Archives par étiquette : italie

Appel à communication : Session at RSA

Caspar Netscher, La Dentellière, 1662, huile sur toile, 33 x 27 cm, Londres, Wallace Collection.

Type : Appel à communication

Date limite de l’appel : 22 mai 2017

Date de l’événement : 22 – 24 mars 2018

Lieu : Nouvelle Orléans

Northerners in Italy: Negotiating Style, Art Markets, and Comunità Historians of Netherlandish Art (HNA) Sponsored Session

The lure of Italy enticed hundreds of northern European artists to cross the Alps during the early modern period in search of artistic inspiration and fame in centers such as Venice, Rome, and Florence. How these artists negotiated their new surroundings, however, depended upon economic and social factors specific to each particular center. Recent studies focused upon artistic migration, emerging art academies, and expanding art markets in Italy have highlighted how complex and mercurial this process could be. However, a broader study that identifies consistent patterns concerning artistic mobility is still needed. This session seeks to address this lacuna, probing further the process of acclimation for northern European artists in Italy and the effect of travel on artistic practice and theory. Continuer la lecture

Colloque : « Mazarin, Rome & l’Italie ».

Pierre Mignard, Portrait du cardinal Mazarin, 1661, huile sur toile, 65 x 55 cm, Chantilly, musée Condé.

Pierre Mignard, Portrait du cardinal Mazarin, 1661, huile sur toile, 65 x 55 cm, Chantilly, musée Condé.

Type : colloque.
Date et horaire : du 11 au 13 mai 2017.
Lieu : Bibliothèque Mazarine et Ecole des chartes, Paris.

Ce colloque, qui prend la suite du colloque Mazarin, les lettres et les arts (Institut de France, décembre 2002, actes publiés en 2006), portera sur les liens de Mazarin avec Rome et l’Italie, pendant sa période romaine, jusqu’en 1643, puis pendant son ministériat en France. Dans une double perspective, celle de l’histoire et celle de l’histoire des arts, on y étudiera ses réseaux (diplomatiques, politiques, religieux, familiaux, de renseignement, les uns et les autres étant souvent mêlés), son collectionnisme, son mécénat, sa propagande.

Programme :

Jeudi 11 mai 2017 – Bibliothèque Mazarine

HISTOIRE DES ARTS. Président de séance : Yann SORDET (Directeur de la Bibliothèque Mazarine)

14h-Accueil
14h15-14h55 : Patrick MICHEL (Professeur, Université de Lille 3-Charles de Gaulle), « La succession de Mazarin à Rome et en France ».
14h55-15h35 : Yvan LOSKOUTOFF (Professeur, Université du Havre, Académie des Jeux floraux), « Anne et Jules, ou la symbolique partagée : un portrait de la reine par Jean Valdor et ses sources chez les Barberini ».
15h35-16h15 ; Delphine CARRANGEOT (Maître de conférences, Université de Versailles-Saint-Quentin), « Mazarin et la collection dispersée des Gonzague de Mantoue : enjeux politiques et diplomatiques d’une affaire artistique internationale ».
Pause
16h30-17h10 : Sonia CAVICCHIOLI (Professeur, Université de Bologne), « Une ‘mazarinette’ entre la France et l’Italie. Laura Martinozzi d’Este et son mécénat ».
17h10-17h50 : Simone SIROCCHI (Docteur, Université de Bologne), « Mazarin et la fabrique du portrait à la cour de Francesco Ier d’Este (1610-1658) ».
17h50-18h30 : Fabrizio FEDERICI (Docteur, boursier de la Biblioteca Hertziana), « Un partisan de la France en quête de protection : ce ‘bon vieux’ chevalier Francesco Gualdi et le cardinal Mazarin ».

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Appel à communication: Travelling Objects. Ambassadors of the cultural transfer between Italy and the Habsburg monarchy

Type : Appel à communication.
Date limite appel à candidature: 15 janvier 2017.
Date de la manifestation : 19-20 mai 2017.
Lieu : Rome, Italie.

The international conference travelling objects will focus on the material aspects of cultural transfers: the exchange of paintings, designs/drawings, sculptures or books. Our specific interest is in the movement of these inherently ambassadorial objects between Italy and the Habsburg Monarchy during the 17th and 18th centuries, and their reception and role in the transmission of information and ideas between the North and the South. Special attention will be given to the agents of the exchange, who promoted, organized or mediated the exchange. Continuer la lecture

Publication : « GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance ».

GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance, introduction, traduction et notes de FIORATO Adelin Charles, préface, édition critique et notes de SOLINAS Francesco, Paris, Les Belles Lettres, 2016, 364 p.

GENTILESCHI Artemisia, Carteggio /Correspondance, introduction, traduction et notes de FIORATO Adelin Charles, préface, édition critique et notes de SOLINAS Francesco, Paris, Les Belles Lettres, 2016, 364 p.

Présentation de l’éditeur :

« J’assure Votre Seigneurie Illustrissime que ce sont là des tableaux qui comportent des figures nues et des femmes, qui coûtent très cher et vous causent de grands casse-tête. Quant à vouloir faire des esquisses et à les envoyer, j’ai fait résolument le vœu de n’envoyer jamais plus d’esquisses de ma main, car j’ai été victime de fort méchants tours ; et en particulier, aujourd’hui même, je me suis trouvée avoir fait une esquisse sur des âmes du Purgatoire pour l’évêque de Sant’Agata, et cette esquisse, pour dépenser moins, on l’a fait exécuter par un autre peintre, lequel peintre travaille à partir des fruits de mon labeur. Si j’avais été un homme, je ne sais comment cela se serait passé. »

Lettre à Antonio Ruffo, 1649

Artemisia Gentileschi a laissé quelques lettres, publiées sporadiquement en Italie, et rassemblées pour la plupart dans un recueil édité par Francesco Solinas, chez l’éditeur De Luca, en 2011. Mais comme le cas socio-professionnel d’Artemisia est particulièrement digne d’attention, sont également publiées dans cet ouvrage une quinzaine de missives écrites et envoyées par des membres de son entourage : son père le peintre Orazio, son mari Paolo Antonio Stiattesi, le plus illustre de ses amants Francesco Maria Maringhi, et d’autres agents s’intéressant à la production picturale d’Artemisia.

Cette correspondance est lacunaire : n’ont survécu que des séries de missives, découvertes au fil du temps dans des archives et des éditions « princeps » partielles. Elles couvrent quatre périodes : 1611-1612, pour les documents concernant le viol ; 1615-1620, pour les lettres adressées à son amant Francesco Maria Maringhi ; 1630-1639, pour la correspondance avec les ducs de Modène et de Toscane, Galilée et d’autres commanditaires ; enfin, une série de douze lettres à Don Antonio Ruffo, écrites entre 1649 et 1651. Continuer la lecture

Appel à communication : « More than meets the page : Printing Text and Images in Italy, 1570s-1700s ».

Abraham Bosse, L’atelier du graveur au burin et à l’eau-forte, 1643
. © The Trustees of the British Museum.

Abraham Bosse, L’atelier du graveur au burin et à l’eau-forte, 1643
. © The Trustees of the British Museum.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 4 mars 2017.
Lieu : Warwick, university of Warwick.
Date limite : 31 août 2016.

For Italy, the ‘long seventeenth century’ was a period of considerable financial challenges. This was especially evident on the book market. Nevertheless, thanks to new techniques and formats which mutually related text and images within the same publication, innovative genres were born that were marketed towards both ends of the audience spectrum, from the learned to the illiterate.

‘More than meets the page: Printing Text and Images in Italy, 1570s-1700s’ aims to investigate the ways in which the consolidation of the book and print trade influenced the development of such new book genres from the late sixteenth to the early eighteenth century. The products emerging in the wake of these processes reached consumers throughout distant countries, between Italy and the rest of Europe. Moreover, various professionals and skilled workers earned their living thanks to the print market, from the production to the distribution of printed items. For instance, workshops of woodcutters specialized exclusively in book illustrations, such as for scientific treatises, and publishers regularly sent participants to fairs throughout Europe. The new commercial items, moreover, contributed to the spread of cultural phenomena, for instance the Grand Tour through its souvenir prints that were sometimes incorporated in atlases. Continuer la lecture

Publication : « The Villa Laurentina of Pliny the Younger in an 18th-Century Vision ».

MIZIOLEK Jerzy, The Villa Laurentina of Pliny the Younger in an 18th-Century Vision, Rome, L’Erma di Bretschneider, 2016, 250 p.

MIZIOLEK Jerzy, The Villa Laurentina of Pliny the Younger in an 18th-Century Vision, Rome, L’Erma di Bretschneider, 2016, 250 p.

Présentation de l’éditeur :

The book deals with a paper reconstruction of Pliny the Younger’s (c. AD 61–112) villa near Ostia, some twenty kilometres from Rome. This unique work was created in Rome in the years 1777–78 by a young Pole, Count Stanisław K. Potocki (1755–1821) in cooperation with Giuseppe Manocchi and other outstanding artists of the time. The work, originally in the Potocki collection in Wilanów, is today housed in the iconographic collection of the National Library, Warsaw. It contains over thirty large-format, color drawings. In the late 18th century, probably during his last sojourn in Italy (1795–97), Count Potocki wrote a 24-page-long commentary to his work, entitled Notes et Idées sur la Villa de Pline. This hitherto unpublished manuscript commentary and reconstruction drawings of the villa are now published together with a virtual visualisation of the villa produced in 3D Studio Max 2014. Continuer la lecture

Publication : « Women Artists in Early Modern Italy : Careers, Fame, and Collectors ».

BARKER Sheila (dir.), Women Artists in Early Modern Italy : Careers, Fame, and Collectors, Turnhout, Brepols, 2016, 176 p.

BARKER Sheila (dir.), Women Artists in Early Modern Italy : Careers, Fame, and Collectors, Turnhout, Brepols, 2016, 176 p.

Présentation de l’éditeur :

Enhancing our understanding of early Italian female painters including Sofonisba Anguissola and introducing new ones such as Costanza Francini and Lucrezia Quistelli, this volume studies women artists, their patrons, and their collectors, in order to trace the rise of the social phenomenon of the woman artist.

In ten chapters spanning two centuries, this collection of essays examines the relationships between women artists and their publics, both in early modern Italy as well as across Europe. Drawing upon archival evidence, these essays afford abundant documentary information about the diverse strategies that women found for carrying out their artistic careers, from Sofonisba Anguissola’s role as a lady-in-waiting at the court of Felipe II of Spain, to Lucrezia Quistelli’s avoidance of the Florentine market in favor of upholding the prestige of her family, to Costanza Francini’s preference for the steady but humble work of candle painting for a Florentine confraternity.

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Publication : « Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi. »

DE FUCCIA Laura, Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi, Genève, Droz, 2016, 462 p.

DE FUCCIA Laura, Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi, Genève, Droz, 2016, 462 p.

Présentation de l’éditeur :

Fondato su un ampio repertorio di fonti, in gran parte inedite, e di dipinti, questo volume presenta un profilo dei principali collezionisti francesi di opere veneziane nel Seicento e analizza come queste venissero diffuse e percepite in Francia, alla luce di idée e di modelli estetici elaborati nei circoli intellettuali e nell’Académie. Permette di aprire nuove prospettive sulla fortuna di Tiziano, Veronese, Tintoretto, Bassano, Giorgione e sugli sviluppi di un intenso dialogo sorto all’epoca proprio grazie alla percezione di formule legate al tonalismo veneto. Fornisce così alcune chiavi di lettura originali per la comprensione delle relazioni tra due città – Venezia e Parigi – che nel Seicento sono tra i principali centri artistici internazionali per il collezionismo e il commercio di opere d’arte.

Ce volume présente la physionomie des principaux collectionneurs français de tableaux vénitiens au XVIIe siècle et propose une étude de la réception de ces œuvres en prenant en compte les canons esthétiques élaborés et diffusés entre Paris et Venise. En s’appuyant sur un grand nombre de documents, pour la plupart inédits, et sur un vaste répertoire d’œuvres, ce texte permet notamment d’explorer la fortune en France de Titien, Bassan, Véronèse, Tintoret et Giorgione, ainsi que d’éclairer notre compréhension d’un dialogue intense qui s’instaure au Seicento autour du tonalisme vénitien.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Colloque : « Invenit et delineati » : La stampa di traduzione tra Italia e Francia dal XVI al XIX secolo.

Abraham Bosse, L’atelier du graveur au burin et à l’eau-forte, 1643
. © The Trustees of the British Museum.

Abraham Bosse, L’atelier du graveur au burin et à l’eau-forte, 1643
. © The Trustees of the British Museum.

Type : colloque.
Date du colloque :
 07 juin 2016.
Lieu :
Rome, Instituto centrale per la gracia, Via Poli 34 (Fontana di Trevi).

Programme :

09.00 – Registrazione.

09.30 – Apertura :

Maria Antonella Fusco, Istituto centrale per la grafica.

Francesca Mariano, Università degli Studi di Roma “Tor Vergata”- Université de Poitiers

10.00 – Evelina Borea
Cieli barocchi in bianco e nero: stampe da volte e cupole italiane e francesi.

Presiede: Simonetta Prosperi Valenti Rodinò, Università degli Studi di Roma “Tor Vergata”/

10.30 – Estelle Leutrat, Université Rennes 2
De Rome à Paris : Jean IV Le Clerc, éditeur et marchand d’estampes sous les premiers Bourbons, et le modèle italien.

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Séminaire : « Les peintres Italiens itinérants en France Méridionale (fin XVIIIe-XIXe siècle) »

Affiche de la journée.

Affiche de la journée.

Type : Séminaire
Date : 20 mai 2016
Horaire : 10h à 18h
Lieu : Université de Toulouse – Jean Jaurès, bâtiment Olympe de Gouges, salle GH123.

Programme :

10h – Accueil
Invitée d’honneur, Josette Chemery, descendante des Pedoya, peintres Italiens.

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Conférence du GRHAM : « Les interactions entre l’Espagne et l’Italie au tournant des XVIe et XVIIe siècles » par Guillaume Kientz (Paris, 21 avril 2016 à 18h30).

 

Guillaume Kientz

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 21 avril de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Les décennies 1590 et 1630 correspondent aux arrivées respectives à Rome de deux des plus grands génies de l’histoire de l’art : Caravage (1592) et Velázquez (1629). Ces dates sont aussi celles d’un creuset qui en Europe voit l’émergence d’une nouvelle conception de la peinture, tant d’un point de vue esthétique (« naturalisme ») que rhétorique (« faire tableau »). Notre travail s’inscrit dans cet intervalle pour tâcher de comprendre les interactions entre Italie et Espagne au sein de ce processus de formalisation et de diffusion d’une « peinture de la réalité ». 

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Conférence du GRHAM : « Histoires d’enquêtes… Parcours d’un « amateur » autodidacte » par Antoine Tarantino (Paris, 16 février 2016).

 

Luigi Garzi (1638-1731) Domine Quo Vadis ?, début du XVIIIe siècle, huile sur toile, 63 x 48 cm, Paris, galerie Antoine Tarantino.

Luigi Garzi (1638-1731), Domine Quo Vadis ?, début du XVIIIe siècle, huile sur toile, 63 x 48 cm, Paris, galerie Antoine Tarantino.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : mardi 16 février 2016 de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Après avoir commencé très jeune une carrière militaire qui le conduit à Paris, dans la Garde Républicaine, Antoine Tarantino se passionne pour les dessins et tableaux anciens, notamment à la suite de l’exposition « Seicento » au Grand Palais puis des premières éditions du « Salon du Dessin ». Il quitte l’armée afin de collaborer à la préparation de l’exposition « De Versailles à Paris, le destin des collections royales » organisée par Jacques Charles-Gaffiot pour la Mairie du Ve Arrondissement en 1989. Il commence un cursus à l’Ecole du Louvre qu’il interrompt peu de temps après, finalement plus attiré par le côté concret d’une collection et par le côté « enquête » des recherches. Il collabore pendant quelques années avec les marchands Jacques Fischer, spécialiste du XIXème siècle et Jean Philippe Mariaud de Serres, spécialisé en archéologie, avant d’ouvrir sa propre galerie en juin 2007. Il est entretemps admis au sein de la CEEA (Chambre Européenne des Experts d’Art) puis de IADAA (International Association of Dealers in Ancient Art).

La galerie, située au cœur du quartier de la Nouvelle Athènes, est adaptée à la fois aux tableaux de grand format et aux objets archéologiques tels que les sculptures en marbre, les vases grecs et les intailles.

Une petite salle est également consacrée aux arts graphiques et permet de présenter une sélection d’artistes essentiellement italiens du XVIe au XVIIIe siècle.

La Galerie Tarantino a régulièrement l’occasion de proposer des expositions thématiques qui favorisent la connaissance et la diffusion de l’archéologie classique comme de l’art italien Celles-ci sont toujours accompagnées par des catalogues auxquels participent les spécialistes concernés.

  • L’Antiquité Révélée, à la Galerie Daniel Greiner en février 2007.
  • Emilia Pittrice, tableaux et dessins bolonais du XVIe au XVIIIe siècle,du 10 décembre 2007 au 31 janvier 2008.
  • Rome 1660, l’Explosion Baroque, du 18 novembre 2008 au 31 janvier 2009.
  • Peindre à Rome, du 16 mars au 21 avril 2011.
  • Cabinet d’Antiques, du 16 novembre au 16 décembre 2016.
  • Rome, de Barocci à Fragonard, du 20 mars au 8 juin 2013.
  • Les Fastes du Pouvoir, du 25 mars au 28 mai 2014.
  • A venir : L’Art et la Manière, du 29 mars au 31 mai 2016.

Après une communication revenant sur les spécificités de son métier ainsi que sur son rapport à l’art des XVIIe et XVIIIe siècles, Antoine Tarantino échangera avec la salle sur ces diverses thématiques mais également sur les plus belles découvertes de sa carrière.

Publication en ligne : ARTis On, Journal of History of Art and Heritage – N° 1 – 2015.

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A ART is ON é uma revista eletrónica anual, consagrada à divulgação de estudos de História da Arte, Ciências do Património e Mercados da Arte.

Trata-se de uma revista científica, publicada apenas em formato digital, aberta à colaboração de todos, académicos, estudantes, técnicos do património, agentes do mercado da arte, etc., com a finalidade de divulgar estudos emergentes, que se destaquem pela sua qualidade e originalidade.

Dedicada à pluralidade de temas que envolvem a Arte e o Património, tanto nacionais como internacionais, a ARTis ON compreende um Caderno Temático e uma secção de Varia, destinada a pequenos artigos, como recensões, notícias de descobertas recentes, novidades decorrentes de projetos de investigação, entrevistas, etc.

A aposta no formato digital e na possibilidade de publicação de artigos em diversas línguas estrangeiras (inglês, espanhol, francês e italiano) visa alargar a divulgação da revista e permitir a publicação por parte de autores estrangeiros.

Adresse internet : http://artison.letras.ulisboa.pt/

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Publication : Corrélations : les objets du décor au siècle des Lumières.

KHELISSA PERRIN Anne (dir.), Corrélations : les objets du décor au siècle des Lumières, Bruxelles, Éditions de l’Université de Bruxelles,  collection « Études sur le XVIIIe siècle », vol. n° 43, octobre 2015. 264 p.

KHELISSA PERRIN Anne (dir.),   Bruxelles, Éditions de l’Université de Bruxelles, collection « Études sur le XVIIIe siècle », vol. n° 43, octobre 2015.
264 p.

Présentation de l’éditeur : 

Expositions, nouvelles présentations muséographiques, colloques internationaux, programmes de recherche, travaux universitaires, publications : les arts du décor connaissent ces dernières années un vaste regain d’intérêt. Le présent volume répond à une actualité. Il entend également porter un regard renouvelé sur l’ameublement des demeures, en interrogeant la qualité artistique et technique des objets, mais aussi leurs significations sociales et culturelles. Autour d’une réflexion commune, professeurs des universités et jeunes chercheurs, conservateurs, spécialistes des arts décoratifs, de peinture, d’architecture, de littérature et d’histoire du genre font le point sur les mutations épistémologiques récentes et ouvrent la discussion.

Loin d’être un amas désaccordé de bibelots, les intérieurs du XVIIIe siècle proposent un système unitaire cohérent, où arts manufacturés et beaux-arts cohabitent. Quels liens ces artefacts de nature et de statut hétérogènes entretiennent-ils entre eux et avec leur environnement ? Comment le principe d’harmonie fonctionne-t-il et s’adapte-t-il à la variété des aménagements et à la succession rapide des goûts ? Quel écart existe-t-il entre ce que les traités et la critique esthétique du temps préconisent et ce qu’attendent les commanditaires et les acheteurs ? Telles sont les questions que soulèvent les auteurs du recueil, à partir d’exemples célèbres ou méconnus de décors réalisés en France, en Grande-Bretagne, en Italie et en Suisse, entre la fin du XVIIe siècle et le début du XIXe siècle.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

« L’Âge d’or de la peinture à Naples » . Une route des ténèbres à la lumière.

Depuis le mois de juin et jusqu’au 11 octobre 2015, le Musée Fabre de Montpellier consacre sa grande exposition estivale à « L’Âge d’or de la peinture à Naples »[1]. Celle-ci accueille 84 œuvres, en grande majorité des peintures, réparties en six sections de densités diverses. Brossant le portrait d’une époque où la société napolitaine est en demande de nouvelles formes et de nouveaux thèmes, l’exposition montre au public l’évolution que cet art connaît au XVIIe siècle, à travers la venue d’artistes illustres, tels Caravage et Giuseppe de Ribera. L’entièreté de la période est couverte, avec sérieux et sans déséquilibre notable, jusqu’au baroque de Francesco Solimena, au début du XVIIIe siècle.

Fig. 1 Giuseppe de Ribera (1591-1652), Sainte-Marie l'Egyptienne, 1641, Huile sur toile, 132 x 108 cm, Montpellier, Musée Fabre.

Fig. 1 Giuseppe de Ribera (1591-1652), Sainte-Marie l’Egyptienne, 1641, Huile sur toile, 132 x 108 cm, Montpellier, Musée Fabre.

Michel Hilaire, directeur du musée et co-commissaire, justifie, sur le premier cartel, sa volonté de s’installer dans la continuité de l’exposition créée autour du caravagisme européen en 2012[2]. Aussi, s’appuie-t-il sur certaines œuvres conservées à Montpellier, notamment une Sainte-Marie l’Egyptienne de Ribera [Fig. 1], pour affirmer la légitimité du musée dans le domaine de la peinture italienne moderne. Par ailleurs, l’exposition est l’occasion d’acquérir une nouvelle œuvre de Bernardo Cavallino, qui vient enrichir la collection du musée[3]. Plusieurs grandes institutions ont contribué à l’intérêt de l’événement, si le Louvre et la National Gallery ont prêté des œuvres, l’INP et l’INHA ont apporté leur concours scientifique.

[Fig. 2] Alessandro Baratta, Vue de Naples, 1629, gravure, 85 x 253 cm, Paris, BnF.

[Fig. 2] Alessandro Baratta, Vue de Naples, 1629, gravure, 85 x 253 cm, Paris, BnF.

Une première salle, consacrée à la topographie de la ville, permet d’imaginer l’ampleur de la cité qui, au XVIIe siècle, est l’une des plus importantes d’Europe. Avant l’épidémie de peste qui décime la population en 1656, la cité compte environ 500 000 habitants. Ils sont 186 000 en 1688. Le cartel de la salle rend hommage à la volonté urbanistique de Pedro de Toledo, qui a préparé la ville à son important développement dès le XVIe siècle. Un plan de la ville dessiné par Alessandro Baratta [Fig. 2] trône au centre du mur principal, illustrant l’importance occupée par les lieux de pouvoir situés au centre, tel le Palais Royal, aussi représenté par Angelo Maria Costa, sur la même cimaise[4]. Aussi remarquable, La Place du marché à Naples de Micco Spadaro[5], sorte de veduta tentant de retranscrire l’ambiance d’une place un jour de marché autour de 1654.

[Fig. 3] Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Caravage, Saint Jean-Baptiste, vers 1609-1610, huile sur toile, 152 x 125 cm, Rome, Galerie Borghese.

[Fig. 3] Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Caravage, Saint Jean-Baptiste, vers 1609-1610, huile sur toile, 152 x 125 cm, Rome, Galerie Borghese.

La salle suivante sert un propos souhaitant inscrire l’évolution de la peinture napolitaine dans le sillage du Caravage, de passage dans la ville entre 1606 et 1610. Jusque-là, Naples serait enfermée dans un maniérisme tardif. Le peintre, alors exilé de Rome, marquerait – par des commandes prestigieuses et connues de tous – une rupture au sein de l’école conservatrice locale. L’exposition n’indique pas si le contexte préalable d’une évolution stylistique était établi. Du Caravage, est exposé le Saint Jean-Baptiste prêté par la Galerie Borghese de Rome [Fig. 3]. Parmi les artistes les plus marqués par ce dernier, l’exposition attire l’attention sur Caracciolo et Sellito, qui seraient les premiers napolitains à lui emprunter le clair-obscur très contrasté qui le caractérise. Un Baptême du Christ de Caracciolo vient aussi illustrer l’influence caravagesque appuyée d’un « naturalisme puissant », selon le cartel accompagnant l’œuvre[6]. Comme Le Caravage, les artistes napolitains recourent désormais aux modèles vivants. Les indications tempèrent le propos en soulignant aussi l’importance du passage du Bolonais Guido Reni en 1612. Toujours au début du siècle, en 1616, une nouvelle rupture s’opèrerait avec l’arrivée de Ribera, après son départ de Rome. Cependant, cette deuxième salle souligne aussi l’apport du caravagisme dans l’œuvre du peintre espagnol en exposant certaines de ses œuvres à la sombre luminosité comme la Pieta de 1633, prêtée par le musée Thyssen-Bornemisza de Madrid[7], ainsi qu’un Saint-André aux traits fins, bien antérieur, daté de 1615-1618, coïncidant donc probablement avec l’arrivée du peintre dans la cité. Remarquable enfin, la mouvementée Suzanne et les vieillards de Massimo Stanzione, prêtée par le Städel Museum de Francfort [Fig. 4].

[Fig. 4] Massimo Stanzione, Suzanne et les vieillards, v. 1630- 1635, huile sur toile, 152 x 204 cm, Francfort, Städel Museum.

[Fig. 4] Massimo Stanzione, Suzanne et les vieillards, v. 1630- 1635, huile sur toile, 152 x 204 cm, Francfort, Städel Museum.

Le troisième espace est baptisé « Entre naturalisme et classicisme ». Il est installé dans le but de montrer, par ses œuvres, un Ribera qui s’active à faire transiter Naples du caravagisme à un « naturalisme accru ». Ici, le cartel fait mention du passage de Velázquez dans la ville en 1630. Est-ce à cause de sa moindre importance dans le contexte précis de cette exposition ou bien de la difficulté d’obtenir l’une de ses œuvres qu’il n’est pas montré ici[8] ? Le peu d’informations données à ce sujet laisse le doute planer. Dans cette salle, les natures mortes apparaissent, telle la Nature morte de poissons de mer et d’huitres orientales de Giovanni Battista Recco. Les peintres napolitains semblent quitter les thèmes prédominants de la peinture religieuse pour se diriger vers des sujets plus modernes, comme cet Atelier du peintre du Maître de l’Annonce aux Bergers[9]. Le Philosophe Chilon de Luca Giordano, élève de Ribera, participe lui aussi à montrer un humanisme accru dans le choix des thèmes par les commanditaires[10].

7_Andrea di Lione_Elephants_Prado

[Fig. 5] Andrea di Lione, Eléphants dans un cirque, v. 1640, huile sur toile, 229 x 231 cm, Madrid, Museo Nacional del Prado.

Si jusque-là, dans l’exposition, le noir domine sur la palette des peintres, la quatrième salle – la plus dense en volume d’œuvres – s’intitule « La tentation de la couleur ». Le cartel principal indique que, à partir de 1630, les Napolitains les plus novateurs, éclairés par Titien, Véronèse et le passage de Pietro Novelli en 1632, utilisent davantage de tons colorés. Encore une fois, Ribera marque son intérêt pour l’innovation en illustrant cette alternance entre couleurs et ténèbres. Cela est particulièrement visible sur l’Apollon et Marsyas, du Museo di Capodimonte[11] ou bien la Sainte-Marie l’Egyptienne du Musée Fabre [Fig. 1]. L’importance de la peinture Napolitaine est alors telle que le roi d’Espagne commande, pour le palais du Buen Retiro des œuvres à Aniello Falcone et Andrea Di Lione [Fig. 5]. Bien qu’elles ne soient pas les plus innovantes de la salle, elles servent pleinement le propos. Remarquable également, le très coloré Portrait de femme au coq en costume napolitain de Massimo Stanzione [Fig. 6]. Notons aussi l’apparition de thèmes religieux en forme de scène de genre, comme cette étonnante Naissance de la Vierge de Francesco Guarino[12] ou bien le lien entre peinture et théâtre avec cet Esther et Assuerus de Bernardo Cavallino prêté par la Galerie des Offices de Florence[13].

[Fig. 6] Massimo Stanzione, Portrait de femme au coq en costume napolitain, vers 1635, huile sur toile, 118,7 x 97 cm, San Francisco, Fine Arts Museum.

[Fig. 6] Massimo Stanzione, Portrait de femme au coq en costume napolitain, vers 1635, huile sur toile, 118,7 x 97 cm, San Francisco, Fine Arts Museum.

La cinquième salle est consacrée aux « mythes et réalités » qui ont forgés – ou détruits – Naples et sont représentés au XVIIe siècle, qu’ils soient liturgiques ou actuels. L’année 1631 connaît l’éruption la plus importante du Vésuve depuis celle qui a détruit Pompéi en 79. Les habitants pensent assister à l’apocalypse. Scipione Campagno représente le désastre vers 1635-1640[14]. En 1656, c’est au tour de la peste de décimer la ville. Micco Spadaro, que le visiteur découvre dans la première salle, peint la même place du marché durant l’épidémie vers 1656-1660[15]. Les Napolitains croient, dans les événements les plus tragiques, être sauvés par Janvier, le Saint-Patron de la cité. Il est représenté au moment de sa décollation par Campagno[16]. Le propos de la salle est séduisant, mais elle ne contient que très peu d’œuvres.

[Fig. 7] Mattia Preti, Judith montrant la tête d’Holopherne, v. 1651-1661, 186 x 143 cm, huile sur toile, Chambéry, Musée des Beaux-Arts.

[Fig. 7] Mattia Preti, Judith montrant la tête d’Holopherne, v. 1651-1661, 186 x 143 cm, huile sur toile, Chambéry, Musée des Beaux-Arts.

Le dernier espace est sobrement intitulé « L’Envol du baroque ». Les indications du cartel expliquent que le genre arrive tardivement à Naples, grâce aux voyages de Mattia Preti et Luca Giordano. L’évolution est frappante à la vue de Judith montrant la tête d’Holopherne, de Preti [Fig. 7]. Une dynamique forte sur des formats plus importants apparaît alors. Parallèlement, de nombreuses natures mortes de Paolo Porpora viennent tempérer des scènes davantage théâtrales. Dans cette salle, on apprend qu’autour de 1680, Francesco Solimena va être à l’origine de la synthèse de l’âge d’or autour de 1680, en créant un style où se mêlent « naturalisme, classicisme et baroque, pour créer un baroque napolitain », selon les propos des commissaires. Ces derniers sont illustrés par un Portrait de femme, de Solimena, daté après 1705[17]. Le point d’orgue de cette conclusion est un diptyque de Luca Giordano en vue de la réalisation d’un grand format, représentant Le Combat de Saint-Michel et de Lucifer, ainsi que Le Triomphe de Saint-Michel archange, vers 1692[18]. C’est le même artiste qui a été choisi pour clore l’exposition, avec Persée transformant les disciples de Phinée en pierre. La sortie de « l’âge d’or » semble être consommée [Fig. 8].

[Fig. 8] Luca Giordano, Persée transformant les disciples de Phinée en pierre, vers 1680, huile sur toile, 285 x 366 cm, Londres, The National Gallery.

[Fig. 8] Luca Giordano, Persée transformant les disciples de Phinée en pierre, vers 1680, huile sur toile, 285 x 366 cm, Londres, The National Gallery.

Après cette fin en compagnie des œuvres, une pièce accueille un diaporama d’intérieurs d’églises napolitaines : la Chartreuse de San Marino ou encore l’Eglise Pio Monte della Misericordia. Ces images rappellent que, malgré une exposition réussie tant sur le plan scientifique qu’esthétique, certains chefs-d’œuvre Napolitain ne sortent pas des lieux pour lesquels ils ont été créés, et que le déplacement est parfois nécessaire pour s’en rendre compte.


[1] L’Âge d’Or de la peinture à Naples. De Ribera à Giordano, Montpellier, Musée Fabre, 20 juin-11 octobre 2015. Commissariat : Michel HILAIRE, Nicola SPINOSA et Gennaro TOSCANO.
[2] Corps et ombres : Caravage et le caravagisme européen, Montpellier, Toulouse, Musée Fabre, Musée des Augustins, 23 juin-14 octobre 2012. Commissariat : Michel HILAIRE et Axel HEMERY.
[3] A été acquise, grâce à un important mécénat, une œuvre de Bernardo CAVALLINO (1616-1656), La Mort de Saint-Joseph, v. 1640, huile sur toile, 46,5 x 36 cm, Montpellier, Musée Fabre. Une autre peinture, achetée en 2013, trouve aussi sa place dans l’exposition : Andrea VACCARO (1604-1670), Le Martyre de Sainte-Agathe, v. 1635-1640, huile sur toile, 122 x 159 cm, Montpellier, Musée Fabre.
[4] Angelo MARIA COSTA, Vue de la place du palais Royal à Naples, huile sur toile, 1696, Séville, Casa de Pilatos.
[5] Micco SPADARO, La place du marché à Naples, huile sur toile, v. 1654, Séville, Casa de Pilatos.
[6] Battistello CARACCIOLO (1578-1635), Le baptême du Christ, v. 1610, huile sur toile, Naples, Quadreria dei Girolamini.
[7] Giuseppe DE RIBERA (1591-1652), Pieta, 1633, huile sur toile, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza.
[8] Le peintre a fait l’objet d’une importante exposition en 2014-2015. Voir Velázquez, Paris, Galeries Nationales du Grand Palais, 25 mars-13 juillet 2015. Commissariat : Guillaume KIENTZ, Paris, Coédition RMN – Grand Palais / Louvre, 2015.
[9] Maître de l’Annonce aux bergers (actif à Naples entre 1630 et 1650), L’Atelier du peintre, v. 1635-1639, huile sur toile, Oviedo, Collección de la Fundación Masaveu Peterson.
[10] Luca GIORDANO (1634-1705), Le Philosophe Chilon, v. 1660, huile sur toile, Besançon, Musée des Beaux-Arts et Archéologie.
[11] Giuseppe DE RIBERA (1591-1652), Apollon et Marsyas, 1637, huile sur toile, 202 x 255 cm, Naples, Museo di Capodimonte.
[12] Francesco GUARINO, La Naissance de la Vierge, v. 1640, huile sur toile, 170 x 120 cm, Naples, collection privée.
[13] Bernardo CAVALLINO (1616-1656), Esther et Assuerus, v. 1645, 76 x 102 cm, Florence, Galerie des Offices.
[14] Scipione COMPAGNO (v. 1624-v. 1680), L’éruption du Vésuve en 1631, v. 1635-1640, dim. inconnues, huile sur toile, Rome, collection privée.
[15] Micco SPADDARO (v. 1609-v. 1675), La place du marché durant la peste, v. 1656-1660, huile sur toile, 126 x 177 cm, Naples, Certosa e Museo di San Martino.
[16] Scipione COMPAGNO (v. 1624-v. 1680), Martyre de Saint-Janvier et de ses compagnons, s.d., 57 x 87 cm, huile sur toile, Nantes, Musée des Beaux-Arts.
[17] Francesco SOLIMENA, Portrait de femme, ap. 1705, huile sur toile, 100 x 129 cm, Toulouse, Musée des Augustins.
[18] Luca GIORDANO (1634-1705), Le Combat de Saint-Michel et de Lucifer et Le Triomphe de Saint-Michel Archange, v. 1692, huile sur toile, dim. inconnues, collection privée.