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Parution: De David à Delacroix. Du tableau au dessin, Onzièmes rencontres internationales du Salon du Dessin, actes du colloque (30-31 mars 2016)

Pierre Rosenberg et Louis-Antoine Prat (dir.), De David à Delacroix. Du tableau au dessin, Onzièmes rencontres internationales du Salon du Dessin, actes du colloque (30-31 mars 2016), Paris : Société du Salon du dessin / Dijon : L’Echelle de Jacob, 2016.

Relié, 263 pages. Prix : 35 euros, ISBN : 9782953325799.

Sous l’impulsion de Bertrand Gautier, les rencontres internationales du Salon du dessin 2016, dirigées par Pierre Rosenberg et Louis-Antoine Prat, ont prolongé les réflexions initiées il y a plus de quarante ans lors de l’exposition De David à Delacroix : la peinture française de 1774 à 1830. À cette occasion, treize contributions ont élargi les recherches à la question du dessin. Le premier volet de ces rencontres consacrées au dessin entre les règnes de Louis XVI et de Charles X est désormais publié (table des contributions ci-jointe).

Journée d’étude : « Bouchardon et ses contemporains ».

Edme Bouchardon, Faune endormi, 1726-1730, marbre, 1,84 x 1,42 x 1,19 m, Paris, musée du Louvre.

Edme Bouchardon, Faune endormi, 1726-1730, marbre, 1,84 x 1,42 x 1,19 m, Paris, musée du Louvre.

Type : journée d’étude.
Date de la manifestation : mercredi 16 novembre 2016 à partir de 10h.
Lieu : Paris, auditorium du musée du Louvre.

Programme :

Introduction par Guilhem Scherf et Juliette Trey, musée du Louvre.

Matin

Président de séance : Edouard Kopp, Fogg Museum, Harvard.

10h Boucher et Bouchardon dessinateurs par Alastair Laing, the National Trust, Londres.

10h30 Edme Bouchardon et Gabriel Huquier : l’artiste et son éditeur par Peter Fuhring, Fondation Custodia, Paris.

11h Hommage ou exercice ? Les copies d’Edme Bouchardon par Pierre Charles Trémolières et Louis Claude Vassé par Juliette Trey, musée du Louvre.

11h30 Vassé (1717-1772) et Bouchardon. L’oeuvre d’un élève au regard de celle de son maître par Alexandra Michaud, université Paris-Sorbonne.

12h Un duel d’autorité. Caylus, Diderot et la vie d’Edme Bouchardon par Valérie Kobi, université de Bielefeld.

12h30 Questions.

Après-midi

Président de séance : Anne-Lise Desmas, Getty Museum, Los Angeles.

14h30 « Ce n’est pas là de la sculpture ». Edme Bouchardon et Jean-Baptiste Lemoyne : rivalités et émulation par Cécilie Champy-Vinas, Petit Palais, Paris.

15h Bouchardon et Pigalle : deux fortes personnalités, une estime réciproque par Guilhem Scherf, musée du Louvre.

15h30 Un cas exemplaire du goût Mariette : les dessins d’Hubert Robert d’après Bouchardon par Sarah Catala, université Lille 3.

16h La permanence du goût pour les dessins de Bouchardon. Jean-Baptiste Lucien (c. 1748-1806) et les graveurs en manière de crayon de la seconde génération par Sophie Raux, université Lyon 2.

16h30 1792-2007. La constitution du fonds Bouchardon au musée de Chaumont : oeuvres et archives par Raphaële Carreau, musées de Chaumont.

17h Questions.

« Hubert Robert (1733-1808), un peintre visionnaire » : recension des essais du catalogue d’exposition

          L’exposition organisée au musée du Louvre, en association avec la National Gallery of Art de Washington, du 9 Mars 2016 au 30 Mai 2016 est la première manifestation consacrée à l’ensemble de la carrière d’Hubert Robert (1733-1808) depuis 1933[i]. Le commissaire de l’exposition, Guillaume Faroult, et ses collaborateurs, ont réuni dans le Hall Napoléon un ensemble exceptionnel de cent quarante œuvres (peintures, dessins, gravures, objets d’art), issues des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers. La muséographie suggère sans excès une architecture factice en rapport avec la qualité de « peintre d’architecture » d’Hubert Robert. Ses œuvres se répartissent dans quinze espaces consacrés à une thématique propre.

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

Dans chaque espace, un grand cartel adossé au mur rappelle les ruines peintes par l’artiste, à moins qu’il ne fasse écho au détail d’un célèbre tableau où le peintre se représente en bas à droite face à sa toile posée de biais devant la Sainte Famille de Raphaël qu’il est entrain de copier dans la Grande galerie du Louvre (fig. 1). Dans un cas comme dans l’autre, la muséographie vient renforcer le lien entre les ruines, dont Hubert Robert est le plus célèbre interprète français du XVIIIe siècle, et le Louvre, dont il assure la conservation des œuvres d’art durant la transformation progressive du palais en musée des beaux-arts.

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Journée d’étude en ligne : « Libertés du corps et du geste. La question de la spontanéité en France au XVIIIe siècle ».

Jean-Honoré Fragonard, L’Enjeu perdu ou Le Baiser gagné, vers 1759-1760, huile sur toile, 48,3 x 63,5 cm, New York, The Metropolitan Museum.

Jean-Honoré Fragonard, L’Enjeu perdu ou Le Baiser gagné, vers 1759-1760, huile sur toile, 48,3 x 63,5 cm, New York, The Metropolitan Museum.

Le mardi 8 décembre 2015, la journée d’étude « Libertés du corps et du geste. La question de la spontanéité en France au XVIIIe siècle » avait lieu en parallèle de l’exposition « Fragonard amoureux. Galant et libertin ». (Ré)écoutez ici les communications de la journée et découvrez en quelques lignes les intervenants.

Cette journée d’études consacrée à la notion de « spontanéité » dans les arts et la société en France au XVIIIe siècle a été organisée par Delphine Chambon et Elise Urbain, toutes deux doctorantes en Histoire de l’Art moderne à l’Université de Lille.

L’exposition Fragonard amoureux galant et libertin présente aussi bien des peintures, des gravures, des illustrations que des esquisses ou études diverses.

L’œuvre de Fragonard est donc extrêmement important, protéiforme, réunissant aussi bien des oeuvres très achevées où chaque détail est rendu avec beaucoup de finesse que des dessins beaucoup plus esquissés, beaucoup plus suggestif où la ligne fait émerger des formes vives.

Ces derniers dégagent une certaine spontanéité, légèreté, comme si l’artiste avait jeté sur la feuille, pris dans l’élan créateur les premières idées de sa pensée, contrairement à certaines de ses peintures, qui semblent davantage construites, composées, maîtrisées…

C’est cette constatation qui a servi de point de départ à l’élaboration de cette journée d’étude :

–    Qu’entend-on au XVIIIe siècle par « spontanéité » ?

–    Peut-on parler de spontanéité dans la société française du XVIIIe siècle ?

–    Quelle est la place de la spontanéité au XVIIIe siècle? Est-elle réelle ou davantage feinte ?

Ces différentes questions ont été abordées à travers trois axes de réflexion: le corps (et son mouvement), le geste (créatif) et le regard (porté sur l’oeuvre), par des chercheurs en histoire de l’art et littérature.

« Il y en a bien peu qui en connoissent le fin ». Connoisseurs, demi-connoisseurs et goût pour le dessin en France au XVIIIe siècle

Delphine Chambon

Delphine Chambon est doctorante en Histoire de l’art moderne au sein du laboratoire IRHiS à l’université de Lille. Ses axes de recherches sont actuellement l’art français du XVIIIe siècle, l’histoire du collectionnisme, le marché de l’art au XVIIIe siècle et le goût pour le dessin. Elle prépare actuellement un article intitulé Conserver et présenter sa collection de dessins en France au XVIIIe siècle.

« Finissez monsieur Robert ! »: La rapidité du geste d’Hubert Robert

Sarah Catala

Sarah Catala débute actuellement son Doctorat en Histoire de l’art avec Sophie Raux au sein du Laboratoire IRHiS également à l’Université de Lille. Ses axes de recherches sont principalement l’art français du XVIIIe siècle, le dessin ancien et les pratiques sérielles. Elle a été conseillère scientifique pour de nombreuses expositions, dont la prochaine consacrée au peintre Hubert Robert qui se tiendra au musée du Louvre de mars à mai 2016. Parmi ses publications, nous pouvons citer La matière à l’oeuvre. Redécouverte du Lion de Fragonard, éditée cette année par la galerie Eric Coatalem à Paris.

 

Nocturnes libertins, ou la mise en scène de la spontanéité dans l’art d’aimer du siècle des Lumières

Marine Ganofsky

Marine Ganofsky est Maître de conférences à l’Université de St Andrews. Elle vient de finir son premier livre sur les nuits libertines, projet pour lequel sa thèse avait été une ébauche. Le prochain, déjà commencé, se penchera sur la nuit et les ombres au siècle des Lumières. Ses recherches tournent surtout autour du libertinage et de la littérature libertine, avec quelques détours heureux du côté de la peinture rocaille et de la philosophie matérialiste. Elle va éditer quelques nouvelles galantes peu connues pour la collection Lire le dix-huitième siècle.

« Plus de grâce que les plus beaux ornements »: la quête de la spontanéité dans le portrait féminin du XVIIIe siècle

Elise Urbain

Elise Urbain est doctorante en Histoire de l’art moderne en co-direction entre l’Université Lille 3 et l’Ecole du Louvre. Ses axes de recherches sont actuellement l’art français et anglais du XVIIIe siècle, en particulier le portrait peint et sculpté ainsi que l’histoire de la mode. Elle participe actuellement à la préparation d’une future exposition au musée des Arts Décoratifs consacrée à la notion de transgression dans l’histoire de la mode du XIVe siècle à nos jours et qui sera intitulée Tenue correcte exigée. Une histoire de vêtements qui ont fait scandale. Elle rédigera un chapitre de ce catalogue consacré au négligé vestimentaire et au manque de tenue.

Pétiller d’esprit : les sociabilités du bon mot au XVIIIe siècle.

Jean-Alexandre Perras

Jean-Alexandre Perras est chercheur postdoctoral de la British Academy et Junior Research Fellow à Jesus College, à l’université d’Oxford. Ses travaux portent sur les représentations et les pratiques de la sociabilité sous l’ancien régime. Sa thèse, L’Exception exemplaire : Inventions et usages du génie, XVIe-XVIIIe siècle, sera bientôt publiée aux Éditions Classiques Garnier (2015). Il s’intéresse présentement à l’histoire culturelle et littéraire de la frivolité et à ses relations à la question du luxe, au papillotage, au persiflage, et aux représentations de la légèreté au XVIIIe siècle.

Prochaine vente de peintures et arts graphiques chez Artcurial (Paris, 13 novembre 2015)

Parallèlement au salon Paris Tableau qui vient d’ouvrir ses portes, Artcurial expose un important ensemble de peintures des XVIIe et XVIIIe siècles en attendant la mise aux enchères qui se déroulera sous la direction du commissaire-priseur Matthieu Fournier le vendredi 13 novembre à 14h30 dans les locaux parisiens de la maison de vente. La centaine de lots en lien avec la période moderne n’a pas l’homogénéité et la qualité de la collection Grandchamp des Raux dispersée par ses soins le 26 mars dernier.  En outre, le catalogue peine à concilier une présentation thématique tout en préservant l’intégrité des collections particulières mises en vente[1]. En dépit de cet enchevêtrement – parfois nécessaire au marché de l’art -, le catalogue comprend un index appréciable. Surtout, quelques œuvres exceptionnelles sont à signaler, notamment dans le genre de la peinture d’histoire, des marines et de la nature morte. Bien que la cotation mercantile reflète, dès le XVIIIe siècle, un système de valeur fondé sur le goût du public, la présentation des lots remarquables s’organise ici d’après la hiérarchie des genres académiques établie au Grand Siècle par André Félibien (1619-1695).

Louis Finson, Madeleine en extase, 1613, hst, 112,50 x 88,50cm

Louis Finson, Madeleine en extase, 1613, hst, 112,50 x 88,50 cm

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Journée d’étude : Libertés du corps et du geste : la place de la spontanéité en France au XVIIIe siècle.

Jean-Honoré Fragonard, Céphale et Procris, 1755, huile sur toile, 79 x 173 cm, Angers, musée des Beaux-Arts.

Jean-Honoré Fragonard, Céphale et Procris, 1755, huile sur toile, 79 x 173 cm, Angers, musée des Beaux-Arts.

Type : journée d’étude.
Date : 08 décembre 2015.
Lieu : Palais du Luxembourg, 26 rue de Vaugirard, 75006 Paris.
Sous la direction du :
laboratoire IRHiS (Université Lille 3) et du musée du Luxembourg.
Sur inscription, par mail : joanne.snrech@museeduluxembourg.fr, avant le 10 novembre.

Programme :

9h00 : Accueil.
9h30 : Fragonard, le « peintre dynamique » ?. Entretien avec Pierre Rosenberg de l’Académie Française.
10h10 : « Je peindrais avec mon cul ». Peindre sur nature chez Fragonard. Guillaume Faroult, Conservateur en chef, en charge des peintures françaises du XVIIIe siècle et des peintures britanniques et américaines, Musée du Louvre ; Commissaire de l’exposition Fragonard amoureux.
11h00 : Pause.
11h20 : « Il y en a bien peu qui connoissent le fin ». Connoisseurs, demi-connoisseurs et goût pour le dessin en France au XVIIIe siècle. Delphine Chambon, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
11h40 : « Finissez monsieur Robert ! » : la rapidité du geste d’Hubert Robert. Sarah Catala, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
12h00 : discussion.
12h20-13h50 : Pause déjeuner.
14h00 : Brouillon, prélude, esquisse. Michel Delon, Professeur de Littérature française, Université Paris-Sorbonne.
14h40 : Les étapes d’une réflexion : étude de quelques séries d’esquisses de Gabriel-François Doyen (1726-1806). Benjamin Salama, doctorant en histoire de l’art, Université Paris-Sorbonne.
15h00 : Nocturnes libertins, ou la mise en scène de la spontanéité dans l’art d’aimer du siècle des Lumières. Marine Ganofsky, maître de conférences, Université de Saint-Andrews.
15h20 : Discussion.
15h40 : Pause.
16h00 : « Plus de grâce que les plus beaux ornements » : la quête de la spontanéité dans le portrait féminin du XVIIIe siècle. Elise Urbain, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS, École du Louvre.
16h20 : Pétiller d’esprit : les sociabilités du bon mot au XVIIIe siècle. Jean-Alexandre Perras, assistant de recherche, Jesus College, Université d’Oxford.
16h40 : Discussion.
17h00 : Conclusion générale.
17h20 : Fin de la journée.

Le XVIIIe siècle à l’honneur chez Christie’s : la vente de la collection de Jean-Louis Rémilleux.

 

Hubert Robert, Vue intérieure de la loggia de la Villa Médicis, huile sur toile, 77 x 112 cm

Hubert Robert, Vue intérieure de la loggia de la Villa Médicis, huile sur toile, 77 x 112 cm.

Les 28 et 29 septembre prochains seront mis aux enchères à Paris chez Christie’s une partie de la collection de meubles, d’objets et d’œuvres d’art du XVIIIe siècle patiemment constituée pendant ces trente dernières années par Jean-Louis Rémilleux en son château de Digoine. Parmi les quelques 1 000 lots présentés à la vente, on remarquera une Vue intérieure de la loggia de la Villa Médicis (huile sur toile, 77 x 112 cm) d’Hubert Robert (Paris, 1733 – 1808), lot 26 estimé à 150 000 – 200 000 €, une commode en cabinet d’époque Louis XVI en laque du Japon (96 x 116 x 52,5 cm) estampillée Martin Carlin, lot 137 estimé à 100 000 – 200 000 €,et La Citoyenne Tallien (1773 – 1835) dans un cachot à la Force, ayant dans les mains ses cheveux qui viennent d’être coupés (huile sur toile, 128,9 x 112,3 cm) de Jean-Louis Laneuville (Paris, 1756 – 1826), lot 277 estimé à 150 000 – 200 000 €. Ce tableau, emblématique de l’époque de la Terreur et de la chute imminente de Robespierre, fut exposé au Salon de 1796 où il fit scandale et dut être retiré car rappelant au public des événements trop douloureux.

Jean-Louis Laneuville, La Citoyenne Tallien dans un cachot à la Force, ayant dans les mains ses cheveux qui viennent d'être coupés, huile sur toile, 128,9 x 112,3 cm.

Jean-Louis Laneuville, La Citoyenne Tallien dans un cachot à la Force, ayant dans les mains ses cheveux qui viennent d’être coupés, 1796, huile sur toile, 128,9 x 112,3 cm.

Toutes ces œuvres, bientôt dispersées, étaient rassemblées au Château de Digoine (ouvert au public), situé en Saône-et-Loire près de Palinges. Ce château de 75 pièces, qui est considéré comme un fleuron de l’architecture classique en Bourgogne, a été remanié entre 1750 et 1770 par l’architecte Edme Verniquet (Châtillon-sur-Seine 1727 – Paris 1804).

Château de Digoine

Château de Digoine

Florence Fesneau

Vente Grandchamp des Raux : records battus par les académiciennes !

Le jeudi 26 mars 2015, les quarante-neuf coups du marteau de Matthieu Fournier ont dispersé la collection de peintures de Louis Grandchamp des Raux au cours d’une vente organisée par Sotheby’s et Artcurial à Paris.

Tous les lots ont été vendus, sans que les musées français n’aient fait valoir leur droit de préemption. Ce retrait s’explique probablement par le montant élevé des estimations, qui n’a cependant pas découragé les autres acheteurs. Ainsi, la majorité des lots a été adjugée dans la tranche prévue par les estimations, et près de 40% des lots ont même dépassé ces prévisions, portant le résultat global de la vente à plus de 7 630 000 € (8,7 millions avec les frais).

Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

1. Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

À l’exemple de Louise Moillon, dont l’une des deux natures mortes (ill. 1) a trouvé acquéreur pour 900 000 € (hors frais), d’autres artistes ont visiblement battu leur record sur le marché de l’art[1].

Tout comme les œuvres de Louise Moillon, celles d’Anne Vallayer-Coster ont remporté un franc succès commercial. Compte tenu du faible nombre de femmes reçues à l’Académie royale de peinture et de sculpture[2], la qualité esthétique de leurs tableaux se double d’une valeur sociale indéniable. Le développement des gender studies a sans doute aiguisé l’intérêt du public pour ce type de productions, a fortiori quand le modèle est également une artiste (ill. 2).

Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

2. Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Pourtant, c’est moins la musicienne -dont le violon est proprement désaccordé- que la psychologie de la demoiselle qui est mise en avant dans cette composition poétique mêlant les genres du portrait et de la nature morte. À l’écart des scènes moralisantes de son contemporain Greuze[3], Anne Vallayer-Coster semble ici renouer avec l’ancienne tradition du memento mori. Tenant un violon dont la première corde a déjà lâché, le jeune modèle apparaît dans la posture humble d’une Madeleine pénitente dont le regard semble s’évanouir au travers des  portées musicales. Le public pourra bientôt l’admirer dans un musée européen, qui l’a acquis pour la somme de 750 000 € (hors frais).

Le goût de Louis Grandchamp des Raux pour les assemblages harmonieux transparaît également dans la nature morte, qui est le genre pictural le plus représenté dans sa collection. Parmi les plus remarquées, la fascinante composition de Pierre-Antoine Lemoine est une des quatre œuvres actuellement référencée de l’artiste (ill. 3): elle a trouvé acquéreur pour 350 000 € (hors frais).

Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

3. Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

En lien avec ce genre, il convient aussi de signaler cinq œuvres de François Desportes (1661-1743), dont l’esquisse d’un tableau représentant les chiennes de Louis XV Bonne, Nonne et Ponne (Paris, Musée de la chasse et de la nature).

À signaler enfin, parmi des paysages de Boucher, Fragonard et Hubert Robert, Le lever du jour, départ des pêcheurs (ill. 4) de Joseph Vernet, qui s’est envolé (en France : le tableau, issu de l’ancienne collection du château de Ferney-Voltaire, est classé monument historique) pour 700 000 € (hors frais).

Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Dans un communiqué de presse commun, Sotheby’s et Artcurial se sont félicités d’avoir battu un record remontant à plus de vingt ans. En conséquence, la vente Grandchamp des Raux est révélatrice d’un regain d’intérêt pour la peinture française des XVIIe et XVIIIe siècles, dont la recherche en Histoire de l’art moderne ne peut que se flatter.

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 [1] À en juger par les résultats de la base Artprice, c’est le cas du peintre de Pierre-Antoine Lemoine (Paris 1605-1665) et d’Anne Vallayer-Coster (Paris 1744-1818).
[2] Octave Fidiere, Les femmes artistes à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris: Charavay frères, 1885.
[3] Justement, le Portrait de jeune femme au fichu blanc (lot 27) peint par Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) a été vendu en deçà de son estimation (75 000 € hors frais).

Redécouvrir le musée Cognacq-Jay

La récente réouverture du musée Cognacq-Jay – qui célèbre la fin de ses travaux de rénovation en donnant carte blanche à Christian Lacroix[1] – est aussi l’occasion de découvrir, ou de redécouvrir, les collections XVIIIe qu’accueille le petit hôtel de Donon. Constituées par le fondateur de la Samaritaine, Ernest Cognacq, et son épouse, Marie-Louise Jay, ces collections offrent un ensemble cohérent de tableaux, de sculptures mais aussi d’objets d’art ; petits meubles, bel ensemble de porcelaines de Meissen, importante collection de boîtes en or et objets de vertu. Elles ont, de plus, suscité nombre d’études, dont certaines sont évoquées ici et qu’un regard nouveau pourrait poursuivre.

Hubert Robert, L’Accident, 1793, huile sur toile, 60 x 74 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Hubert Robert, L’Accident, 1793, huile sur toile, 60 x 74 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Les trois grandes figures de la peinture du XVIIIe siècle sont, bien entendu, représentées au musée Cognacq-Jay : Boucher avec Le Repos des nymphes au retour de la chasse (1745), Chardin avec une Nature morte au chaudron de cuivre (1734 – 1735) et Fragonard, « le conteur libre, l’amoroso galant, païen, badin, de malice gauloise, de génie presque italien, d’esprit français[2] », avec Perrette et le pot au lait (1770). C’est la double chute morale et physique de cette laitière qu’analyse Etienne Jollet dans son article de 1993[3] en ouvrant sa réflexion sur le caractère énigmatique de l’œuvre telle que la perçoit Adorno. Un pas de plus, et les conséquences de la loi de la gravité deviennent dramatiques ; c’est ce qu’illustre L’Accident (1793) d’Hubert Robert dans lequel « Un jeune Homme ayant grimpé au haut d’un Monument antique, pour cueillir des fleurs & les jetter à des jeunes Femmes, tombe dans un tombeau, qui, parmi d’autres débris d’antiquité, se trouve au pied du Monument[4] ».

 

Nicolas Lavreince, Le repentir tardif, dessin, 26 x 21 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © RMN-Grand Palais/Agence Bulloz

Nicolas Lavreince, Le repentir tardif, dessin, 26 x 21 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © RMN-Grand Palais/Agence Bulloz.

Sur un registre plus léger, Philip Stewart[5] utilise les œuvres du musée Cognacq-Jay pour alimenter sa réflexion sur le paradigme intervisuel qui se constitue au XVIIIe siècle entre le livre – qui ressort de plus en plus de l’intime – et son lecteur : ainsi cette petite statue d’une Femme lisant[6] tout en ayant la poitrine à moitié découverte, ou encore ces deux versions du Repentir tardif (1790) de Lavreince. Dans l’une de ces gouaches, le guéridon renversé, accompagné d’un vase brisé et d’une bougie en morceaux, rappelle l’excitation qui a précédé ce qui a donné le titre de l’œuvre, tandis que dans l’autre, le livre ouvert qui git au pied du lit semble indiquer la cause – bien plus que le résultat – de l’activité passée de la femme repentante.

 

 

Jean-Baptiste Le Prince, Le Joueur de balalaïka, 1764, huile sur toile, 72,5 x 60 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Jean-Baptiste Le Prince, Le Joueur de balalaïka, 1764, huile sur toile, 72,5 x 60 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet.

Enfin, Le Joueur de balalaïka (1764) permet d’interroger ce qu’il est convenu d’appeler les « russeries[7] » de Le Prince. Celui-ci s’en serait servi pour illustrer ses réflexions sur la société française, tandis que Diderot, au travers des critiques qu’il formule à leur encontre, aurait ainsi exposé ses opinions sur les réformes russes[8].

 

Mais, à la fin de cette rapide – et trop sélective – visite du musée Cognacq-Jay, c’est, sans doute, sur la place du spectateur qu’il convient de conclure en rappelant que Michael Fried[9] évoque, entre autres, une Pastorale russe[10] de Le Prince – proche, dans sa conception, du Joueur de balalaïka – pour développer son thème de l’absorbement, qui ne manquera pas de saisir le visiteur du musée Cognacq-Jay, à l’instar de Diderot qui, une fois « entré dans le tableau[11] », écrit : « Je me trouve bien là…Un tableau avec lequel on raisonne ainsi, qui vous met en scène, et dont l’âme reçoit une sensation délicieuse, n’est jamais un mauvais tableau[12] ».

Florence Fesneau

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[1] Exposition « Lumières – cartes blanche à Christian Lacroix » du 19 novembre 2014 au 19 avril 2015, sous le commissariat de Christian LACROIX et Rose-Marie MOUSSEAUX, conservateur du patrimoine, directrice du Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, 75003 Paris.
[2] Edmond et Jules GONCOURT, L’art du XVIIIe siècle, Série 3, Paris, Charpentier, 1881 – 1882, p. 242.

[3] Etienne JOLLET, “Gravity in painting: Fragonard’s Perrette and the depiction of innocence”, dans Art history, Vol. 16, Issue 2, June 1993, p. 266 – 285. Voir aussi du même auteur : Figures de la pesanteur. Fragonard, Newton et les plaisirs de l’escarpolette, Paris, Chambon, 1998.
[4] Jules GUIFFREY, Collection des livrets des anciennes expositions depuis 1673 jusqu’en 1800, Paris, Liepmann Sohn et Dufour, 1869 – 1872, « Exposition de 1793 », p. 20 – 21, n° 158.
[5] Philip STEWART, Engraven Desire. Eros, Image, and Text in the French Eighteenth Century, Durham and London, Duke University Press, 1992. Voir en particulier le chapitre 3 : “The Intervisual paradigm”, p. 73 – 102.
[6] Auteur anonyme.
[7] Louis REAU, L’Europe française au siècle des Lumières, Paris, Albin Michel, 1971, p. 179.
[8] Perrin STEIN, Jeanne BOUNIORT, « Le Prince, Diderot et le débat sur la Russie au temps des Lumières », dans Revue de l’Art, n° 112, 1996, p. 16 – 27 ; Marie-Liesse PIERRE-DULAU, « Trois artistes lorrains à Saint-Pétersbourg au XVIIIe siècle », dans POUSSOU, Jean-Pierre, MEZIN, Anne, PERRET-GENTIL, Yves, L’influence française en Russie au XVIIIe siècle, Paris, Presses Université Paris-Sorbonne, 2004, p. 131 – 157.
[9] Michael FRIED, La place du spectateur. Esthétique et origines de la peinture moderne, trad. fr., Paris, Gallimard, 1990, (éd. originale, Absorption and Theatricality. Painting and Beholder in the Age of Diderot, University of California Press, 1980), p. 121 – 122.
[10] Jean-Baptiste Le Prince, Pastorale russe, 1765, collection particulière.
[11] Michael FRIED, Ibid., p. 121.
[12] Denis Diderot, « Salon de 1765 », dans Œuvres complètes, par J. Assézat, Paris, Garnier, 1875 – 1877, t. X, p. 375.