PARRET Herman, La main et la matière, Paris, Hermann Philosophie, 2018.
Présentation de l’éditeur :
Comment la main donne-t-elle forme à la matière dans la pratique artistique ? Comment concevoir leur rapport dans la genèse d’une œuvre d’art ? Le présent ouvrage propose une relecture de la pensée esthétique à partir de questions durablement escamotées par ses historiens. Au revers de l’oculocentrisme dominant s’est développée en effet, dès la naissance de l’esthétique au XVIIIe siècle, comme la face occulte d’un Janus, une haptologie de l’œuvre d’art qui détermine l’expérience esthétique comme essentiellement sensorielle et corporelle, et la pratique artistique comme le cheminement de la main trouvant son chemin au cœur de la matière.
Herman Parret retrace l’histoire de cette esthétique haptologique et en analyse les concepts-clés à travers une relecture des textes fondamentaux, de Baumgarten à Lyotard, en passant par Lessing, Diderot, Kant, Herder, Nietzsche, Riegl, Husserl, Merleau-Ponty, Jean d’Udine, Henri Focillon et Gilles Deleuze. Il montre comment l’hypothèse haptologique s’immisce dans le cadre général de réflexion de ces penseurs et finit toujours par s’y justifier, dégageant une continuité méconnue sur plus de deux siècles d’esthétique philosophique.
Herman Parret est professeur émérite de philosophie du langage et d’esthétique à l’université de Louvain (KU Leuven). Ses publications concernent la pragmatique linguistique et philosophique, la sémiotique textuelle et visuelle, l’épistémologie de la linguistique et de la sémiotique, et l’esthétique philosophique.
Edme Bouchardon, Faune endormi, 1726-1730, marbre, 1,84 x 1,42 x 1,19 m, Paris, musée du Louvre.
Type : journée d’étude. Date de la manifestation : mercredi 16 novembre 2016 à partir de 10h. Lieu : Paris, auditorium du musée du Louvre.
Programme :
Introduction par Guilhem Scherf et Juliette Trey, musée du Louvre.
Matin
Président de séance : Edouard Kopp, Fogg Museum, Harvard.
10h Boucher et Bouchardon dessinateurs par Alastair Laing, the National Trust, Londres.
10h30 Edme Bouchardon et Gabriel Huquier : l’artiste et son éditeur par Peter Fuhring, Fondation Custodia, Paris.
11h Hommage ou exercice ? Les copies d’Edme Bouchardon par Pierre Charles Trémolières et Louis Claude Vassé par Juliette Trey, musée du Louvre.
11h30 Vassé (1717-1772) et Bouchardon. L’oeuvre d’un élève au regard de celle de son maître par Alexandra Michaud, université Paris-Sorbonne.
12h Un duel d’autorité. Caylus, Diderot et la vie d’Edme Bouchardon par Valérie Kobi, université de Bielefeld.
12h30 Questions.
Après-midi
Président de séance : Anne-Lise Desmas, Getty Museum, Los Angeles.
14h30 « Ce n’est pas là de la sculpture ». Edme Bouchardon et Jean-Baptiste Lemoyne : rivalités et émulation par Cécilie Champy-Vinas, Petit Palais, Paris.
15h Bouchardon et Pigalle : deux fortes personnalités, une estime réciproque par Guilhem Scherf, musée du Louvre.
15h30 Un cas exemplaire du goût Mariette : les dessins d’Hubert Robert d’après Bouchardon par Sarah Catala, université Lille 3.
16h La permanence du goût pour les dessins de Bouchardon. Jean-Baptiste Lucien (c. 1748-1806) et les graveurs en manière de crayon de la seconde génération par Sophie Raux, université Lyon 2.
16h30 1792-2007. La constitution du fonds Bouchardon au musée de Chaumont : oeuvres et archives par Raphaële Carreau, musées de Chaumont.
FRIPP Jessica (dirs.), GORSE Amandine (dirs.), MANCEAU Nathalie (dirs.), et STRUCKMEYER Nina (dirs.), Artistes, savants et amateurs : Art et sociabilité au XVIIIe siècle (1715–1815), Paris, Mare et Martin, 2016, 296 p.
Présentation de l’éditeur :
La notion de sociabilité a fait l’objet, depuis quelques années, d’un renouvellement historiographique important. La complexité de cette notion impose pour son étude une approche pluridisciplinaire qui fasse appel aussi bien à la sociologie qu’à la philosophie, à l’anthropologie qu’à l’histoire de l’art.
Ce volume rassemble des études de spécialistes internationaux et explore la diversité des échanges sociaux dans le monde artistique du XVIIIe siècle. En examinant la sociabilité des divers acteurs de la création artistique, ces textes analysent les réseaux formés par le commerce des objets matériels, à travers l’étude des collections, du marché de l’art ou des expositions, et par le commerce des idées, à travers l’étude des écrits sur l’art et de l’art de la conversation. Le rôle des pratiques sociales au sein de la sphère publique dans l’évolution de la production artistique et des échanges matériels, économiques et intellectuels constitue donc l’objet de cet ouvrage collectif.
L’exposition organisée au musée du Louvre, en association avec la National Gallery of Art de Washington, du 9 Mars 2016 au 30 Mai 2016 est la première manifestation consacrée à l’ensemble de la carrière d’Hubert Robert (1733-1808) depuis 1933[i]. Le commissaire de l’exposition, Guillaume Faroult, et ses collaborateurs, ont réuni dans le Hall Napoléon un ensemble exceptionnel de cent quarante œuvres (peintures, dessins, gravures, objets d’art), issues des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers. La muséographie suggère sans excès une architecture factice en rapport avec la qualité de « peintre d’architecture » d’Hubert Robert. Ses œuvres se répartissent dans quinze espaces consacrés à une thématique propre.
fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre
Dans chaque espace, un grand cartel adossé au mur rappelle les ruines peintes par l’artiste, à moins qu’il ne fasse écho au détail d’un célèbre tableau où le peintre se représente en bas à droite face à sa toile posée de biais devant la Sainte Famille de Raphaël qu’il est entrain de copier dans la Grande galerie du Louvre (fig. 1). Dans un cas comme dans l’autre, la muséographie vient renforcer le lien entre les ruines, dont Hubert Robert est le plus célèbre interprète français du XVIIIe siècle, et le Louvre, dont il assure la conservation des œuvres d’art durant la transformation progressive du palais en musée des beaux-arts.
La récente réouverture du musée Cognacq-Jay – qui célèbre la fin de ses travaux de rénovation en donnant carte blanche à Christian Lacroix[1] – est aussi l’occasion de découvrir, ou de redécouvrir, les collections XVIIIe qu’accueille le petit hôtel de Donon. Constituées par le fondateur de la Samaritaine, Ernest Cognacq, et son épouse, Marie-Louise Jay, ces collections offrent un ensemble cohérent de tableaux, de sculptures mais aussi d’objets d’art ; petits meubles, bel ensemble de porcelaines de Meissen, importante collection de boîtes en or et objets de vertu. Elles ont, de plus, suscité nombre d’études, dont certaines sont évoquées ici et qu’un regard nouveau pourrait poursuivre.
Les trois grandes figures de la peinture du XVIIIe siècle sont, bien entendu, représentées au musée Cognacq-Jay : Boucher avec Le Repos des nymphes au retour de la chasse (1745), Chardin avec une Nature morte au chaudron de cuivre (1734 – 1735) et Fragonard, « le conteur libre, l’amoroso galant, païen, badin, de malice gauloise, de génie presque italien, d’esprit français[2] », avec Perrette et le pot au lait (1770). C’est la double chute morale et physique de cette laitière qu’analyse Etienne Jollet dans son article de 1993[3] en ouvrant sa réflexion sur le caractère énigmatique de l’œuvre telle que la perçoit Adorno. Un pas de plus, et les conséquences de la loi de la gravité deviennent dramatiques ; c’est ce qu’illustre L’Accident (1793) d’Hubert Robert dans lequel « Un jeune Homme ayant grimpé au haut d’un Monument antique, pour cueillir des fleurs & les jetter à des jeunes Femmes, tombe dans un tombeau, qui, parmi d’autres débris d’antiquité, se trouve au pied du Monument[4] ».
Sur un registre plus léger, Philip Stewart[5] utilise les œuvres du musée Cognacq-Jay pour alimenter sa réflexion sur le paradigme intervisuel qui se constitue au XVIIIe siècle entre le livre – qui ressort de plus en plus de l’intime – et son lecteur : ainsi cette petite statue d’une Femme lisant[6] tout en ayant la poitrine à moitié découverte, ou encore ces deux versions du Repentir tardif (1790) de Lavreince. Dans l’une de ces gouaches, le guéridon renversé, accompagné d’un vase brisé et d’une bougie en morceaux, rappelle l’excitation qui a précédé ce qui a donné le titre de l’œuvre, tandis que dans l’autre, le livre ouvert qui git au pied du lit semble indiquer la cause – bien plus que le résultat – de l’activité passée de la femme repentante.
Enfin, Le Joueur de balalaïka (1764) permet d’interroger ce qu’il est convenu d’appeler les « russeries[7] » de Le Prince. Celui-ci s’en serait servi pour illustrer ses réflexions sur la société française, tandis que Diderot, au travers des critiques qu’il formule à leur encontre, aurait ainsi exposé ses opinions sur les réformes russes[8].
Mais, à la fin de cette rapide – et trop sélective – visite du musée Cognacq-Jay, c’est, sans doute, sur la place du spectateur qu’il convient de conclure en rappelant que Michael Fried[9] évoque, entre autres, une Pastorale russe[10] de Le Prince – proche, dans sa conception, du Joueur de balalaïka – pour développer son thème de l’absorbement, qui ne manquera pas de saisir le visiteur du musée Cognacq-Jay, à l’instar de Diderot qui, une fois « entré dans le tableau[11] », écrit : « Je me trouve bien là…Un tableau avec lequel on raisonne ainsi, qui vous met en scène, et dont l’âme reçoit une sensation délicieuse, n’est jamais un mauvais tableau[12] ».
[1] Exposition « Lumières – cartes blanche à Christian Lacroix » du 19 novembre 2014 au 19 avril 2015, sous le commissariat de Christian LACROIX et Rose-Marie MOUSSEAUX, conservateur du patrimoine, directrice du Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, 75003 Paris. [2] Edmond et Jules GONCOURT, L’art du XVIIIe siècle, Série 3, Paris, Charpentier, 1881 – 1882, p. 242. [3] Etienne JOLLET, “Gravity in painting: Fragonard’s Perrette and the depiction of innocence”, dans Art history, Vol. 16, Issue 2, June 1993, p. 266 – 285. Voir aussi du même auteur : Figures de la pesanteur. Fragonard, Newton et les plaisirs de l’escarpolette, Paris, Chambon, 1998. [4] Jules GUIFFREY, Collection des livrets des anciennes expositions depuis 1673 jusqu’en 1800, Paris, Liepmann Sohn et Dufour, 1869 – 1872, « Exposition de 1793 », p. 20 – 21, n° 158. [5] Philip STEWART, Engraven Desire. Eros, Image, and Text in the French Eighteenth Century, Durham and London, Duke University Press, 1992. Voir en particulier le chapitre 3 : “The Intervisual paradigm”, p. 73 – 102. [6] Auteur anonyme. [7] Louis REAU, L’Europe française au siècle des Lumières, Paris, Albin Michel, 1971, p. 179. [8] Perrin STEIN, Jeanne BOUNIORT, « Le Prince, Diderot et le débat sur la Russie au temps des Lumières », dans Revue de l’Art, n° 112, 1996, p. 16 – 27 ; Marie-Liesse PIERRE-DULAU, « Trois artistes lorrains à Saint-Pétersbourg au XVIIIe siècle », dans POUSSOU, Jean-Pierre, MEZIN, Anne, PERRET-GENTIL, Yves, L’influence française en Russie au XVIIIe siècle, Paris, Presses Université Paris-Sorbonne, 2004, p. 131 – 157. [9] Michael FRIED, La place du spectateur. Esthétique et origines de la peinture moderne, trad. fr., Paris, Gallimard, 1990, (éd. originale, Absorption and Theatricality. Painting and Beholder in the Age of Diderot, University of California Press, 1980), p. 121 – 122. [10] Jean-Baptiste Le Prince, Pastorale russe, 1765, collection particulière. [11] Michael FRIED, Ibid., p. 121. [12] Denis Diderot, « Salon de 1765 », dans Œuvres complètes, par J. Assézat, Paris, Garnier, 1875 – 1877, t. X, p. 375.