Jacques-Louis David, Portrait de Thirius de Pautrizel, juin ou juillet 1795, plume, encre grise, lavis gris et brun clair, graphite, rehauts de gouache blanche, diamètre : 19,2 cm, Washington D.C., National Gallery of Art.
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 12 décembre 2019 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian. Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
L’intervention soumettra à la discussion des réflexions en vue d’un essai commandé pour le catalogue de l’exposition des dessins de Jacques-Louis David qui sera présentée au Metropolitan Museum of Art de New York en 2021 et dont le commissariat est assuré par Perrin Stein, conservateur au département des dessins et des estampes.
La pratique du dessin par Jacques-Louis David traduit d’abord des prédilections personnelles et la logique interne de sa carrière et de ses ambitions artistiques. Bien qu’un tel « self-fashioning » s’applique généralement quand l’histoire de l’art se confronte à des artistes majeurs, dans ce cas le processus devient moins facile à cerner en raison de l’instabilité déroutante du contexte social et politique de la Révolution à la Restauration et de l’effondrement des protections et institutions qui sous l’Ancien Régime structuraient la pratique artistique. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : “Jacques-Louis David dessinateur : une approche comparative de sa pratique” par Philippe Bordes (12 décembre, Paris)
Pierre Rosenberg et Louis-Antoine Prat (dir.), De David à Delacroix. Du tableau au dessin, Onzièmes rencontres internationales du Salon du Dessin, actes du colloque (30-31 mars 2016), Paris : Société du Salon du dessin / Dijon : L’Echelle de Jacob, 2016.
Relié, 263 pages. Prix : 35 euros, ISBN : 9782953325799.
Sous l’impulsion de Bertrand Gautier, les rencontres internationales du Salon du dessin 2016, dirigées par Pierre Rosenberg et Louis-Antoine Prat, ont prolongé les réflexions initiées il y a plus de quarante ans lors de l’exposition De David à Delacroix : la peinture française de 1774 à 1830. À cette occasion, treize contributions ont élargi les recherches à la question du dessin. Le premier volet de ces rencontres consacrées au dessin entre les règnes de Louis XVI et de Charles X est désormais publié (table des contributions ci-jointe).
GERARD POWELL Véronique (dir.), Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper, Paris, Presses de l’université Paris-Sorbonne, collection « Art’hist », 2016, 486 p.
Présentation de l’éditeur :
Professeur d’histoire de l’art moderne à Paris-Sorbonne de 1978 à 1998, Antoine Schnapper (1933-2004) eut une influence déterminante sur l’évolution de l’histoire de l’art en France. Attaché aux principes d’une recherche rigoureuse, riche d’une superbe culture visuelle et d’une sensibilité poétique envers l’œuvre d’art, il a contribué à ouvrir la discipline vers de nouveaux champs, comme le collectionisme, l’étude des conditions de vie de l’artiste tout en publiant quelques grandes monographies.
Les articles de ses collègues et disciples, universitaires, chercheurs ou conservateurs de musée, rassemblés dans cet ouvrage analysent et prolongent son œuvre scientifique en en exploitant toute la diversité. Faisant passer le lecteur du XVIe au XIXe siècle, de la collection princière à l’image accrochée dans un modeste logement parisien, des cardinaux Mazarin et Bichi à Vivant Denon et Jean-Baptiste Lebrun, de Jean Jouvenet et Antoine Coypel à Fragonard et David, ce livre rend hommage à l’extraordinaire curiosité d’esprit du grand savant trop tôt disparu.
Table des matières :
L’histoire de l’art selon Antoine Schnapper.
– Pierre-MichelMenger, Le métier de peintre au XVIIe siècle selon Antoine Schnapper.
Jean-Jacques de Boissieu, Autoportrait, 1796, eau-forte, pointe sèche, burin et roulette, 26,8 x 23,6 cm, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte der Universität Trier.
La Villa Vauban, musée d’art de la Ville de Luxembourg, présente actuellement (et jusqu’au 10 avril 2016) une exposition[1] sur le dessinateur et graveur français Jean-Jacques de Boissieu (1736 – 1810) que l’on peut redécouvrir au travers d’une centaine d’estampes. Cette exposition qui permet de découvrir une partie des richesses des fonds de l’Université de Trêves en matière de dessins et gravures sera ensuite présentée au Georgium de Dessau (Saxe-Anhalt).
Jean-Jacques de Boissieu, Tête de vieillard, de profil vers la gauche, dessin, 23,5 x 18,5 cm, Paris, musée du Louvre.
Aujourd’hui largement méconnu, Jean-Jacques de Boissieu bénéficia, de son vivant, de l’estime des collectionneurs et du public européens grâce à ses grandes qualités d’aquafortiste ainsi qu’à sa parfaite maîtrise du chiaroscuro qui lui valut d’être comparé à Rembrandt. Peintre sur soie lyonnais, Boissieu vient parfaire son éducation artistique à Paris de 1761 à 1764. Il y rencontre le graveur Jean-Georges Wille (1715 – 1808), l’architecte Jacques-Germain Soufflot (1713 – 1780), ainsi que les peintres Claude Joseph Vernet (1714 – 1789), Jean-Baptiste Greuze (1725 – 1805) et Claude-Henri Watelet (1718 – 1786). Ente 1765 et 1766 il effectue son Grand Tour en compagnie du duc de la Rochefoucauld, puis rentre à Lyon où il est reçu à l’Académie des sciences, belles-lettres et arts en 1780. Exerçant, par ailleurs, diverses fonctions administratives, il ne sera pas inquiété durant la Révolution (ses plaques de cuivre seront même protégées par décret) grâce à l’amitié de Jacques-Louis David et il finira sa carrière en tant que maire de Lentilly.
jean-Jacques de Boissieu, Le grand pont de pierre, 1799, eau-forte, pointe sèche et roulette, 31,1 x 41,9 cm, Trêves, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte des Universität Trier.
L’exposition insiste plus particulièrement sur ses paysages et ses études attentives de l’homme. Comme ses contemporains, Boissieu bénéficie d’une connaissance approfondie des peintures de paysages de l’Age d’or de la peinture hollandaise grâce aux relations qu’il entretient avec de nombreux collectionneurs. Il revisite les œuvres d’artistes comme Nicolaes Berchem, Karel Dujardins ou Jacob van Ruisdael tout en les faisant siennes : il ajoute ou retranche certains groupes de personnages et, surtout, se distingue par son traitement particulier de l’ombre et de la lumière. Les paysages réalisés par Boissieu dans les alentours de sa ville natale de Lyon semblent faits pour les rêveries du promeneur solitaire qu’est, à la même époque, Jean-Jacques Rousseau, donnant à voir le caractère sublime et éphémère d’une nature où paysans et bergers se reposent ou vaquent paisiblement à leurs activités quotidiennes.
Jean-Jacques de Boissieu, Les grands Tonneliers, 1790, eau-forte, pointe sèche et roulette, 26,0 x 39,7 cm, Trêves, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte des Universität Trier.
Au travers de ses différentes études de têtes, portraits ou scènes de genre, Boissieu livre de la figure humaine une vision attentive et sans concession de par son trait acéré et parfois un peu sec.
Jean-Jacques de Boissieu, Les Bulles de savon, 1799, eau-forte, pointe sèche et roulette, 26,7 x 37,5 cm,Trêves, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte des Universität Trier.
Les eaux-fortes de Boissieu – en particulier celles avec des effets de clair-obscur dans le style de Rembrandt – sont très recherchées des amateurs et collectionneurs éclairés, dont Ignace-Joseph de Claussin (1795 – 1844). Leurs qualités intrinsèques en font de bons objets d’étude de l’art de l’eau-forte, voire des modèles à part entière : à ce titre Boissieu est particulièrement apprécié du peintre Adolph von Menzel (1815 – 1905).
Jean-Jacques de Boissieu, Feuille d’étude. Quatre têtes, 1770, eau-forte, 23,5 x 18,8 cm, Trêves, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte des Universität Trier.
En 1810, dans l’Hommage rendu à la mémoire de Jean-Jacques Boissieu, le Conseil du Conservatoire des Arts de Lyon note : « Il choisissait pour objet de ses imitations, non ces sites effrayans, ces convulsions de la nature, où les éléments semblent se combattre, mais des rivages fleuris, l’ombrage des bois, les travaux champêtres, la gaieté villageoise, les jeux innocens du coin du feu : Son imagination, pleine de sensibilité, lui représentait ces scènes paisibles sous les couleurs les plus aimables.[2] ».
Jean-Jacques de Boissieu, Portrait du centenaire de Lyon, 1780, eau forte et pointe sèche, 26,4 x 33,3 cm, Trêves, Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte des Universität Trier.
Florence Fesneau
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[1] L’exposition a été conçue en collaboration avec la Graphische Sammlung des Fachs Kunstgeschichte der Universität Trier et placée sous le patronage de l’Institut français du Luxembourg. La direction générale est assurée par Danièle Wagner et le commissariat d’exposition et scénographie par Stephan Brakensiek, Gabriele D. Grawe, Angelika Glesius. Un catalogue, en langue allemande, a été publié : Jean-Jacques de Boissieu (1736 – 1810) Le Rembrandt français, Hrsg von Stephan Brakensiek und Danièle Wagener. Mit Beiträgen von Stephan Brakensiek, Natacha Erpelding, Sarah Haxhiu, Raymond Keller, Claudia Stafanie Klein, Claas Dennis Mark, Manuela Rausch, Selina Wernstedt, Luxembourg 2015.
[2]Hommage rendu à la mémoire de Mr. Jean-Jacques Boissieu Par le Conseil du Conservatoire des Arts de Lyon Dans la Séance du 9 Mars 1810, Lyon, Cutty, 1810, p. 22.
Au musée des Arts Décoratifs, l’exposition « Déboutonner la mode[1] », permet d’aborder le XVIIIe siècle sous un angle inhabituel ; celui du bouton. Si l’apparition de cet objet date du XIIIe siècle, son utilisation vestimentaire semble atteindre un âge d’or à la fin du siècle des Lumières.
Giovanni Battista Lampi, Giovanni Battista Rensi, marchand de tissus, 1780, huile sur toile, 82 x 67 cm, collection particulière.
L’Encyclopédie indique que « les Boutonniers font un corps considérable à les regarder par leur nombre[2] » et leur consacre pas moins de six planches. Sont distingués les boutonniers faiseurs de moules en bois, les boutonniers faiseurs de boutons en métal et les boutonniers-passementiers qui se chargent de recouvrir les formes de fil, de lame métallique ou de cannetille[3]. A ces trois métiers distincts, il faut encore ajouter celui des pâtenotriers qui travaillent l’émail et le verre ou encore le bois et la corne, et celui des orfèvres, seuls intitulés à employer des matériaux précieux.
Jacques-Louis David, Charles-Pierre Pécoul, 1784, huile sur toile, 73 x 92 cm, Paris, musée du Louvre.
La multiplicité des matériaux employés peut s’observer aisément dans les portraits de l’époque : le marchand de tissu Giovanni Battista Rensi porte des boutons dorés façonnés, le beau-père de David arbore des boutons en passementerie « dit à garde d’épée, à quatre croix, moitié lame cannelée, & moitié cordonnet de trait[4] », tandis que le comte Christophe Urbanowski choisit d’égayer sa veste de velours noir avec des boutons couverts de strass, lequel fait son apparition en 1746[5]. Autre technique, perfectionnée par Jean-Baptiste Glomy (mort en 1786), celle de l’églomisé qui permet d’obtenir une brillance particulière sur les encadrements de miroir, mais aussi sur les boutons.
Anton Graff, Le Comte Christoph Urbanowski, 1791, huile sur toile, 112,5 x 91,5 cm, Paris, musée du Louvre.
Au XVIIIe siècle, comme le montrent les portraits, le bouton est essentiellement l’apanage de l’habit masculin composé d’une veste, d’un gilet et d’une culotte. La parure pour habit compte dix-huit boutons répartis suivant une disposition très codifiée. Si le devant du vêtement en comporte dix, seuls deux ou trois boutons sont, en général, fonctionnels et répondent à des boutonnières ouvertes qui, ailleurs, sont fermées ou absentes.
Eléments de distinction sociale, les boutons évoquent – en miniature – un grand nombre des préoccupations de l’homme des Lumières en devenant de petits tableaux sous verre grâce à la mise au point d’une technique de gravure des couleurs vers 1775. Les boutons peuvent être « anticolâtres » quand ils traitent des grands hommes de l’Antiquité, touristiques quand ils représentent les monuments de Paris, révolutionnaires quand ils donnent à voir les principaux événements ayant marqué l’année 1789, voire dangereusement séditieux quand il s’agit d’afficher les portraits de la famille royale et du Dauphin.
Bouton avec montgolfière, vers 1783.
Ils se font aussi l’écho des expériences aérostatiques quand ils se parent, à partir de 1783, de montgolfières. Dits « à la Buffon » et utilisant des matériaux végétaux, minéraux ou animaux incrustés dans de la cire, ils expriment la curiosité pour les sciences de la nature et prennent leurs modèles dans l’Histoire naturelle[6]. Libertins, ils traduisent le goût pour les jeux d’esprit et les rébus contenant des messages galants ou licencieux, tels que « GCD A SON AMOUR » ou « GKC SON [dessin de sabot] ».
Dans ses Tableaux de la bonne compagnie[7], Restif de la Bretonne se moque de Dupont « ce petit fat, le fils de ce riche usurier » dont les « énormes boutons[8] » composent les lettres de son nom, puis décrit l’entrée au café d’un petit-maître : sa « ravissante toilette suspendit les bavardages des nouvellistes. On en eut pour long-tems à considérer la variété des objets qu’offroit la garniture des boutons de son habit. Chaque bouton offroit, sous un cristal entouré de perles, un Teniers, un Van Huysum ou un Rosalba. C’était une collection complète de tableaux de toutes les écoles.[9] ».
A. B. Duhamel d’après Claude-Louis Desrais, Pl. 2 : Femme vêtue d’une redingote de gourgouran changeant, à deux colets, 1787, gravure, dans Magasin des Modes Nouvelles Française et Anglaises, décrites d’une manière claire & précise, & représentées par des Planches en Taille-douce, enluminées, Paris, Buisson, Seconde Année, N° 14, 30 Mars 1787.
A la fin du XVIIIe siècle, ce « sensationnalisme de la parure[10] » subit, en France, une double évolution liée à l’anglomanie. Prenant pour modèle la tenue du gentleman en riding coat, l’élite masculine française abandonne progressivement le bouton luxueux du courtisan pour le bouton discret du bourgeois. Parallèlement, le bouton conquiert la garde-robe féminine[11] grâce à la mode des robes dite redingote ; pour Véronique Belloir, il prendra définitivement position sur la silhouette féminine vers 1850.
[1] L’exposition a lieu du 10 février au 19 juillet 2015, 107 rue de Rivoli, 75001 Paris. Elle donne l’occasion de voir une collection unique au monde de plus de 3 000 boutons réunis par Loïc ALLIO sur trois siècles, du XVIIIe siècle jusqu’au XXe siècle. Le catalogue de l’exposition publié sous la direction de Véronique BELLOIR a servi de base à ce billet, et plus particulièrement les articles rédigés par Farid CHENOUNE et Sophie MOTSCH. [2]Encyclopédie, ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, Paris, Briasson, 1751 – 1765, Art. « Boutonnier ». [3] L’Encyclopédie précise que la cannetille est « un morceau de fil d’or ou d’argent trait, fin, ou faux, plus ou moins gros, qu’on a roulé sur une longue aiguille de fer par le moyen d’un roüet. On employe la cannetille dans les broderies, les crêpines, & autres ouvrages semblables. ». [4]Encyclopédie, Art. « Boutonnier », Pl. VI, fig. 5. [5] Le strass est un cristal contenant plus de 50% d’oxyde de plomb ce qui lui donne un indice de réfraction élevé. Il a été inventé par le strasbourgeois Georges Frédéric Strass (1701 – 1773), joaillier de Louis XV. [6] Georges-Louis LECLERC DE BUFFON, Histoire naturelle, générale et particulière avec la description du cabinet du roi, Paris, Imprimerie Royale, 1749 – 1789, 36 vol. [7] Nicolas Edme RESTIF DE LA BRETONNE, Tableaux de la bonne compagnie ou Traits caractéristiques, anecdotes secrettes, politiques, morales & littéraires, recueillies dans les sociétés du bon ton, pendant les années 1786 et 1787, Paris, 1787, 2 vol. [8]Id. t. I, « La soirée des Tuileries », p. 65. [9]Id. t. I, « Le Caffé du Caveau », p. 144. [10] Dans le catalogue de l’exposition, Farid CHENOUNE rappelle, p. 32, que : « Ce sensationnalisme de la parure était aussi, pour suivre Elias, une « autodécoration », au double sens du mot « décoration » : à la fois un insigne qui honore et un ornement qui magnifie. ». [11] Dans le catalogue, Véronique BELLOIR note, p. 57, qu’à la fin du XVIe siècle « l’apparition du corps à baleine rend son usage [du bouton] inapproprié à la contrainte alors imposée au corps et au vêtement féminin. Pendant tout le XVIIIe siècle, les femmes n’ont pour ainsi dire plus recours aux boutons. ».