Archives par étiquette : Jean-Jacques Huvé

Artistes des Lumières. Symposium d’histoire de l’art de la Mairie du XIe arrondissement sous la direction de Martine Debieuvre, Sébastien Chauffour et Christophe Henry le 26 février 2015

Le symposium d’histoire de l’art qui s’est tenu à la Mairie du XIe arrondissement de Paris s’est donné pour double objectif de présenter des grands maîtres des Lumières peu connus du grand public et de donner une tribune aux chercheurs qui permettent, par leurs travaux, de les redécouvrir.

Anne-Claude Philippe de Caylus, Voltaire à la Bastille, ca. 1718, eau-forte, dimensions inconnues, Paris, Bibliothèque nationale de France, Département des Estampes et de la photographie.

Anne-Claude Philippe de Caylus, Voltaire à la Bastille, ca. 1718, eau-forte, dimensions inconnues, Paris, Bibliothèque nationale de France, Département des Estampes et de la photographie.

Markus A. Castor[1] (Paris, Centre allemand d’Histoire de l’Art) a débuté cette journée d’étude en analysant la sensualité de la main et le sens de l’Histoire chez le comte de Caylus (1692 – 1765). Fils cadet de Marthe Le Valois de Villette de Mursay[2], cet homme de lettres a mené une carrière hétéroclite au sein du milieu artistique français du XVIIIe siècle. Après avoir reçu une éducation noble et variée, le jeune comte s’engage dans un régiment de dragons et s’illustre sur les champs de bataille de la guerre de Succession d’Espagne. Abandonnant sa carrière militaire, Anne-Claude de Caylus entreprend alors une série de voyages qui l’amène à visiter de nombreuses contrées d’Europe et d’Orient. Cet ami d’Antoine Watteau s’adonne aussi bien au dessin en copiant les maîtres italiens, qu’à la gravure d’interprétation d’après des artistes comme Claude Gillot[3] ou Charles Coypel[4]. Reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1731, le comte de Caylus souhaite participer activement au progrès des arts. A partir de 1752, il publie le Recueil d’antiquités égyptiennes, étrusques, grecques et romaines. Présentant majoritairement des objets issus de sa collection, cet ouvrage offre un imaginaire et un répertoire formel novateur pour les lecteurs. Adepte d’un retour à l’antique[5], Anne-Claude de Caylus défend également la supériorité de l’art français du règne de Louis XIV. Selon Markus A. Castor, les artistes les plus proches des préceptes édictés par le comte furent Edme Bouchardon[6] et Louis-Claude Vassé[7].

Michel-François Dandré Bardon, Les quatre âges de la vie : la naissance, 1743, huile sur toile, 36,5 x 28,7 cm, Aix-en-Provence, musée Grasset.

Michel-François Dandré Bardon, Les quatre âges de la vie : la naissance, 1743, huile sur toile, 36,5 x 28,7 cm, Aix-en-Provence, musée Granet.

Laetitia Pierre (Centre allemand d’histoire de l’art & Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) a évoqué le parcours du peintre Michel-François Dandré-Bardon (1700 – 1783) durant la première moitié du XVIIIe siècle. Le but de la communication était de montrer que la carrière et l’œuvre de cet artiste vont à l’encontre d’une idée reçue selon laquelle la peinture du siècle des Lumières serait corrompue par une dégradation des valeurs morales. Peintre d’histoire enseignant à l’Académie royale, musicien et homme de lettres, Dandré-Bardon passe ainsi pour un « autre Caylus » soucieux d’ennoblir la pensée de ses contemporains[8]. Après avoir insisté sur le développement de sa culture artistique, d’abord à Aix dans un environnement de collectionneurs, puis à Paris auprès de maîtres réputés (J.-B. Van Loo, J.-F. de Troy, H. Rigaud et N. de Largillierre) et enfin en Italie, Laetitia Pierre a mis en avant l’hétérogénéité de ses pratiques de jeunesse. Tributaire de son maître J.-B. Van Loo à Paris (Séléné et Endymion, 1726, San Francisco, musée de la Légion d’honneur), sensible à la statuaire antique lors de son séjour romain (première version d’Auguste punissant les concussionnaires, 1726, Aix-en-Provence, Musée Granet), il se montre également capable de traiter des sujets dans le goût de la peinture hollandaise pour un collectionneur aixois (Les quatres âges de la vie, 1740, Aix-en-Provence Musée Granet). Si le renouvellement régulier du répertoire de Dandré-Bardon traduit les expérimentations du pédagogue immortalisé par la postérité, il illustre aussi les tâtonnements d’un jeune peintre qui cherche à se faire une réputation sur deux marchés, Paris et la Provence, par le truchement d’un art vertueux.

Jean Valade, Portrait de Jean-Baptiste Lemoyne sculptant le portrait de Louis XV, 1754, huile sur toile, 130 x 98 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

Jean Valade, Portrait de Jean-Baptiste Lemoyne sculptant le portrait de Louis XV, 1754, huile sur toile, 130 x 98 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

Cécilie Champy (conservatrice du patrimoine au Petit-Palais) a présenté le sculpteur Jean-Baptiste Lemoyne (1704 – 1778) qui reste aujourd’hui méconnu en dépit de l’excellente notoriété dont il jouissait à son époque. Issu d’une dynastie d’académiciens, Lemoyne bénéficie des conseils des plus grands maîtres – ce que souligne Dézallier d’Argenville[9] – et en garde un intérêt prononcé pour les effets picturaux appliqués à la sculpture. Ainsi, n’hésite-t-il pas à accentuer les modelés en mettant « des noirs avec du charbon dans les endroits où il n’avoit pu fouiller assez profondément pour les produire.[10] ». L’hommage que Lemoyne rend à son maître Robert Le Lorrain[11], confirme l’importance du dessin pour le sculpteur, même si aujourd’hui l’œuvre dessiné de Lemoyne a disparu. Portraitiste attitré du roi Louis XV, Jean-Baptiste Lemoyne a aussi réalisé de nombreux bustes d’artistes contemporains, tels que ceux des sculpteurs Gabriel, Le Carpentier et des peintres Coypel, Restout et Quentin de La Tour. Ces bustes permettent de resituer Lemoyne dans la sociabilité de son époque, thématique que Cécile Champy a souhaité privilégier dans sa communication en laissant volontairement de côté sa production monumentale.

Carle Van Loo, Enée portant Anchise, 1729, huile sur toile, 110 x 105 cm, Paris, musée du Louvre

Carle Van Loo, Enée portant Anchise, 1729, huile sur toile, 110 x 105 cm, Paris, musée du Louvre

Pour Christophe Henry[12] – qui établit actuellement le catalogue raisonné du peintre – Carle Van Loo (1705 – 1765) continue de pâtir aujourd’hui d’une indifférence injustifiée, alors même qu’il bénéficia, en son temps, d’un immense succès public et de tous les honneurs[13]. Peu après sa disparition, il sera brocardé par les élèves de David[14], méprisé par Réau[15] et partiellement ignoré par le public parisien qui ne peut apprécier ses grands tableaux – tant admirés par Grimm[16] – éparpillés en province et à l’étranger. Poursuivant la démarche de redécouverte entreprise par Marie-Christine Sahut[17], ainsi que ses travaux avec Daniel Rabreau[18], Christophe Henry souligne l’importance de Carle Van Loo, laquelle s’est trouvée constamment minorée par la littérature du XIXe siècle au nom d’une idéologie « davidienne ». La restauration des œuvres et la mise à jour de tableaux perdus contribuent à démonter le savoir-faire d’un artiste qui s’inscrit dans une réflexion sur la mémoire de l’art. L’utilisation intelligente et active des maîtres anciens est une des clefs de compréhension de l’œuvre de Van Loo qui ne peut se voir réduite à un art compassé de la citation, comme le voudraient ses détracteurs.

Jean Bardin, Tullie faisant passer son char sur le corps de son père, 1765, huile sur toile, 114 x 145 cm, Mayence, Landesmuseum Mainz.

Jean Bardin, Tullie faisant passer son char sur le corps de son père, 1765, huile sur toile, 114 x 145 cm, Mayence, Landesmuseum Mainz.

Prenant appui sur l’itinéraire de Jean Bardin (1732 – 1809), un artiste qu’il a contribué à faire connaître[19], Frédéric Jiméno (Comité d’histoire de la ville de Paris & Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) s’est interrogé sur les incertitudes de la condition de peintre d’histoire à la fin du XVIIIe siècle. Élève de Lagrénée l’aîné et de Pierre, Bardin remporte le premier prix de peinture en 1765 grâce à Tullie faisant passer son char sur le corps de son père qui lui ouvre les portes de l’École royale des élèves protégés, puis celles du palais Mancini à Rome (1768 – 1772). Agréé à l’Académie royale en 1779, il peint ensuite une esquisse en vue de sa réception (Mars sortant des bras de Vénus pour aller à Troie, 1782, Orléans, musée des Beaux-Arts), mais celle-ci est refusée. Sa situation n’est pas isolée[20], mais elle est d’autant plus surprenante que l’artiste a préalablement suivi un parcours exemplaire au sein de l’institution. À défaut d’autres raisons connues[21], des motivations stylistiques (un « faire » pas assez français, trop éclectique et peu individualisé) ou esthétiques (meilleur dessinateur que peintre) justifieraient son exclusion de l’Académie royale. A rebours de son contemporain Fragonard, dont la carrière se déroule délibérément hors de l’Académie royale, Bardin entend bien mener une carrière académique ; cela devient possible – à une échelle inférieure – lorsqu’il est placé à la tête de l’École de dessin d’Orléans en 1786. Le cas de Bardin montre que, contrairement à une idée répandue par la critique, l’Académie royale est fidèle à une ligne qualitative (non définie dans les Procès-verbaux) sur laquelle elle se fonde implicitement pour refuser un aspirant. Ce cas rappelle aussi que la prolifération des écoles de dessins dans le royaume offre une possibilité de recyclage professionnel, en particulier pour des peintres d’histoire, sous la tutelle de l’Académie royale[22].

Jean-Nicolas Servandoni (attribué à), Autoportrait, troisième quart XVIIIe siècle, huile sur toile, 130 x97 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon

Jean-Nicolas Servandoni (attribué à), Autoportrait, troisième quart XVIIIe siècle, huile sur toile, 130 x97 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon

En lien avec sa thèse consacrée à Jean-Nicolas Servandoni (1695-1766), Francesco Guidoboni (Université Paris I Panthéon-Sorbonne, HiCSA) a mis en avant les difficultés rencontrées par l’artiste pour se faire reconnaître en tant qu’architecte. Comme en témoigne son Autoportrait, Servandoni revendique une double carrière dans la peinture et dans l’architecture. Pourtant, ses talents ne sont pas reconnus de la même façon par les institutions officielles. Si l’Académie royale de peinture et de sculpture reçoit Servandoni comme peintre de ruines dès 1731, celle d’architecture lui ferme ses portes sa vie durant. Parmi les raisons avancées pour expliquer ce rejet, Francesco Guidoboni a émis l’hypothèse d’un dédain envers sa formation en dehors du système académique, ainsi qu’une méfiance idéologique à l’encontre d’un artiste étranger. Partant, cette mise au ban peut expliquer l’échec de différents projets, ainsi que la perte du contrôle du chantier de Saint-Sulpice auquel son nom reste néanmoins attaché. D’un point de vue institutionnel, le parcours de Servandoni rappelle que la capacité d’assimilation des artistes innovants durant la première moitié du XVIIIe siècle semble plus faible à l’Académie royale d’architecture qu’à celle de peinture et de sculpture.

Bernard II Vanrisamburgh (attribué à), Secrétaire en pente, c. 1745-1749, chêne plaqué en bois verni, marqueterie, cuir et bronze doré, 79,7 x 87,6 x 50,2 cm, New York, Metropolitan Museum

Bernard II Vanrisamburgh (attribué à), Secrétaire en pente, c. 1745-1749, chêne plaqué en bois verni, marqueterie, cuir et bronze doré, 79,7 x 87,6 x 50,2 cm, New York, Metropolitan Museum

Grace Chuang a présenté Bernard II Vanrisamburgh, ébéniste et fournisseur de la couronne du milieu du XVIIIe siècle[23]. Après une courte biographie, l’oratrice met en lumière quelques points marquants de l’œuvre de l’artiste qui fait actuellement l’objet de recherches importantes en vue de la production d’un catalogue raisonné. Vanrisamburgh est, de son vivant, réputé pour l’utilisation sensible des matériaux. Notamment des plaques de laques japonaises qu’il intègre, sans les contraindre, à ses œuvres. Enfin, l’intervention se concentre sur les origines du style de marqueterie florale dite « en bois de bout » que Bernard II Vanrisamburgh lance dès 1740. Ces motifs simples qui le caractérisent n’ont pas été créés à des fins d’économie car ils demeurent d’une grande difficulté technique. Ils seraient alors un équilibre entre le contraste et la symétrie au sens que lui donne Jacques-François Blondel[24]. Du fait de cette conscience ornementale, ces meubles de Vanrisamburgh seraient alors, selon Grace Chuang, conçus pour souligner les ornements architecturaux de style rocaille. Ils agiraient ainsi comme un objet de médiation entre l’environnement architectural et les objets des intérieurs.

Pierre Germain, Planche III : Aiguière plate à côtes, dans 60 planches d’orfèvrerie de la collection de Paul Eudel…, Paris, Quantin, 1884

Pierre Germain, Planche III : Aiguière plate à côtes, dans 60 planches d’orfèvrerie de la collection de Paul Eudel…, Paris, Quantin, 1884

Hélène Cavalié a d’abord attiré l’attention sur le fait que peu d’orfèvres ont droit à une biographie, exception faite de ceux qui furent orfèvres du roi. C’est le cas notamment de Thomas Germain, maître de l’orfèvre étudié ici, mais sans lien de parenté avec ce dernier. A travers sa présentation, Hélène Cavalié s’est attachée à mettre en lumière les liens que Pierre Germain dit le Romain entretenait avec les artisans de l’époque, notamment Jacques Roëttiers, futur orfèvre du roi. Le Romain sera connu principalement pour son recueil publié en 1748[25]. Celui-ci sera utilisé par les professionnels jusqu’à la fin du XIXe siècle. Ayant quitté ses maîtres tardivement, Germain Le Romain entend, grâce à son ouvrage, non seulement former la jeunesse mais aussi prouver sa valeur propre. Hélène Cavalié commente l’importance du rayonnement de la publication, avant de conclure sur une analyse de la production de Pierre Germain à partir des documents d’archives et des statistiques qui ont été établies à partir de ceux-ci.

Claude-Nicolas Ledoux, Œil reflétant l’intérieur du théâtre de Besançon, 1804, gravure, Paris, Bibliothèque nationale de France

Claude-Nicolas Ledoux, Œil reflétant l’intérieur du théâtre de Besançon, 1804, gravure, Paris, Bibliothèque nationale de France

Daniel Rabreau (professeur émérite à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) a évoqué Claude-Nicolas Ledoux (1736 – 1806) pour rappeler à quel point son œuvre – foisonnante, mais aujourd’hui majoritairement détruite – a marqué l’évolution de l’architecture en France et en Europe. Il a aussi souligné l’attachement de cet urbaniste utopiste aux valeurs monarchiques. En effet, Ledoux se veut le serviteur de l’Etat et de sa patrie. En témoigne le premier volume de son Architecture considérée sous le rapport de l’art, des mœurs et de la législation, publié en 1804 et illustré de projets grandioses. Ce volume n’est pas un traité, mais plutôt un livre de poésie d’architecture : difficile d’accès, il recourt souvent à la métaphore, comprend des références à l’Antique, au culte des grands hommes, à la franc-maçonnerie et milite pour une architecture, art du dessin, au service de la société. Le message de Ledoux se perd après 1806 et ne commence à être redécouvert qu’à partir des années 1930 grâce à Emil Kaufmann[26]. L’Œil de Besançon résume la philosophie sensualiste de Ledoux qui accorde une place prééminente au regard dans la conception visionnaire de son architecture.

Jean-Jacques Huvé, Vue d’une des grottes du jardin de Mme Elisabeth à Montreuil près de Versailles, 1786, dessin, 22,5 x 37,1 cm, Paris, Bibliothèque nationale de Paris

Jean-Jacques Huvé, Vue d’une des grottes du jardin de Mme Elisabeth à Montreuil près de Versailles, 1786, dessin, 22,5 x 37,1 cm, Paris, Bibliothèque nationale de Paris

Sébastien Chauffour a présenté Jean-Jacques Huvé, architecte de la génération de Claude-Nicolas Ledoux, dont la carrière s’épanouit sous le règne de Louis XVI. On connaît aujourd’hui une quarantaine de travaux de l’artiste, dont certains restent à attribuer. Sa postérité passe surtout par le fait que deux de ses œuvres ont été gravées dans l’ouvrage de Jean-Charles Krafft[27]. Sébastien Chauffour a travaillé à partir des archives conservées à l’INHA, mais aussi par les descendants de l’architecte, particulièrement impliqués dans le rayonnement de l’œuvre de leur aïeul[28]. Cette présentation a mis en lumière la vie et l’œuvre de l’architecte et notamment le projet d’agrandissement du château de Versailles en 1780, la réalisation du château de Montreuil pour Elisabeth, sœur du roi ainsi que quelques constructions privées comme un hôtel rue de Varenne à Paris.  Sont soulignés aussi les liens qu’Huvé entretenait avec d’autres artistes de l’époque, parmi lesquels on peut citer sa collaboration avec Samson-Nicolas Lenoir à Citeaux et avec Jacques-Denis Antoine à la Monnaie de Paris.

Alexis Donnet, Architectonographie des théâtres de Paris, ou Parallèle historique et critique de ces édifices considérés sous le rapport de l'architecture et de la décoration, Paris : P. Didot l'aîné, 1821, planche VII « théâtre Faydeau ».

Alexis Donnet, Architectonographie des théâtres de Paris, ou Parallèle historique et critique de ces édifices considérés sous le rapport de l’architecture et de la décoration, Paris : P. Didot l’aîné, 1821, planche VII « théâtre Faydeau ».

Manon Vidal (archiviste-paléographe) a évoqué le cas de l’architecte Jacques-Guillaume Legrand (1753 – 1807), dont elle a fait le sujet d’une thèse soutenue en 2014 à l’École nationale des Chartes[29]. Élève des Ponts et Chaussées, de Blondel et de Clérisseau (dont il deviendra le gendre), Legrand forme un célèbre binôme avec l’architecte Jacques Molinos (1750 – 1831). Les deux hommes sont à l’origine de la réhabilitation du quartier des Halles à Paris au cours de la décennie 1780 et de différentes constructions dont la plupart sont détruites, à l’exemple du théâtre de la rue Feydeau (1791). Lorsque la Révolution vient briser sa carrière, Legrand entreprend de diffuser ses idées par le biais d’une Histoire générale de l’Architecture[30] et par l’installation, dans sa propre demeure, d’un « musée de l’ordre dorique » dont on sait encore peu de choses. À travers la demande pionnière – dès 1794 – d’un musée de l’architecture, Legrand confirme sa volonté de faire évoluer l’architecture contemporaine à partir d’exemples du passé. Homme de réflexion plus que de terrain, suiveur plus qu’inventeur, historien plus que théoricien, Legrand se présente comme le défenseur d’une architecture qui a déjà fait ses preuves. Ce faisant, il offre un profil de l’architecte aux antipodes de celui de Ledoux. Au travers des communications qui ont été faites, le symposium d’histoire de l’art de la Marie du XIe arrondissement a permis de constater que la recherche en histoire de l’art est très active et que les sujets restant à approfondir sont aussi nombreux que passionnants pour tous ceux qui souhaitent promouvoir les peintres, sculpteurs, architectes et maîtres artisans du XVIIIe siècle.

Recension du symposium réalisée par F. Fesneau, M. Metraux, M. Tauziède-Espariat, et H. Volle. ___________________________________________________________________________________________________

[1] Sur ce sujet voir CASTOR Markus A., « Kunst, Geschichte und Aufklärung. Des Grafen Caylus. Beitrag zur Begründung der Kunstgeschichte », Neue Zürcher Zeitung, 31 août-1er septembre 1996, p. 53.
[2] La marquise de Caylus est la nièce de Madame de Maintenon.

[3] Claude Gillot (1673-1722), comédies, sabbats et autres sujets bizarres, Langres, musée d’art et d’histoire de Langres, 2 juillet 1999 – 27 septembre 1999. Commissariat : CHONE Paulette, QUETTIER Philippe, MOUREAU François, VARNIER Eric et VIARD Georges, Paris, Somogy, 1999, 191 p.
[4] Thierry LEFRANCOIS, Charles Coypel (1694-1752), Paris, Arthena, 1994, 518 p.
[5] Fabrice DENIS, Le Comte De Caylus et l’antiquité, thèse de doctorat dirigée par SCHNAPPER Antoine, Université Paris IV-Sorbonne, 1994, 2 volumes.
[6] Charles-Nicolas COCHIN, Anecdotes sur le comte de Caylus, Bouchardon et le Slodtz, Paris, 1790.
[7] Xavier DUFESTEL, « Deux portraits inédits du comte de Caylus (1692-1765) : le tableau d’Alexandre Roslin et le médaillon en bronze de Louis-Claude Vassé », Storia dell’Arte, n° 4/5, 2003, p. 101-120.
[8] Pierre-Jean MARIETTE, Abécédario, tome 2, Paris, p. 55-58.
[9] Antoine-Nicolas DEZALLIER D’ARGENVILLE, Vie des Fameux Sculpteurs, depuis la Renaissance des Arts avec description de leurs ouvrages, Paris, Debure l’aîné, 1787, p. 352.
[10] Id., p. 364.
[11] Lettre écrite par Lemoyne en réponse à la demande de renseignements formulée par l’abbé Le Lorrain, fils du sculpteur dans Mémoires inédits sur la vie et les ouvrages des membres de l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris, 1854, t. II, p. 228.
[12] Voir, entre autres, de cet auteur, « L’Enée et Anchise de Carle Van Loo : un manifeste méthodique de l’esprit dynastique », dans ROLLAND, Christine (dir.), Autour des Van Loo …, Publications des universités de Rouen et du Havre, 2012, p. 109 – 131.
[13] Il est l’un des premiers gouverneurs de l’Ecole royale des élèves protégés (1749), recteur (1754) puis directeur de l’Académie (1763). Chevalier de l’ordre de Saint-Michel, il devient premier peintre du Roi en 1762, titre qui n’avait plus été donné depuis dix ans.
[14] Ils inventent l’expression « vanlotter » signifiant alors « faire exécrable » et qui stigmatise « le fracas de composition et le tapage étourdissant de couleur qui éclate sur les toiles des Vanloo … ». Voir La Revue des deux mondes, Bruxelles, 1838, t. II, « Salon de 1838 », p. 869, ainsi que les écrits d’Etienne-Jean Delécluze.
[15] Pour Réau, si l’œuvre de Carle Van Loo n’avait pas existé, « L’Ecole française n’en serait pas sensiblement appauvrie ». Voir à ce propos : REAU, Louis, « Carle Vanloo (1705 – 1765) », dans Archives de l’art français, nouvelle période, 1938, t. XIX, p. 76.
[16] Correspondance littéraire, philosophique et critique de Grimm et de Diderot depuis 1753 jusqu’en 1790, Paris, Furne, t. I, « 15 septembre 1753 », p. 55 : « M. Carle Vanloo, qu’on peut regarder comme le premier peintre de l’Europe, surtout par la beauté de son coloris, a réuni tous les suffrages en faveurs de plusieurs grands tableaux qu’il a exposés au salon. ».
[17] Carle Vanloo, premier peintre du roi, Nice (1705) – Paris (1765), catalogue d’exposition du musée du Chéret à Nice, 21 janvier – 13 mars 1977, du musée Bargoin à Clermont-Ferrand, 1 er avril – 30 mai 1977 et du musée des beaux-arts de Nancy, 18 juin – 15 août 1977, Pierre Rosenberg (pref.) et Marie-Catherine SAHUT (dir.), Nice, Musée Chéret, 1977.
[18] Christophe HENRY, « Le portrait de Mademoiselle Clairon en Médée par Carle Vanloo (1759) » dans HENRY, Christophe, RABREAU, Daniel (dir.), Le Public et la politique des arts au siècle des Lumières, Paris-Bordeaux, William Blake & Co (Annales du Centre Ledoux, 8), 2011, p. 21 – 28.
[19] Frédéric JIMÉNO, « Les Sacrements de Jean Bardin (1780-1790). Le grand genre face à la critique du Salon », Actes du colloque international d’histoire de l’art, Paris, INHA, 17-19 décembre 2009, Christophe Henry, Daniel Rabreau (dir.), Le public et la politique des arts au Siècle des Lumières, Annales du Centre Ledoux, t. VIII, 2011, p. 397-411.
[20] Christian MICHEL, « Les premières années de l’Académie royale de Peinture et de Sculpture : une histoire toujours méconnue », dans Bulletin de la Société de l’Histoire de l’Art français, 2011 (2010), p. 27-29, Annexe II « Agréés non reçus ».
[21] Les archives de Bardin et de l’École de dessin d’Orléans ont brûlé en 1944.
[22] Agnès PHILOUZE-LAHALLE, Les écoles de dessin au XVIIIe siècle: entre arts libéraux et arts mécaniques, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2006, p. 100-103.
[23] Il est notamment l’auteur du meuble au premier plan du portrait de Madame de Pompadour peint par François Boucher en 1756.
[24] Jacques-François BLONDEL, Cours d’architecture, Paris, Chez Desaint, 1771, p. 408.
[25] Pierre GERMAIN, Éléments d’orfèvrerie, contenant 100 planches de modèles d’orfèvrerie religieuse et civile, orné de gravures au burin par Jean-Jacques Pasquier et de Jean-Charles Baquoy, Paris, Chez l’Auteur, 1748.
[26] Emil KAUFMANN, Von Ledoux bis Le Corbusier, Leipzig-Wien, 1933, et ; Three revolutionary Architects: Boullée, Ledoux, Lequeu, Philadelphia, American Philosophical Society, 1752.
[27] Jean-Charles KRAFFT, Plans, coupes et élévations des plus belles maisons et des hôtels construits à Paris et dans les environs, Paris, Clousier, 1800.
[28] Jean-Claude HUVE, Un architecte des lumières : Jean-Jacques Huvé (1742-1808) sa vie, sa famille, ses idées, Paris, L’Harmattan, 1994.
[29] Jacques-Guillaume Legrand (1753-1807). Pratique, théorie et histoire de l’architecture à la fin du XVIIIe siècle. Thèse consultable aux Archives Nationales.
[30] Ce travail, qui devait représenter une trentaine de volumes, est resté incomplet et manuscrit (à l’exception de l’introduction, publiée en 1809).