Appel à communication : Session at Historians of Netherlandish Art Conference

Jean-Baptiste Martin, dit Martin des Batailles, Assemblée ordinaire de l’Académie royale de peinture & sculpture au Louvre, 1712 – 1721,huile sur toile, 30 x 42 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : Appel à communication

Date limite de l’appel : 31 mai 2017

Date de l’événement : 24 – 26 mai 2018

Lieu : Gand

Pevsner’s Blind Spots. Organization and Representation of Art Academies in the Northern and Southern Netherlands

Organizers: Nils Büttner, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, nils.buettner@abk-stuttgart.de ; Birgit Ulrike Münch, Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn, bmuench@uni-bonn.de

Nicolaus Pevsner’s Academies of Art. Past and Present was first published in 1940. Without a doubt, his Academies is still a standard reference work. Nevertheless, it consolidated the alleged incompatibility of the Netherlandish and the French / Italian art system and hereby created a gap and hierarchy between the different art academies still recognizable in recent research. Pevsner’s largely idealized description of the French Academy was already in contrast to the situation in Antwerp. But above all, the Northern Netherlands appear to be diametrically opposed to this ideal. Pevsner exemplified his concept based on the artists Rembrandt and Charles LeBrun and regarded the Dutch group of buyers as characterized by a less developed tradition in matters of art collecting as well as a less trained ability to judge art and as having a much simpler taste. This, according to Pevsner, had damaging consequences: To satisfy the taste of these amateurs on a shapeless anonymous art market the Netherlandish artists were often forced to produce a huge amount of paintings of low quality. Continuer la lecture de Appel à communication : Session at Historians of Netherlandish Art Conference

Compte rendu d’exposition: “Le Grand Condé. Le Rival du Roi-Soleil ?” (Chantilly, Musée Condé, octobre 2016 – janvier 2017)

Juste d’Egmont, Portrait de Louis II de Bourbon, prince de Condé, dit le Grand Condé , en habit, huile sur toile, 146 x 110 cm, Chantilly, musée Condé.
Juste d’Egmont, Portrait de Louis II de Bourbon, prince de Condé, dit le Grand Condé, en habit, huile sur toile, 146 x 110 cm, Chantilly, musée Condé.

Les visites organisées par le GRHAM ont conduit ses membres et adhérents à Chantilly où Mathieu Deldicque[1] nous a reçus pour une passionnante visite de l’exposition dont il est le commissaire : Le Grand Condé. Le Rival du Roi-Soleil ?[2]

Comme l’explique Mathieu Deldicque, il ne s’agit pas tant de répondre à cette question – qui a pu avoir toute son actualité lors du parcours frondeur et guerrier de ce prince – que de sensibiliser le public au rôle éminent – et aujourd’hui partiellement oublié – qu’a joué Louis II de Bourbon (1621 – 1686) dans la France de Louis XIV.

Plutôt que de suivre une chronologie linéaire, l’exposition met en valeur la personnalité ombrageuse et complexe du Grand Condé en organisant le parcours sous deux thématiques qui présentent, d’une part, le militaire, et d’autre part, l’homme de goût, ou, d’un côté, le personnage héroïque et glorieux (malgré ses trahisons) et, de l’autre, le lettré curieux, le grand collectionneur et l’organisateur de fêtes somptueuses avec son maître d’hôtel Vatel. La scénographie marque cette division. De plus, elle anime le parcours par des témoignages sonores – qui savent néanmoins rester discrets – et prend soin d’évoquer le mobilier en habillant les vitrines-tables d’un silhouettage de piétements de l’époque.

Le personnage du Grand Condé est évoqué de manière vivante non seulement au travers de nombreux portraits peints, gravés ou sculptés par les meilleurs artistes de l’époque, mais aussi au travers de tableaux de bataille et de trophées de guerre. Le Drapeau dit de Rocroi (car les experts ne s’accordent pas tous sur la bataille à laquelle il fut pris) est un témoignage précieux – il s’agit d’une soie de très grandes dimensions – et rare – des centaines de drapeaux furent brûlés en 1814 pour échapper aux prises de guerre prussiennes – des victoires du Grand Condé.

Drapeau dit de Rocroy, soie peinte, Chantilly, musée Condé.
Drapeau dit de Rocroy, soie peinte, Chantilly, musée Condé.

Prêtée pour l’occasion par le Mobilier National, la tenture de La Marche de la cavalerie commandée par Condé est un remarquable exemple de « tapisserie de peinture » ; une peinture réalisée sur tissu cannelé à chaîne de soie et trame de lin qui a conservé toute la fraîcheur de ses coloris. Elle fait partie d’un ensemble de cinq pièces, réalisé d’après les cartons d’Adam-Frans Van der Meulen, les encadrements étant dessinés par Charles Le Brun et François Verdier et les fleurs et fruits par Jean-Baptiste Monnoyer. La tenture commémore un haut fait de gloire du Grand Condé, qui, lors de la guerre de Hollande, choisit de traverser le Rhin à guet plutôt que d’attendre la construction d’un pont de bateaux, afin de contourner la ligne de défense de Guillaume d’Orange.

Manufacture des Gobelins, atelier de François Bonnemer, d’après Adam-Frans van der Meulen, Charles Le Brun et François Verdier, La marche de la cavalerie commandée par Condé, tapisserie de peinture, Paris, Mobilier national.
Manufacture des Gobelins, atelier de François Bonnemer, d’après Adam-Frans van der Meulen, Charles Le Brun et François Verdier, La marche de la cavalerie commandée par Condé, tapisserie de peinture, Paris, Mobilier national.

Outre les faits de guerre, l’exposition s’attache à montrer l’intérêt que le Grand Condé porte aux Arts, fréquentant des esprits originaux comme La Motte le Vayer, Gassendi ou encore Duverney, accueillant Mignard puis Le Brun, et protégeant, entre autres, Molière au cours de la querelle contre Tartuffe et Racine lors de la querelle contre Phèdre.

Dernier témoignage de la grandeur et de l’éclat du Grand Condé à son époque, le cérémonial, qui célèbre le décès de ce premier Prince de sang (il s’éteint à Fontainebleau le 11 décembre 1686), semble être resté à jamais gravé dans la mémoire des contemporains. Dans sa lettre du 10 mars 1687, Mme de Sévigné écrit : « Voici encore de la mort et de la tristesse, mon cher cousin. Mais le moyen de ne pas vous parler de la plus belle, de la plus magnifique et de la plus triomphante pompe funèbre qui ait jamais été faite depuis qu’il y a des mortels ? C’est celle de feu Monsieur le Prince, qu’on a faite aujourd’hui à Notre-Dame ». Et pour la cérémonie commémorative se déroulant dans la cathédrale Notre-Dame   habillée d’un décor grandiose savamment orchestré par la famille Condé, Bossuet n’hésite pas à se lancer dans un véritable panégyrique du Grand Condé en commençant son oraison funèbre par cette question : « Quelle partie du monde habitable n’a pas ouï les victoires du prince de Condé, et les merveilles de sa vie ? ».

Pour y répondre positivement, il semble urgent de se rendre à Chantilly afin de renouer connaissance avec le Grand Condé !

Jean Dolivar d’après Jean I Bérain l’Ancien, Décoration funèbre de la chapelle de Condé dans l'église de la maison professe des jésuites de Paris pour l'inhumation du cœur du Grand Condé en 1687, après 1687, gravure, 47 x 36,2 cm, Versailles, musée national du Château de Versailles et de Trianon.
Jean Dolivar d’après Jean I Bérain l’Ancien, Décoration funèbre de la chapelle de Condé dans l’église de la maison professe des jésuites de Paris pour l’inhumation du cœur du Grand Condé en 1687, après 1687, gravure, 47 x 36,2 cm, Versailles, musée national du Château de Versailles et de Trianon.

Florence Fesneau

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[1] Conservateur du patrimoine au musée Condé – Domaine de Chantilly.

[2] Jusqu’au 2 janvier 2017, dans la salle du Jeu de Paume

Publication : “The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV”.

 

BURCHARD Wolf, The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV, Londres,Paul Holberton Publishing, novembre 2016, 248 p.
BURCHARD Wolf, The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV, Londres, Paul Holberton Publishing, novembre 2016, 248 p.

Présentation de l’éditeur :

This monograph examines the wide artistic production of Louis XIV’s most prolific and powerful artist, Charles Le Brun (1619–1690), illustrating the magnificence of his paintings and focusing particularly on the interiors and decorative art works produced according to his designs.

In his joint capacities of Premier peintre du roi, director of the Gobelins manufactory and rector of the Académie royale de peinture et de sculpture, Le Brun exercised a previously unprecedented influence on the production of the visual arts – so much so that some scholars have repeatedly described him as ‘dictator’ of the arts in France. The Sovereign Artist explores how Le Brun operated in his diverse fields of activities, linking and juxtaposing his portraiture, history painting and pictorial theory with his designs for architecture, tapestries, carpets and furniture. It argues that Le Brun sought to create a repeatable and easily recognizable visual language associated with Louis XIV, in order to translate the king’s political claims for absolute power into a visual form. How he did this is discussed through a series of individual case studies ranging from Le Brun’s lost equestrian portrait of Louis XIV, and his involvement in the Querelle du coloris at the Académie, to his scheme for 93 Savonnerie carpets for the Grande Galerie at the Louvre, his Histoire du roy tapestry series, his decoration of the now destroyed Escalier des Ambassadeurs at Versailles and the dramatic destruction of the Sun King’s silver furniture. Continuer la lecture de Publication : “The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV”.

Compte rendu d’exposition: “Charles Le Brun le peintre du Roi-Soleil” (musée du Louvre-Lens, mai – août 2016)

Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661, huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre
Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661, huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre

Le GRHAM s’est rendu au musée du Louvre-Lens le lundi 6 juin 2016 pour visiter l’exposition consacrée à « Charles Le Brun (1619-1690), le peintre du Roi-Soleil », ainsi que les collections semi-permanentes installées dans la Galerie du temps. A cette occasion, il a également été possible de découvrir les réserves et les œuvres actuellement en cours de restauration. L’association remercie chaleureusement l’accueil qui a été réservé à ses membres par Fabien Dufoulon, responsable du Centre de ressources du musée, et Caroline Chenu, régisseur des œuvres du musée.

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Colloque : Nouveaux regards sur Charles Le Brun

Charles Le Brun, Le Sacrifice de Polyxène, 1647, huile sur toile, 171 x 131 cm, New York, The Metropolitan Museum of Art
Charles Le Brun, Le Sacrifice de Polyxène, 1647, huile sur toile, 171 x 131 cm, New York, The Metropolitan Museum of Art

Type : Colloque
Dates : 26, 27 et 28 mai 2016
Lieux : Ecole du Louvre, Musée du Louvre-Lens, Château de Vaux-le-Vicomte
Programme : Télécharger ici

Charles Le Brun est l’un de ces grands artistes qui incarnent à eux seuls une époque. Il fait aujourd’hui l’objet de nombreuses et importantes recherches menées par une nouvelle génération d’historiens de l’art. Ce colloque leur donne la parole, et sera ainsi l’occasion de montrer l’actualité de la recherche sur Charles Le Brun dans les différents domaines de son activité créatrice. Les décors du château de Vaux-le-Vicomte, qui accueillera une journée du colloque, feront l’objet de communications spécifiques. Seront également présentées les principales restaurations passées, en cours et à venir (Louvre, Sceaux, Versailles, Vaux-le-Vicomte) ainsi que leurs enjeux, leurs méthodes et leurs enseignements.

Colloque organisé par le Musée du Louvre-Lens, le Château de Vaux-le-Vicomte et l’École du Louvre.

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Conférence du GRHAM : “Les Ambitions d’Elisabeth-Sophie Chéron (1648-1711), femme artiste au Grand Siècle”.

Elisabeth-Sophie Chéron, Autoportrait de l'artiste, XVIIe-XVIIIe siècle, huile sur toile, 88 x 73 cm, Paris, musée du Louvre.
Elisabeth-Sophie Chéron, Autoportrait de l’artiste, XVIIe-XVIIIe siècle, huile sur toile, 88 x 73 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : mardi 22 mars 2016 de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Peintre et miniaturiste spécialisée dans la pratique du portrait, graveur, musicienne, poétesse et traductrice, Élisabeth-Sophie Chéron (1648-1711) suscite l’admiration de ses contemporains en raison de ses nombreux talents. Bénéficiant de la protection de Charles Le Brun, elle est la quatrième femme à être reçue au sein de l’Académie royale de peinture et de sculpture; elle a également l’honneur d’être admise dans l’Académie des Ricovrati à Padoue.

Faisant preuve d’une curiosité intellectuelle inhabituelle pour une femme de son époque, elle expérimente des techniques diverses et passe pour une personnalité atypique dans le monde académique. Ses ambitions transparaissent notamment à travers l’élaboration de deux ouvrages qu’elle vient présenter à l’Académie royale : un Livre à dessiner composé de testes tirées des plus beaux ouvrages de Raphaël destiné à la formation des jeunes artistes et les Pierres antiques gravées, recueil destiné à un public d’amateurs, contenant des estampes exécutées d’après les plus célèbres pierres dures alors conservées dans les collections françaises.

Cette conférence sera l’occasion de renouveler sa biographie à la lumière de documents inédits et de lui ré-attribuer un certain nombre d’œuvres.

Docteur en histoire de l’art et chargée de cours à la Manufacture des Gobelins, Frédérique Lanoë travaille actuellement au catalogue raisonné de l’œuvre de Philippe et Jean-Baptiste de Champaigne. A l’occasion de l’exposition Trois Maîtres du dessin qui s’est tenue au musée de Port-Royal en 2009, elle a rédigé le catalogue raisonné des dessins de Philippe de Champaigne, de Jean-Baptiste de Champaigne et de Nicolas de Plattemontagne. Spécialisée dans l’étude de de la peinture et du dessin du XVIIe siècle, elle a été commissaire de l’exposition 1704, le Salon les arts et le roi (Sceaux, musée de l’Île-de-France, mars-juin 2013), et participe à l’organisation de l’exposition Le Nain qui se tiendra aux musées de Fort Worth, de San Francisco et au Louvre-Lens de mai 2016 à juin 2017. Elle fait partie des membres fondateurs de l’association Bella Maniera qui vise à promouvoir l’étude du dessin ancien.

Publication : Revue de l’Art – n° 190 – 2015-4 – “L’art au temps de Louis XIV”.

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Présentation de l’éditeur :

Editorial :

Marianne Cojannot-Le Blanc :
Apprécier les arts du règne de Louis XIV : une gageure pour notre temps ?

Etudes :

Marie Pauline Martin :
Le Cabinet des Beaux-arts de Charles Perrault : le monument d’un moderne.

Anne Le Pas de Sécheval :
Jules Hardouin-Mansart et le décor intérieur du Dôme des Invalides
L’architecte ordonnateur, le dessin et les relations entre les arts.

Koenraad Brosens :
Les manufactures royales et la loi du marché. La tapisserie à Paris et à Beauvais.

Notes et documents :

Stéphane Castelluccio :
Madeleine de Scudéry et VersaillesDes châteaux enchantés au château enchanteur.

Robert W. Berger :
Les bustes de Louis XIV par Le Bernin et Warin : marbres, bronzes et copies.

Benjamin Ringot :
Politique des arts et pratiques artistiques : le rôle de la surintendance des Bâtiments du roi.

Claire Mazel :
Le portrait d’Antoine Coysevox sous la plume de Fermel’huis
Un sculpteur en mouvement.

Hendrik Ziegler :
L’art français à l’épreuve du jugement allemand : le cas de l’hôtel d’Amelot de Bisseuil examiné par Leonhard Christophe Sturm.

Découvertes :

Alexandre Cojannot :
Le château de Châteauneuf-sur-Loire au XVIIe siècle : à propos de la maquette d’un projet de Pierre Bullet en 1679.

Etienne Faisant :
Une œuvre inédite de Jean-Baptiste Tuby d’après Charles Le Brun : le tombeur d’Henri de Matignon.

Bibliographie critique.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Conférence du GRHAM: “Charles Le Brun et la synthèse des arts. Retrouver la vie des grands décors” par Gaëlle Lafage (Paris, 8 décembre 2015).

Nicolas de Largillière, Portrait de Charles Le Brun, XVIIe siècle, 232 x 187 cm, Paris, musée du Louvre.
Nicolas de Largillière, Portrait de Charles Le Brun, XVIIe siècle, huile sur toile, 232 x 187 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : mardi 8 décembre 2015 de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

À l’heure où l’on célèbre l’anniversaire de la mort de Louis XIV, à travers des expositions, des spectacles et de nombreuses publications, amplifiant encore l’image exceptionnelle du Roi Soleil, on ne peut que remarquer, par contraste, l’ombre dans laquelle est demeuré son Premier peintre. Toujours associé aux batailles d’Alexandre et à Versailles, Charles Le Brun est encore trop souvent perçu comme l’artisan de la propagande de l’absolutisme. La culture, le goût et la pensée qui présidèrent à ses créations ont disparu, et malgré la gloire qu’il réussit à atteindre de son vivant, le peintre a été quelque peu oublié.
L’étude menée sur les fêtes et les cérémonies dont Le Brun fut le décorateur, mais aussi l’ordonnateur, permet de porter un nouveau regard sur le peintre et sur son art. La volonté de Le Brun d’ordonner ces ouvrages coûteux sans commanditaire, le soin qu’il prit à les concevoir, afin de les accorder parfaitement aux lieux, aux spectacles et à la pompe déployée, montre tout l’intérêt qu’il prêtait à ces œuvres singulières. En véritable metteur en scène, Le Brun excellait dans les réalisations de grande envergure, mêlant les arts, métamorphosant le réel pour ravir les sens et l’esprit des spectateurs.
À partir des décors éphémères ordonnés par Le Brun, révélant le langage et les ambitions du peintre, cette conférence présentera de nouvelles clés de lecture afin de mieux comprendre les grands décors réalisés pour le roi.

Gaëlle Lafage est docteur de l’université Paris IV – Sorbonne. Elle vient de publier sa thèse aux Presses universitaires de Rennes sous le titre : Charles Le Brun décorateur de fêtes. Durant deux années, elle a enseigné à l’université de Rennes II. Ses recherches continuent de porter sur l’œuvre de Le Brun et s’étendent également, dans le domaine de l’éphémère, à l’étude des grandes fêtes et cérémonies royales en France durant les XVIIe et XVIIIe siècles.

 

Colloque : Aux origines d’un goût : la peinture baroque aux États-Unis.

Michelangelo Caravaggio, Les Musiciens, ca. 1595, huile sur toile, 92,1 x 118,4 cm, New York, The Metropolitan Museum of art.
Michelangelo Caravaggio, Les Musiciens, ca. 1595, huile sur toile, 92,1 x 118,4 cm, New York, The Metropolitan Museum of art.

Type : colloque.
Date : mercredi 11 novembre 2015.
Lieu : Paris, Palais Brongniart, Petit Auditorium.
Sous la direction de : Monsieur Keith Christiansen et de Madame Anna Ottani Cavina.

 « Je me retrouvai à froncer les sourcils impitoyablement devant les Guido et Domenichino », écrivait Henry James à la suite de sa visite à la Pinacothèque de Bologne en 1873. Le dégoût d’Henry James devant ces peintures baroques est typique de l’attitude des Américains durant la période où furent établis leurs grands musées. Comment dépassèrent-ils leurs préjugés, parvenant ainsi à la création de conséquentes collections muséales d’art baroque aux États-Unis ? À l’invitation de Paris Tableau, d’éminents conservateurs et universitaires examineront les stratégies et le succès de ceux qui défendirent la constitution de telles collections.

Ce colloque est ouvert à tous les visiteurs du Salon Paris Tableau dans la limite des places disponibles. Il est conseillé de s’inscrire au préalable par téléphone au 01 45 22 37 82 ou par email à contact@paristableau.com

Programme :

Anna Ottani Cavina
Honorary President of the Fondazione Federico Zeri – Emeritus Professor, University of Bologna
La redécouverte du Baroque au début du vingtième siècle.

Jean-Patrice Marandel
Chief Curator of European Art, Los Angeles County Museum of Art
De Berlin à Los Angeles : Wilhelm Valentiner et le concept de musée encyclopédique en Amérique.

Eric Zafran
Retired Hilles curator of European Art, Wadsworth Atheneum
Chick Austin et la construction du Baroque à Hartford et à Sarasota.

Keith Christiansen
Chairman, Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art
La création tardive d’une collection de peintures baroques au Metropolitan Museum of Art.

Stephan Wolohojian
Curator, Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art
Le Brun en Amérique.

Stéphane Loire
conservateur en chef, Département des Peintures, Musée du Louvre
Les collections de peinture baroque aux États-Unis : un point de vue européen.

Eve Straussman-Pflanzer
Assistant Director of Curatorial Affairs/Senior Curator of Collections, Davis Museum, Wellesley College
Le Baroque aujourd’hui : une réflexion personnelle.

Parution : La peinture tissée – Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV.

BERTRAND Pascal-François, La Peinture tissée - Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV, Rennes, PUR, 2015, 168 p.
BERTRAND Pascal-François, La Peinture tissée – Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV, Rennes, PUR, 2015, 168 p.

Présentation de l’éditeur :

L’histoire de la manufacture royale des Gobelins est encore bien souvent perçue comme l’œuvre de Jean-Baptiste Colbert et Charles Le Brun, une idée forgée par Voltaire qui voyait dans son Siècle de Louis XIV (1751) un âge d’or perdu. si le rôle joué par ces deux grands hommes est indéniable, il faut aussi admettre que leur action ne couvre environ qu’un tiers du règne de Louis XiV, depuis le moment où le roi a commencé à gouverner par lui-même, en mai 1661, jusqu’à la mort du ministre, en septembre 1683. La période qui a suivi a été globalement perçue comme n’ayant pas été favorable à la Manufacture, car Louvois, le successeur de Colbert à la surintendance des Bâtiments du roi, a entrepris de faire tisser des peintures et des dessins de maîtres anciens et modernes, des œuvres non conçues spécifiquement pour la tapisserie, ce qui a eu pour résultat des tentures considérées comme peu originales, car saisies comme des copies. Des arguments d’ordre économique et esthétique ont été avancés pour soutenir cette thèse. Mais les explications fournies ne prennent pas en compte l’ensemble des déterminations qui ont fait que ces tapisseries existent sous cette forme. La production des Gobelins se situe sous Louvois, comme sous son prédécesseur, dans un contexte d’art de cour, avec le même but avoué : la gloire du roi et la splendeur de l’art. Le propos de cet essai est de revenir sur ces tapisseries transposant dans le grand format des peintures et dessins de Raphaël, Giulio Romano, Nicolas Poussin et Pierre Mignard. Ces œuvres ont été peu étudiées, elles ont été principalement analysées sous l’angle de la représentation politique, mais rarement d’un point de vue esthétique. il s’agit donc de s’interroger sur le sens de la pratique de la copie en tapisserie dans un contexte d’art de cour où le système de la représentation royale était extrêmement codifié. Les études sur la tapisserie ont essentiellement privilégié la question du sens des images, l’analyse de la storia, les programmes iconographiques et leurs significations qui nous renseignent sur la culture de la société. La réflexion sur la pensée figurative et l’invention plastique, sur le passage du peint au tissé a été délaissée, essentiellement faute de témoignages directs. Les principales sources utilisées sont des documents comptables, des écrits qui sont quasiment muets sur les intentions des différents acteurs. Mais il existe d’autres textes, des relations mondaines, des échanges épistolaires et la littérature artistique. C’est essentiellement de la confrontation de la lecture de cette dernière à l’examen des tapisseries que l’on peut tirer quelque enseignement. Quelles étaient donc les stratégies des Bâtiments du roi en projetant de faire tisser les modèles de la peinture universellement reconnus aux Gobelins ?

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site des Presses universitaires de Rennes.

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