Conférence du GRHAM : “Boucher dans l’espace des lettres” par Christophe Martin (Paris, 17 mai 2018)

Pierre Quentin Chedel d’après François Boucher, Frontispice,
dans Charles Pinot-Duclos, Acajou et Zirphile (1743).

Type : Conférence (entrée libre)

Date et horaire : jeudi 17 mai 2018 à 19h

Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)

Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Alors que Jean Starobinski a magistralement analysé la place de “Diderot dans l’espace des peintres” (Paris, RMN, 1991), il s’agira plus modestement, et en sens inverse, d’indiquer la place de Boucher dans l’espace des lettres. Est-ce tout à fait un hasard que l’on ait si souvent désigné Boucher comme le “Fontenelle de la peinture” ? En s’interrogeant d’abord sur le succès de cette formule, on examinera quelques aspects de cette interaction multiple et complexe de l’oeuvre de Boucher et de la littérature du XVIIIe siècle, en s’intéressant plus particulièrement à trois cas permettant de mesurer à quel point le siècle des Lumières a pu tout à la fois écrire avec et contre Boucher : Acajou et Zirphile de Duclos (1743) ; les Salons de Diderot (1759 – 1767) ; La Nouvelle Héloïse de Rousseau (1761).

Christophe Martin est professeur de littérature française à la Faculté des Lettres de Sorbonne Université et directeur de CELLF (UMR8599). Spécialiste du XVIIIe siècle et en particulier de Fontenelle, Marivaux, Montesquieu, Diderot et Rousseau, ses recherches portent principalement sur les liens entre fiction, anthropologie et philosophie. Il est l’auteur, notamment, de Espaces du féminin dans le roman français du XVIIIe siècle (SVEC, Voltaire Foundation, 2004) ; “Education négative”. Fictions d’expérimentation pédagogique au XVIIIe siècle (Garnier, 2010) ; La Religieuse de Diderot (Gallimard, 2010) ; Mémoires d’une inconnue. Etude de La Vie de Marianne de Marivaux (Rouen, PURH, 2014) ; L’Esprit des Lumières. Histoire, littérature, philosophie (Armand Colin, 2017). Il est directeur-coordinateur des Oeuvres complètes de Rousseau en cours de publication aux éditions Classiques Garnier, et co-directeur de la collection”L’Europe des Lumières” chez le même éditeur.

Appel à publication : Revue Sculptures, No. 5: Voir la sculpture

Louis-Simon Boizot, Méléagre, 1771, 80 x 38 x 53 cm, Paris, musée du Louvre

Type : Appel à publication

Date limite de l’appel : 30 octobre 2017

Appel à contributions pour la partie thématique du numéro 5 (2018) de la revue Sculptures : Voir la sculpture, dirigée par Claire Barbillon

« On éprouve un bien vif plaisir quand on voit un grand ouvrage de sculpture, largement et simplement exécuté. Quand on a bien joui de l’ensemble, on cherche, en se rapprochant, à voir des détails […] c’est pour ainsi dire un voile qu’on lève. Les variations du jour mettent en évidence les détails qui, quelques heures avant, étaient invisibles », écrit David d’Angers. Cette révélation progressive de la sculpture à son regardeur, cette introduction du temps dans l’expérience de la perception de la sculpture sont des enjeux fondamentaux de la modernité qui ont été mis en valeur par nombre d’historiens et de théoriciens de l’art au cours du dernier siècle (Hildebrand, Simmel, Giedion-Welcker, Wittkower, Jauss, Kraus, Potts, parmi d’autres). Continuer la lecture de Appel à publication : Revue Sculptures, No. 5: Voir la sculpture

Publication : “La réception des Vite de Giorgio Vasari dans l’Europe des XVIe-XVIIIe siècles”.

LUCAS FIORATO Corinne (dirs.) et DUBUS Pascale (dirs.), La réception des Vite de Giorgio Vasari dans l'Europe des XVIe-XVIIIe siècles, Genève, Droz, 2016, 520 p.
LUCAS FIORATO Corinne (dirs.) et DUBUS Pascale (dirs.), La réception des Vite de Giorgio Vasari dans l’Europe des XVIe-XVIIIe siècles, Genève, Droz, 2016, 520 p.

Présentation de l’éditeur :

« Ce sont vos écrits qui m’ont donné envie d’apprendre cette langue ». La langue est l’italien, les écrits sont la première édition des Vite de Vasari et l’auteur de cette lettre est un Flamand, Lambert Lombard, artiste et lettré renommé. La diffusion européenne des Vite fut immédiate, mais leur réception ne fut pas toujours aussi élogieuse. Les deux éditions du texte (1550 et 1568) déclenchèrent des réactions en tous genres, car elles suscitèrent des discours ekphrastiques, théoriques, historiographiques et critiques sur les arts figuratifs en Europe qui n’ont rien perdu de leur actualité. Les contributions rassemblées ici mettent en évidence la variété et la dynamique de la réception, entre les XVIe et XVIIIe siècles, de cette œuvre hybride, source d’imitations, d’adaptations, de plagiat, de traductions et, bien sûr, d’inspiration. On reçut encore les Vite comme une œuvre à la gloire de Florence, un recueil d’histoires romanesques et même la matrice d’un nouveau vocabulaire artistique. Le lecteur découvrira tout au long des chapitres les voies empruntées par ceux qui contribuèrent à construire l’histoire des arts européens en référence à ce monument fondateur.

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Recension d’ouvrage: catalogue de l’exposition “Hubert Robert (1733-1808), un peintre visionnaire” (Louvre, 9 mars – 30 mai 2016)

          L’exposition organisée au musée du Louvre, en association avec la National Gallery of Art de Washington, du 9 Mars 2016 au 30 Mai 2016 est la première manifestation consacrée à l’ensemble de la carrière d’Hubert Robert (1733-1808) depuis 1933[i]. Le commissaire de l’exposition, Guillaume Faroult, et ses collaborateurs, ont réuni dans le Hall Napoléon un ensemble exceptionnel de cent quarante œuvres (peintures, dessins, gravures, objets d’art), issues des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers. La muséographie suggère sans excès une architecture factice en rapport avec la qualité de « peintre d’architecture » d’Hubert Robert. Ses œuvres se répartissent dans quinze espaces consacrés à une thématique propre.

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre
fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

Dans chaque espace, un grand cartel adossé au mur rappelle les ruines peintes par l’artiste, à moins qu’il ne fasse écho au détail d’un célèbre tableau où le peintre se représente en bas à droite face à sa toile posée de biais devant la Sainte Famille de Raphaël qu’il est entrain de copier dans la Grande galerie du Louvre (fig. 1). Dans un cas comme dans l’autre, la muséographie vient renforcer le lien entre les ruines, dont Hubert Robert est le plus célèbre interprète français du XVIIIe siècle, et le Louvre, dont il assure la conservation des œuvres d’art durant la transformation progressive du palais en musée des beaux-arts.

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Hommage à René Démoris.

Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nature morte avec brioche, huile sur toile, 56 x 47 cm, Paris, musée du Louvre
Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nature morte avec brioche, 1763, huile sur toile, 56 x 47 cm, Paris, musée du Louvre

Professeur émérite à l’Université de Paris III, René Démoris s’est éteint le 5 janvier 2016.

René Démoris s’est fait connaître par son étude du roman à la première personne auquel il avait consacré sa thèse ; dans Le roman à la première personne : Du Classicisme aux Lumières (régulièrement rééditée chez Droz), il explore les mémoires de l’époque classique qui se développent en prenant pour modèle le roman picaresque espagnol avant de se transformer, chez Marivaux et Prévost, en romans à la première personne. Au travers de ces œuvres, Démoris étudie les mutations sociales, culturelles et politiques qui permettront l’éclosion de l’individu, consacré par les Confessions de Jean-Jacques Rousseau.

En tant qu’éditeur scientifique, préfacier ou postfacier, Démoris a permis aux amateurs de textes de la période classique de découvrir ou redécouvrir le Chevalier de Mouhy (Les Mémoires d’Anne-Marie de Moras[1], La mouche ou Les aventures de M. Bigand[2]), Marie-Catherine-Hortense de Villedieu (Mémoires de la vie de Henriette-Sylvie de Molière[3]), César de Saint Réal (De l’Usage de l’histoire, 1671[4]), Robert Challe (Les illustres Françaises[5]), Antoine François Prévost (La jeunesse du commandeur[6]), Gatien de Courtilz de Sandras (Mémoires de monsieur le marquis de Montbrun[7]) et encore Casanova (Histoire de ma vie, 1789[8]).

Fin connaisseur de la peinture des XVIIe et XVIIIe siècles, Démoris s’est intéressé aux théoriciens, critiques d’art et artistes de cette même période, en publiant – entre autres –  Félibien : Entretiens sur les vise et sur les ouvrages des plus excellents peintres anciens et modernes[9], et Chardin, la chair et l’objet[10], et en dirigeant ou collaborant à nombreux ouvrages et actes de colloques tels que Les fins de la peinture[11], Folies romanesques au siècle des Lumières[12] avec Henri Lafon, La peinture en procès[13] avec Florence Ferran, ou encore Violence du rococo[14] aux côtés de Jacques Berchtold et Christophe Martin.

Dans Chardin, la chair et l’objet, Démoris relève la proximité de pensée entre le peintre et Diderot, le « théâtre d’objets[15] » de l’un s’accordant à la théorie de la sensibilité de la matière de l’autre, tel qu’exposée dans le Rêve de d’Alembert. Mais Démoris souligne aussi comment l’émerveillement de Diderot devant les œuvres de Chardin, réduit l’écrivain au silence, parce que celles-ci se situent peut-être « Du côté d’une certaine mort au monde?[16] ».

Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Panier de prunes, vers 1765, huile sur toile, 12,75 x 16,5 cm, Norfolk, Chrysler Museum of Art.
Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Panier de prunes, vers 1765, huile sur toile, 12,75 x 16,5 cm, Norfolk, Chrysler Museum of Art.

Florence Fesneau

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[1] Paris, Desjonquères, 2006.

[2] Paris, Ed. Classiques Garnier, 2010.

[3] Paris, Dejonquères, 2003.

[4] Villeneuve-d’Ascq, GERL 17-18, 1980.

[5] Paris, Classiques Garnier, 2014.

[6] Paris, Genève, Slatkine, 1996.

[7] Paris, Desjoncquères, 2004.

[8] Paris, Garnier Flammarion, 1977.

[9] Paris, Les Belles Lettres, 1987.

[10] Paris, Biro, 1991.

[11] Paris, Desjonquères, 1989

[12] Paris, Desjonquères, 1998.

[13] Paris, Presses Sorbonne nouvelle, 2001.

[14] Bordeaux, Presses Universitaires de Bordeaux, 2012.

[15] Chardin, la chair et l’objet, Paris, Biro, 1991, p. 149.

[16] René Démoris, « L’Image. Chardin et la nature morte : pouvoirs illégitimes ? » dans Pouvoirs de l’Image, Topique n°53, Dunod, 1994.

 

 

Publication : Noah’s Ark. Essays on Architecture.

DAMISCH Hubert, Noah’s Ark : Essays on Architecture,  Cambridge, The MIT Press, 2016, 392 p.
DAMISCH Hubert, Noah’s Ark : Essays on Architecture, Cambridge, The MIT Press, 2016, 392 p.

Présentation de l’éditeur :

Trained as an art historian but viewing architecture from the perspective of a “displaced philosopher,” Hubert Damisch in these essays offers a meticulous parsing of language and structure to “think architecture in a different key,” as Anthony Vidler puts it in his introduction. Drawn to architecture because it provides “an open series of structural models,” Damisch examines the origin of architecture and then its structural development from the nineteenth through the twenty-first centuries. He leads the reader from Jean-François Blondel to Eugène Viollet-le-Duc to Mies van der Rohe to Diller + Scofidio, with stops along the way at the Temple of Jerusalem, Vitruvius’s De Architectura, and the Louvre. In the title essay, Damisch moves easily from Diderot’s Encylopédie to Noah’s Ark (discussing the provisioning, access, floor plan) to the Pan American Building to Le Corbusier to Ground Zero. Noah’s Ark marks the origin of construction, and thus of architecture itself. Diderot’s Encylopédie entry on architecture followed his entry on Noah’s Ark; architecture could only find its way after the Flood.

In these thirteen essays, written over a span of forty years, Damisch takes on other histories and theories of architecture to trace a unique trajectory of architectural structure and thought. The essays are, as Vidler says, “a set of exercises” in thinking about architecture.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Colloque international interdisciplinaire des 17 avril et 18 avril 2015 à Budapest

 

Jean-Honoré Fragonard, Le Songe d’amour du guerrier, avant 1785, huile sur toile, 61,5 x 50,5 cm, Paris, musée du Louvre.
Jean-Honoré Fragonard, Le Songe d’amour du guerrier, avant 1785, huile sur toile, 61,5 x 50,5 cm, Paris, musée du Louvre.

Sous l’égide de l’Université Catholique Pazmany Peter s’est tenu à Budapest les 17 et 18 avril derniers, un colloque ayant pour thème : « L’homme qui rêve – expérience des frontières ». L’objectif de ce colloque étaient, tel que précisé par ses organisatrices Aniko Adam et Aniko Radvanszky, d’interroger les frontières et les fonctions historiques, culturelles, sociologiques et anthropologiques du rêve, ainsi que les relations que le rêve entretient avec la créativité. Venant de tous horizons géographiques et universitaires, une soixantaine de participants ont pu s’exprimer et échanger sur ce sujet en français, anglais et hongrois.

La séance introductive présidée par le vice-doyen de l’Université, Karoly Pinter, et ouverte par Simon M. Wortham (Faculty of Arts and Social Sciences, Kingston University) a permis de positionner les enjeux philosophiques d’un questionnement sur le sommeil. En effet Simon M. Wortham a récemment publié The Poetics of sleep : from Aristotle to Nancy (2013) dans lequel il interroge la façon dont le sommeil peut constituer une limite à l’imagination philosophique. Il questionne aussi la relégation du sommeil aux frontières de l’étude physiologique qui a eu pour conséquence de promouvoir une investigation critique des rêves comme facteur clef d’une certaine modernité.  Et il articule une poétique du sommeil pour laquelle il convoque non seulement Aristote, Kant et Freud, mais encore – sans pouvoir tous les citer – Bergson, Derrida et Nancy, ainsi que le poète Celan et les écrivains Blanchot et Beckett.

Parmi les nombreuses sessions qui ont animées ces deux journées, on citera plus particulièrement celles qui ont données lieu à communication sur les XVIIe et XVIIIe siècles. Elena Ciocoiu (Université Paris-Sorbonne, CELLF 16-18) a présenté une communication ayant pour titre « Pour une approche comparatiste de l’imaginaire baroque du rêve » et traitant essentiellement du Songe d’une nuit d’été de Shakespeare et de La vie est un songe de Calderone. Lors de sa présentation « Rêver au temps des Lumières : un art difficile », Florence Fesneau (doctorante en Histoire de l’Art, université Paris I Panthéon Sorbonne) a cherché à s’interroger sur le faible nombre de tableaux illustrant le thème du rêve autrement que par la présence solitaire d’un dormeur ou d’une dormeuse. Nadège Langbour (Docteur ès lettres modernes, Université de Rouen) s’est livrée à une analyse précise des nombreuses façons dont Diderot aborde, dans ses écrits, le sommeil et le rêve, au cours de sa communication « Diderot et l’écriture du rêve : une expérience de la disparition des frontières », tandis que Katalin Kovacs a approfondi la notion de paysage de rêve et les promenades que l’on peut y faire dans sa présentation « Paysages de rêve dans la peinture française du XVIIIe siècle : Vernet et Robert à la lumière de la critique d’art de Diderot. ».

Les organisatrices sélectionneront une partie des communications écrites afin de permettre la publication ultérieure (date non connue) des actes du colloque.

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