ont bénéficié depuis lors d’un intérêt continu en histoire de l’art. Pour autant, la place et le rôle des femmes non-artistes au sein des « mondes de l’art » (H. Becker, 1982) de la première modernité restent à (d)écrire et la notion d’intermédiaire doit désormais se décliner au féminin. Continuer la lecture de Appel à communication : “Intermédiaires ? Les femmes dans les sphères artistiques, entre actions et contraintes (XVII e -XVIII e siècles)”
Type : Conférence Date de l’évènement : 13 octobre 2022, 19h-20h. Lieu : Institut National d’Histoire de l’Art / Galerie Colbert, salle Jullian
La conférence a pour double but d’ébaucher une histoire de la profession de commissaire-priseur en France depuis le XXe siècle et de questionner le rôle actuel de cet acteur dans le marché de l’art et la société, en particulier pour l’art ancien.
Des ventes grandioses du début du XXe siècle au duopole des études Rheims et Ader, de la réforme juridique de 2000 jusqu’à l’arrivée des maisons anglo-saxonnes sur la place de Paris, en passant par l’espoir des ventes online pour les SVV (Sociétés de Ventes Volontaires) de petite taille; le métier de commissaire-priseur a connu de profonds changements au cours des dernières décennies. Pourquoi ce métier a-t-il longtemps fait rêver ? Quelle sont désormais ses fondements juridiques et quel est son rôle économique, patrimonial, voire sociétal? Quelles sont les particularités du système français au niveau international et que peut-il offrir par rapport à des systèmes concurrents? Continuer la lecture de Conférence du GRHAM: “Être commissaire-priseur aujourd’hui en France ; entre tradition et modernités” par Matthieu Fournier (Paris, INHA, 13 octobre 2022)
Jusepe de Ribera (1588 – 1656 ), Un philosophe : l’heureux géomètre, n.d., Huile sur toile, 100 x 75,5 cm, Collection privée.
Nous vous informons que toutes les places pour cette conférence ont été réservées. Les inscriptions sont donc désormais closes.
Type : Conférence. Date et horaire : jeudi 8 octobre 2020 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari. Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Henri-Pierre Danloux,The Baron de Besenval in his Salon de Compagnie 1791, Londres, National Gallery
Type : appel à communication. Date limite de l’appel : 8 novembre 2019. Date de l’événement : 18 février, 17 mars, 7 avril, 5 mai et 9 juin 2020 Lieu : Institut national d’histoire de l’art (INHA)
Les organisateurs de Collection/Séminaire sur le collectionnisme et le marché de l’art, lancent un appel à communication pour les séances mensuelles du séminaire en 2020. Le séminaire Collection entend être un lieu de rencontre qui permet la discussion entre universitaires et conservateurs venus présenter de nouvelles recherches sur tous les sujets relatifs à l’histoire des collections et du marché de l’art. Les communications pourront concerner toutes les époques sans limitations géographiques et aborder par exemple la constitution et la vie des collections, (privées et muséales), les collectionneurs et les acteurs du marché de l’art, autant que des réflexions méthodologiques sur les sources et les outils, y compris numériques.
Pierre-Antoine Demachy, Scène de vente de tableaux aux enchères dans un salon, XVIIIe siècle, dessin à la plume, 26,6 x 32,1 cm, Bayonne, musée Bonnat-Helleu.
Type : journée d’étude du GRHAM. Date de l’événement : 05 juin 2019. Lieu : salle Jullian, Institut National d’Histoire de l’Art (INHA) 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.
Les marchands se trouvent au cœur d’un vaste réseau culturel et artistique à cette période et deviennent les premiers intermédiaires entre l’œuvre et l’amateur d’art. Objets de curiosité, arts décoratifs, tableaux, dessins et gravures font tous partie des biens constituant ce négoce. Durant cette époque particulièrement dynamique, tant du point de vue historique que culturel, plusieurs controverses se font jour en lien avec ce commerce florissant. De nombreuses polémiques émergent entre différentes figures de marchands influents, certains qualifiant même leurs confrères de « brocanteurs ». Ces polémiques signalent-elles une volonté de s’imposer dans un secteur devenu fortement concurrentiel ? Ou ne sont-elles que la manifestation de l’ambition de voir reconnaître une réelle distinction de compétences entre les marchands ? Des débats éclatent aussi entre les marchands et leur clientèle. Les amateurs, à la recherche constante d’œuvres authentiques, originellement créées par un artiste, sont ainsi confrontés aux problèmes que posent la copie et le faux, et à l’honnêteté parfois contestable des négociants. S’agit-il alors d’un problème de connaissances et de compétences des marchands ou d’un manque manifeste de sincérité au profit d’un désir grandissant d’enrichissement ? Enfin, cette journée s’intéressera aux échanges entre la France et ses pays voisins et, plus particulièrement, à la visibilité des pratiques marchandes contestées et à la manière dont les Français sont perçus à l’étranger durant cette période. Continuer la lecture de Journée d’étude du GRHAM : “Le marché de l’art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : Expertises, négociations et controverses” (Paris, 5 juin 2019).
Pierre-Antoine Demachy, Vente publique de tableaux, probablement à l’hôtel Bullion, ca. 1785, huile sur toile, 22 x 33 cm, Paris, musée Carnavalet.
Type : appel à communication. Date limite de l’appel : 05 avril 2019. Date de l’événement : 05 juin 2019. Lieu : salle Jullian, Institut National d’Histoire de l’Art (INHA) 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.
Cette troisième journée d’étude organisée par le GRHAM se propose de revenir sur le thème du marché de l’art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Son objectif est de participer à la diffusion des récentes recherches qui se sont penchées sur les différentes problématiques et controverses qui ont pu animer ce domaine.
Les marchands se trouvent au cœur d’un vaste réseau culturel et artistique à cette période et deviennent les premiers intermédiaires entre l’œuvre et l’amateur d’art. Objets de curiosité, arts décoratifs, tableaux, dessins et gravures font tous partie des biens constituant ce négoce. Durant cette époque particulièrement dynamique, tant du point de vue historique que culturel, plusieurs controverses se font jour en lien avec ce commerce florissant. De nombreuses polémiques émergent entre différentes figures de marchands influents, certains qualifiant même leurs confrères de « brocanteurs ». Ces polémiques signalent-elles une volonté de s’imposer dans un secteur devenu fortement concurrentiel ? Ou ne sont-elles que la manifestation de l’ambition de voir reconnaître une réelle distinction de compétences entre les marchands ? Des débats éclatent aussi entre les marchands et leur clientèle. Les amateurs, à la recherche constante d’œuvres authentiques, originellement créées par un artiste, sont ainsi confrontés aux problèmes que posent la copie et le faux, et à l’honnêteté parfois contestable des négociants. S’agit-il alors d’un problème de connaissances et de compétences des marchands ou d’un manque manifeste de sincérité au profit d’un désir grandissant d’enrichissement ? Enfin, cette journée s’intéressera aux échanges entre la France et ses pays voisins et, plus particulièrement, à la visibilité des pratiques marchandes contestées et à la manière dont les Français sont perçus à l’étranger durant cette période. Continuer la lecture de Appel à communication du GRHAM : “Le marché de l’art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : expertises, négociations et controverses”.
Gaspar Bouttats, La loterie de Henricus van Soest à Anvers, 1695. Gravure à l’eau-forte. H. 19,1 ; L. 27,3 cm. Amsterdam, Rijksmuseum. Inv. RP-P-OB-77263
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 15 novembre 2018 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari (1er étage). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Courantes dans les Pays-Bas méridionaux dès le milieu du XVe siècle, les loteries étaient organisées à l’origine par des institutions civiles ou religieuses afin de lever des fonds destinés à des œuvres d’utilité publique. Très tôt, de somptueuses pièces d’orfèvrerie en argent ou en vermeil constituèrent les lots d’appel et matérialisèrent la victoire de la Fortuna. Progressivement, des marchands d’objets d’art et de luxe s’emparèrent du système des loteries, afin d’en exploiter le principe dans un but lucratif. Le succès de ces opérations entraîna leur multiplication ainsi que la diversification des lots à gagner, parmi lesquels œuvres d’art et objets de luxe prirent une place croissante. Peintures, tapisseries, reliefs en albâtre, bijoux, tazze, hanaps, miroirs en cristallin, verreries « façon Venise », clavecins… s’offrirent ainsi à la vue comme le spectacle des richesses à gagner, accessibles à tous selon les caprices du hasard et de la Fortune.
Type : Journée d’étude (entrée libre)
Date et horaire : lundi 19 mars 2018 – 9h30-17h
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari (1er étage).
Cette journée d’étude propose d’interroger la manière usuelle et pragmatique d’adapter dans un espace domestique des objets qui n’étaient originellement pas destinés à se rencontrer, en jouant malgré ou avec leur dissemblance.
Si l’histoire de l’art nous met souvent en présence d’intérieurs où l’harmonie décorative est conçue selon l’idéal d’une « œuvre d’art totale », c’est ici un versant opposé qui sera examiné. Il s’agit en effet d’offrir plusieurs réflexions issues de rapprochements inattendus et parfois surprenants que peuvent susciter des assortiments hétérogènes d’objets de natures et d’époques diverses. Ce sujet rejoint l’histoire du goût et des collections : il place au cœur du débat la nécessité pratique pour un collectionneur, marchand ou particulier, de composer un intérieur à partir d’éléments disparates par leur âge, leur forme ou leur usage.
Les cas convoqués montrent l’étendue des possibilités, certains ayant choisi d’associer leur mobilier ancien à des œuvres d’art moderne, d’autres un mobilier moderne à des œuvres anciennes, ou encore de mêler plus largement différentes typologies de collections dans un même espace, tout en laissant présager un souci de l’effet d’ensemble. Foisonnants et éclectiques, ces intérieurs prônent pour ainsi dire le désordre organisé. De même, leurs composantes, œuvres et objets d’art, tantôt perçues comme des sources de délectation, tantôt envisagées avec une finalité plus triviale, se présentent en constante mutation. Ils deviennent dès lors problématiques pour l’historien chargé de les interpréter de façon cohérente, souvent tenté de les catégoriser et d’en fixer un sens unique dans le temps et l’espace. Continuer la lecture de Journée d’étude : “Aménagement intérieur et cohabitation des styles aux époques moderne et contemporaine”
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 18 mai 2017 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
A l’occasion de la dernière conférence de son cycle 2016-2017, le GRHAM invite la Galerie Hubert Duchemin pour une séance dédiée à un vaste débat sur l’attribution.
Ambroise Duchemin présentera une communication axée autour de la découverte d’un portrait de Fortuné Dufau (1770-1821). L’attribution à cet élève de Girodet d’un petit tableau longtemps resté anonyme a permis de redécouvrir un artiste oublié et de mettre un nom sur un des portraits les plus mystérieux du néo-classicisme français : La jeune fille au collier de jais du musée Magnin à Dijon.
Hubert Duchemin s’interrogera sur l’attribution de certaines œuvres célèbres présentées dans les musées. Il partagera avec le public son analyse sur des toiles de Caravage et Poussin mais aussi, plus brièvement, de Watteau et Chardin. Cette présentation sera l’occasion de mettre à l’épreuve de la discussion quelques-unes de ses interrogations. Partisan d’une approche singulière et transversale, Hubert Duchemin reviendra également sur sa méthode basée sur « la connaissance du langage des peintres » et la comparaison, le « paragone ».
Expert indépendant en tableaux et dessins, Hubert Duchemin exerce son regard depuis plus de trente ans au sein des collections privées, du marché de l’art mais également des musées. Il est notamment à l’origine de la redécouverte du Chat Mort de Géricault ainsi que des Esquisses de portraits de Fragonard (avec Lilas Sharifzadeh). Actuellement installé au 8 rue de Louvois à Paris, la Galerie Hubert Duchemin présente plusieurs expositions chaque année, basées sur ses récentes découvertes.
Diplômé de Sciences-Po Toulouse en 2013 (Master Culture et Production des savoirs), Ambroise Duchemin rejoint dans la foulée la galerie familiale puis créé en 2015 sa propre structure accompagnée d’un site internet. Passionné par l’art ancien et moderne, il a publié en mars 2017 son premier catalogue « Œuvres sur papier » qui couvre une période allant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle.
VAN GROESEN Michiel, Amsterdam’s Atlantic : Print Culture and the Making of Dutch Brazil, Philadelphie, University of Pennsylvania Press, 2016, 288 p.
Présentation de l’éditeur :
In 1624 the Dutch West India Company established the colony of Brazil. Only thirty years later, the Dutch Republic handed over the colony to Portugal, never to return to the South Atlantic. Because Dutch Brazil was the first sustained Protestant colony in Iberian America, the events there became major news in early modern Europe and shaped a lively print culture.
VAN GINHOVEN Sandra, Connecting Art Markets. Guilliam Forchondt’s Dealership in Antwerp (c.1632–78) and the Overseas Paintings Trade, Leiden, Brill, 2016, 330 p.
Présentation de l’éditeur :
Based on Guilliam Forchondt’s surviving business documentation in Antwerp and applying an aggregate and data-driven approach, Connecting Art Markets focuses on the role of art dealers in mediating the supply and demand for art, behaving in particular ways as to influence the markets for artworks in which they were strategically invested. Van Ginhoven presents her findings on Guilliam Forchondt’s workshop production volumes and transatlantic art trade flows, and evaluates the relationship between the production paintings in the Southern Netherlands, their local, regional and overseas distribution channels, and the markets for these works in Europe and the Americas during the seventeenth century.
Sandra van Ginhoven, Ph.D (2015), Duke University, is a lecturer at Erasmus University Rotterdam. She has published articles on the role of art dealers and her research at the intersection between art history and economics engages tools for data analysis and visualization.
L’exposition organisée au musée du Louvre, en association avec la National Gallery of Art de Washington, du 9 Mars 2016 au 30 Mai 2016 est la première manifestation consacrée à l’ensemble de la carrière d’Hubert Robert (1733-1808) depuis 1933[i]. Le commissaire de l’exposition, Guillaume Faroult, et ses collaborateurs, ont réuni dans le Hall Napoléon un ensemble exceptionnel de cent quarante œuvres (peintures, dessins, gravures, objets d’art), issues des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers. La muséographie suggère sans excès une architecture factice en rapport avec la qualité de « peintre d’architecture » d’Hubert Robert. Ses œuvres se répartissent dans quinze espaces consacrés à une thématique propre.
fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre
Dans chaque espace, un grand cartel adossé au mur rappelle les ruines peintes par l’artiste, à moins qu’il ne fasse écho au détail d’un célèbre tableau où le peintre se représente en bas à droite face à sa toile posée de biais devant la Sainte Famille de Raphaël qu’il est entrain de copier dans la Grande galerie du Louvre (fig. 1). Dans un cas comme dans l’autre, la muséographie vient renforcer le lien entre les ruines, dont Hubert Robert est le plus célèbre interprète français du XVIIIe siècle, et le Louvre, dont il assure la conservation des œuvres d’art durant la transformation progressive du palais en musée des beaux-arts.
Le jeudi 26 mars 2015, les quarante-neuf coups du marteau de Matthieu Fournier ont dispersé la collection de peintures de Louis Grandchamp des Raux au cours d’une vente organisée par Sotheby’s et Artcurial à Paris.
Tous les lots ont été vendus, sans que les musées français n’aient fait valoir leur droit de préemption. Ce retrait s’explique probablement par le montant élevé des estimations, qui n’a cependant pas découragé les autres acheteurs. Ainsi, la majorité des lots a été adjugée dans la tranche prévue par les estimations, et près de 40% des lots ont même dépassé ces prévisions, portant le résultat global de la vente à plus de 7 630 000 € (8,7 millions avec les frais).
À l’exemple de Louise Moillon, dont l’une des deux natures mortes (ill. 1) a trouvé acquéreur pour 900 000 € (hors frais), d’autres artistes ont visiblement battu leur record sur le marché de l’art[1].
Tout comme les œuvres de Louise Moillon, celles d’Anne Vallayer-Coster ont remporté un franc succès commercial. Compte tenu du faible nombre de femmes reçues à l’Académie royale de peinture et de sculpture[2], la qualité esthétique de leurs tableaux se double d’une valeur sociale indéniable. Le développement des gender studies a sans doute aiguisé l’intérêt du public pour ce type de productions, a fortiori quand le modèle est également une artiste (ill. 2).
Pourtant, c’est moins la musicienne -dont le violon est proprement désaccordé- que la psychologie de la demoiselle qui est mise en avant dans cette composition poétique mêlant les genres du portrait et de la nature morte. À l’écart des scènes moralisantes de son contemporain Greuze[3], Anne Vallayer-Coster semble ici renouer avec l’ancienne tradition du memento mori. Tenant un violon dont la première corde a déjà lâché, le jeune modèle apparaît dans la posture humble d’une Madeleine pénitente dont le regard semble s’évanouir au travers des portées musicales. Le public pourra bientôt l’admirer dans un musée européen, qui l’a acquis pour la somme de 750 000 € (hors frais).
Le goût de Louis Grandchamp des Raux pour les assemblages harmonieux transparaît également dans la nature morte, qui est le genre pictural le plus représenté dans sa collection. Parmi les plus remarquées, la fascinante composition de Pierre-Antoine Lemoine est une des quatre œuvres actuellement référencée de l’artiste (ill. 3): elle a trouvé acquéreur pour 350 000 € (hors frais).
En lien avec ce genre, il convient aussi de signaler cinq œuvres de François Desportes (1661-1743), dont l’esquisse d’un tableau représentant les chiennes de Louis XV Bonne, Nonne et Ponne (Paris, Musée de la chasse et de la nature).
À signaler enfin, parmi des paysages de Boucher, Fragonard et Hubert Robert, Le lever du jour, départ des pêcheurs (ill. 4) de Joseph Vernet, qui s’est envolé (en France : le tableau, issu de l’ancienne collection du château de Ferney-Voltaire, est classé monument historique) pour 700 000 € (hors frais).
Dans un communiqué de presse commun, Sotheby’s et Artcurial se sont félicités d’avoir battu un record remontant à plus de vingt ans. En conséquence, la vente Grandchamp des Raux est révélatrice d’un regain d’intérêt pour la peinture française des XVIIe et XVIIIe siècles, dont la recherche en Histoire de l’art moderne ne peut que se flatter.
[1] À en juger par les résultats de la base Artprice, c’est le cas du peintre de Pierre-Antoine Lemoine (Paris 1605-1665) et d’Anne Vallayer-Coster (Paris 1744-1818). [2] Octave Fidiere, Les femmes artistes à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris: Charavay frères, 1885. [3] Justement, le Portrait de jeune femme au fichu blanc (lot 27) peint par Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) a été vendu en deçà de son estimation (75 000 € hors frais).