Archives par étiquette : Baroque

Appels à communication : Sessions at RSA

Asamkirche, 1733 – 1746, Munich

Type : Appels à communication

Date limite de l’appel : respectivement 15 mai, 31 mai et 1er mai

Date de l’événement : 22 – 24 mars 2018

Lieu : New Orleans

Sujets de l’appel : [1] The Problem and Promise of the Baroque: New Approaches in Research, Historiography, and Pedagogy [2] Technologies of War [3] Spaces of Making and Thinking

[1] The Problem and Promise of the Baroque: New Approaches in Research, Historiography, and Pedagogy

In the 2011 book, Rethinking Baroque, editor Helen Hills and the contributing authors proposed to both interrogate and re-energize the study of the baroque, a much-maligned concept and one Hills termed the “grit in the oyster of art history.”  The authors sought to come to grips with the term from a wide array of chronological and methodological approaches, problematizing and reshaping the landscape of inquiry.  By contrast, the following year Gauvin Bailey’s Baroque and Rococo re-entrenched the Baroque as a category for study, seeing it as a moment of unified global exuberance.  More than five years later, however, it is unclear where these two divergent approaches have left researchers and teachers. In what ways is the Baroque continuing to be critically reevaluated and used as an interpretive tool? Where does the study of Baroque art currently stand and where is it going, especially in relation to the rising emphasis on the “Early Modern”? What is at stake in surrendering the Baroque in favor of modernity? Hills herself asked “Can the apparent contradictions between periodization and critical strategy be reconciled?” In this panel, we seek to engage with and extend these questions. Continuer la lecture

Appel à communication : Barocke Pfarrkirchen und ihre Dekoration

Propst Gelasius Mohart, Klosterkirche, Indersdorf.

Type : Appel à communication

Date limite de l’appel à communication : 30 avril 2017

Date de la manifestation : 23 – 25 octobre 2017

Lieu de la manifestation : Vienne, Österreichische Akademie der Wissenschaften

Im Rahmen der Forschungsgruppe „Baroque Ceilling Painting in Central Europe (BCPCE)“ veranstaltet das Institut für Kunst- und Musikhistorische Forschungen der ÖAW gemeinsam mit dem Institute of Art History of the Czech Academy of Sciences, dem Königgrätzer Landkreis und dem Verein Omnium von 23. bis 25. Oktober 2017 in Wien ein Symposium zu den malerischen Ausstattungen von Pfarrkirchen katholischer und lutherischer Konfession.

Die Veranstaltung greift damit ein in der kunsthistorischen Forschung sehr stiefmütterlich behandeltes Thema auf, standen doch bisher vor allem die zum Teil weitgespannten Dekorationen der Kloster- und Wallfahrtskirchen im Zentrum des Interesses

Die Analyse der wandfesten Malereiausstattungen – gleichsam als Kerngeschäft der BCPCE – macht in diesem Fall nur im Rahmen einer breiten historischen Kontextualisierung Sinn. Allgemeinhistorische und kirchenhistorische Rahmenbedingungen sind als Voraussetzung ebenso zu diskutieren wie theologische und liturgische Aspekte.

Der Zeitraum ist durch die Konfessionalisierung im 16. Jahrhundert einerseits und die josephinischen Reformen im späten 18. Jahrhundert vorgegeben; der geographische Raum mit dem zum Großteil habsburgisch regierten Mitteleuropa sowie mit Mitteldeutschland – also mit wesentlichen Teilen des Alten Reichs. Continuer la lecture

Conférence : Barocke Kunst im Kontext der « spatial humanities » (Marburg, 3-4 Apr 17)

Nouvelle Résidence de Bamberg, 1602 – 1703, Allemagne, Bavière.

Type : Conférence

Date : 3 – 4 avril 2017

Lieu : Marburg, Forschungszentrum Deutscher Sprachatlas, Pilgrimstein 16, Hörsaal (00/0010) Erdgeschoss, Marburg

Digitale Raumdarstellungen. Barocke Kunst im Kontext aktueller Zugriffe der « spatial humanities ». Ein Workshop zum Abschluss des Pilotprojekts „Deckenmalerei und 3D“, veranstaltet vom Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland (CbDD) und dem Deutschen Dokumentationszentrum für Kunstgeschichte – Bildarchiv Foto Marburg : 3. und 4. April 2017

Veranstalter: Stephan Hoppe, Hubert Locher, Ute Engel (CbDD)

Kontakt: bildarchiv@fotomarburg.de

Veranstaltungsort: Forschungszentrum Deutscher Sprachatlas, Pilgrimstein 16, Hörsaal (00/0010) Erdgeschoss, Marburg

Deckenmalerei ist eine Kunst, die sich stets im Raum entfaltet. Die aktuellen digitalen Techniken erlauben heutzutage erstmals eine umfassende mediengestützte Abbildung und Analyse dieses räumlichen Aspektes. Dabei wird in vieler Hinsicht Neuland betreten, auch innerhalb des Langzeitforschungsprojektes Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland im Akademienprogramm. Erste Ergebnisse konnten 2015/16 bei der digitalen, hochauflösenden räumlichen Aufnahme zentraler Innenräume der barocken Neuen Residenz in Bamberg erzielt werden. Das Corpus Deckenmalerei (CbDD) wird gefördert von der Union der deutschen Akademien der Wissenschaften und betreut von der Bayerischen Akademie der Wissenschaften.

Mit diesem Workshop sollen bisherige Überlegungen und Erfahrungen des Projektes präsentiert und in den Kontext der aktuellen wissenschaftlichen Diskurse gestellt werden. Ziel des Programms ist es, die Diskussion einzelner Aspekte unserer bisherigen 3D-Anwendungen durch Mitarbeiter des Corpus Deckenmalerei, Kooperationspartner und geladene Expertinnen und Experten zu ermöglichen. Zusätzlich kommen technisch und methodisch verwandte Projekte zur Sprache, auch um den internationalen Kontext herzustellen. Continuer la lecture

Bonne année muséale !

Johannes Vermeer, L’Astrologue, dit aussi l’Astronomie, 1668, huile sur toile, 51,5 x 45,5 cm, Paris, musée du Louvre.

Johannes Vermeer, L’Astrologue, dit aussi l’Astronomie, 1668, huile sur toile, 51,5 x 45,5 cm, Paris, musée du Louvre.

L’équipe du GRAHM vous souhaite une très belle année muséale et vous invite à aller voir de belles expositions …

A Paris

  • Vermeer et les maîtres de la peinture de genre au siècle d’or, musée du Louvre, du 22 février au 22 mai, sous le commissariat de : Blaise Ducos, conservateur du Patrimoine, département des Peintures, musée du Louvre ; Adriaan E. Waiboer, conservateur, National Gallery of Ireland et Arthur K. Wheelock Jr., conservateur, National Gallery of Art, Washington,
  • Valentin de Boulogne, réinventer Caravage, musée du Louvre, du 22 février au 22 mai, sous le commissariat de : Annick Lemoine et Keith Christiansen.
  • De Zurbaran à Rothko. Collection Alicia Koplowitz, musée Jacquemart-André, du 2 mars au 24 juillet, sous le commissariat de : Pablo Melendo Beltrá ; Pierre Curie, conservateur en chef du patrimoine,
  • Sérénissime ! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi, musée Cognacq-Jay, du 25 février au 25 juin, sous le commissariat de : Benjamin Couilleaux, conservateur du patrimoine au musée Cognacq-Jay, Rose-Marie Herda-Mousseaux, conservateur en chef du patrimoine, directrice du musée Cognacq-Jay,
  • Jardins, Grand Palais, du 15 mars au 24 juillet, sous le commissariat de : Laurent Le Bon, président du Musée National Picasso – Paris ; Coline Zellal, conservateur du patrimoine ; Marc Jeanson , conservateur scientifique, responsable de l’Herbier national au Museum National d’Histoire Naturelle,
  • De Watteau à David, la collection Horvitz, Petit Palais, du 21 mars au 9 juillet 2017, sous le commissariat de : Alvin L. Clark, Jr, The Horvitz Collection and The J.E.Horvitz Consultative Curator, Department of Drawings, Division of European and American Art, Harvard Art Museums/ Fogg ; Christophe Leribault, directeur du Petit Palais,
  • Le Baroque des Lumières, chefs d’œuvres des églises parisiennes, Petit-Palais, du 21 mars au 16 juillet, sous le commissariat de : Christophe Leribault, directeur du Petit Palais ; Marie Monfort, responsable de la Conservation des œuvres d’art religieuses et civiles de la Ville de Paris. Commissaires associés : Maryline Assante (Petit Palais), Lionel Britten (musée d’Orsay), Jessica Degain, Nicolas Engel et Emmanuelle Federspiel (COARC), Christine Gouzi (Université de Paris-Sorbonne) et Guillaume Kazerouni (musée des Beaux-Arts de Rennes).
  • Pierre-Joseph Redouté et le goût des fleurs, musée de la Vie romantique, du 1er avril au 31 octobre,
  • Or virtuose à la cour de France, Pierre Gouthière (1732 – 1813), Les Arts décoratifs, du 15 mars au 25 juin, sous le commissariat de : Anne Forray-Carlier, conservatrice en chef du patrimoine, département XVIIe-XVIIIe siècles assistée de Sophie Motsch, assistante de conservation, département XVIIe-XVIIIe siècles,
  • Des Grands Moghols aux maharajahs. Joyaux de la collection Al Thani, Grand Palais, du 29 mars au 5 juin. sous le commissariat de : Amin Jaffer, conservateur, Collection Al Thani ; Amina Okada, conservateur général au musée national des arts asiatiques – Guimet.

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Geste baroque : collections de Salzbourg

La saison XVIIIe du musée du Louvre donne actuellement lieu à trois expositions remarquables : Bouchardon (1698-1762), une idée du beau (jusqu’au 5 décembre), Un Suédois à Paris : la collection Tessin, et Geste baroque : collections de Salzbourg (toutes deux du 20 octobre 2016 au 16 janvier 2017).

Illustration 1: Philipp Harpff (attrib.), Salzbourg, vue du Nord, dessin à la plume lavé de bistre (composé de deux parties), 162 x 907 mm, Salzburg Museum, (c) Salzburg Museum / Rupert Poschacher

Illustration 1 : Philipp Harpff (attrib.), Salzbourg, vue du Nord, dessin à la plume lavé de bistre (composé de deux parties), 162 x 907 mm, Salzburg Museum, (c) Salzburg Museum / Rupert Poschacher

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Publication : « Baroque Antiquity. Archaeological Imagination in Early Modern Europe ».

TSCHUDI Victor Plahte, Baroque Antiquity. Archaeological Imagination in Early Modern Europe, Cambridge, Cambridge university press, septembre 2016, 100 p.

TSCHUDI Victor Plahte, Baroque Antiquity. Archaeological Imagination in Early Modern Europe, Cambridge, Cambridge university press, septembre 2016, 100 p.

Présentation de l’éditeur :

Why were seventeenth-century antiquarians so spectacularly wrong? Even if they knew what ancient monuments looked like, they deliberately distorted the representation of them in print. Deciphering the printed reconstructions of Giacomo Lauro and Athanasius Kircher, this pioneering study uncovers an antiquity born with print culture itself and from the need to accommodate competitive publishers, ambitious patrons and powerful popes. By analysing the elements of fantasy in Lauro and Kircher’s archaeological visions, new levels of meaning appear. Instead of being testimonies of failed archaeology, they emerge as complex architectural messages responding to moral, political, and religious issues of the day. This book combines several histories – print, archaeology, and architecture – in the attempt to identify early modern strategies of recovering lost Rome. Many books have been written on antiquity in the Renaissance, but this book defines an antiquity that is particularly Baroque.

Victor Plahte Tschudi is a Professor in Architectural History at the Oslo School of Architecture and Design. He writes on the interpretation of Roman monuments in texts and images from the Renaissance to the present.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Publication : « The matter of miracles. Neapolitan baroque architecture and sanctity ».

HILLS Helen, The matter of miracles. Neapolitan baroque architecture and sanctity, Manchester, Manchester University Press, 2016, 656 p.

HILLS Helen, The matter of miracles. Neapolitan baroque architecture and sanctity, Manchester, Manchester University Press, 2016, 656 p.

Présentation de l’éditeur :

This book investigates baroque architecture through the lens of San Gennaro’s miraculously liquefying blood in Naples. This vantage point allows a bracing and thoroughly original rethink of the power of baroque relics and reliquaries. It shows how a focus on miracles produces original interpretations of architecture, sanctity and place which will engage architectural historians everywhere. The matter of the baroque miracle extends into a rigorous engagement with natural history, telluric philosophy, new materialism, theory and philosophy. The study will transform our understanding of baroque art and architecture, sanctity and Naples. Bristling with new archival materials and historical insights, this study lifts the baroque from its previous marginalisation to engage fiercely with materiality and potentiality and thus unleash baroque art and architecture as productive and transformational.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Conférence du GRHAM : « Histoires d’enquêtes… Parcours d’un « amateur » autodidacte » par Antoine Tarantino (Paris, 16 février 2016).

 

Luigi Garzi (1638-1731) Domine Quo Vadis ?, début du XVIIIe siècle, huile sur toile, 63 x 48 cm, Paris, galerie Antoine Tarantino.

Luigi Garzi (1638-1731), Domine Quo Vadis ?, début du XVIIIe siècle, huile sur toile, 63 x 48 cm, Paris, galerie Antoine Tarantino.

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : mardi 16 février 2016 de 18h30 à 20h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Après avoir commencé très jeune une carrière militaire qui le conduit à Paris, dans la Garde Républicaine, Antoine Tarantino se passionne pour les dessins et tableaux anciens, notamment à la suite de l’exposition « Seicento » au Grand Palais puis des premières éditions du « Salon du Dessin ». Il quitte l’armée afin de collaborer à la préparation de l’exposition « De Versailles à Paris, le destin des collections royales » organisée par Jacques Charles-Gaffiot pour la Mairie du Ve Arrondissement en 1989. Il commence un cursus à l’Ecole du Louvre qu’il interrompt peu de temps après, finalement plus attiré par le côté concret d’une collection et par le côté « enquête » des recherches. Il collabore pendant quelques années avec les marchands Jacques Fischer, spécialiste du XIXème siècle et Jean Philippe Mariaud de Serres, spécialisé en archéologie, avant d’ouvrir sa propre galerie en juin 2007. Il est entretemps admis au sein de la CEEA (Chambre Européenne des Experts d’Art) puis de IADAA (International Association of Dealers in Ancient Art).

La galerie, située au cœur du quartier de la Nouvelle Athènes, est adaptée à la fois aux tableaux de grand format et aux objets archéologiques tels que les sculptures en marbre, les vases grecs et les intailles.

Une petite salle est également consacrée aux arts graphiques et permet de présenter une sélection d’artistes essentiellement italiens du XVIe au XVIIIe siècle.

La Galerie Tarantino a régulièrement l’occasion de proposer des expositions thématiques qui favorisent la connaissance et la diffusion de l’archéologie classique comme de l’art italien Celles-ci sont toujours accompagnées par des catalogues auxquels participent les spécialistes concernés.

  • L’Antiquité Révélée, à la Galerie Daniel Greiner en février 2007.
  • Emilia Pittrice, tableaux et dessins bolonais du XVIe au XVIIIe siècle,du 10 décembre 2007 au 31 janvier 2008.
  • Rome 1660, l’Explosion Baroque, du 18 novembre 2008 au 31 janvier 2009.
  • Peindre à Rome, du 16 mars au 21 avril 2011.
  • Cabinet d’Antiques, du 16 novembre au 16 décembre 2016.
  • Rome, de Barocci à Fragonard, du 20 mars au 8 juin 2013.
  • Les Fastes du Pouvoir, du 25 mars au 28 mai 2014.
  • A venir : L’Art et la Manière, du 29 mars au 31 mai 2016.

Après une communication revenant sur les spécificités de son métier ainsi que sur son rapport à l’art des XVIIe et XVIIIe siècles, Antoine Tarantino échangera avec la salle sur ces diverses thématiques mais également sur les plus belles découvertes de sa carrière.

Publication : Dynamics of Architecture in Late Baroque Rome. Cardinal Pietro Ottoboni at the Cancelleria.

OLSZEWSKI Edward, Dynamics of Architecture in Late Baroque Rome. Cardinal Pietro Ottoboni at the Cancelleria, Berlin, De Gruyter, novembre 2015, 155 p.

OLSZEWSKI Edward, Dynamics of Architecture in Late Baroque Rome. Cardinal Pietro Ottoboni at the Cancelleria, Berlin, De Gruyter, novembre 2015, 155 p.

 

Présentation de l’éditeur :

This is the first study to characterize the architectural patronage of Cardinal Pietro Ottoboni (1667-1740), and to identify twelve architects during his half century of patronage in his Ecclesiastical court of the Cancelleria. Most eminent among them were Filippo Juvarra and Domenico Gregorini. Commercial and private theaters in the palace are located from archival data, room measurements, drawings, diary accounts, Correspondence of the French Academy, and palimpsests of architectural details. The size, shape, appearance, capacity, and location of Filippo Juvarra’s theater are discussed. Archival documents are cited to reveal why, how, and when it vanished. Detailed analysis is devoted to Juvarra’s stage construction with its elaborate sets and moving apparatus. In his official function as Vice-Chancellor of the Church, it is well known that Ottoboni was positioned as a major patron of music, theater, and painting in late Baroque Rome. He was a librettist for oratorios performed by his resident composer, Arcangelo Corelli, and by Alessandro Scarlatti in venues in the palace, and in his basilica of San Lorenzo in Damaso, located in the palace grounds. His resident painters included Francesco Trevisani and Sebastiano Conca. He completed the construction of Bernini’s Confessione in the nave of his basilica. As the sponsor of the Arcadian Academy, Ottoboni dictated taste in Roman cultural circles. His involvement in the competition for the façade of St. John Lateran is amplified. A grand overview is provided for the cardinal’s commission of devotional machine constructed to rival the Lenten carnivals. As ephemeral constructions, and normally ignored liturgical phenomena, these are explored in detail for the first time.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Colloque : Aux origines d’un goût : la peinture baroque aux États-Unis.

Michelangelo Caravaggio, Les Musiciens, ca. 1595, huile sur toile, 92,1 x 118,4 cm, New York, The Metropolitan Museum of art.

Michelangelo Caravaggio, Les Musiciens, ca. 1595, huile sur toile, 92,1 x 118,4 cm, New York, The Metropolitan Museum of art.

Type : colloque.
Date : mercredi 11 novembre 2015.
Lieu : Paris, Palais Brongniart, Petit Auditorium.
Sous la direction de : Monsieur Keith Christiansen et de Madame Anna Ottani Cavina.

 « Je me retrouvai à froncer les sourcils impitoyablement devant les Guido et Domenichino », écrivait Henry James à la suite de sa visite à la Pinacothèque de Bologne en 1873. Le dégoût d’Henry James devant ces peintures baroques est typique de l’attitude des Américains durant la période où furent établis leurs grands musées. Comment dépassèrent-ils leurs préjugés, parvenant ainsi à la création de conséquentes collections muséales d’art baroque aux États-Unis ? À l’invitation de Paris Tableau, d’éminents conservateurs et universitaires examineront les stratégies et le succès de ceux qui défendirent la constitution de telles collections.

Ce colloque est ouvert à tous les visiteurs du Salon Paris Tableau dans la limite des places disponibles. Il est conseillé de s’inscrire au préalable par téléphone au 01 45 22 37 82 ou par email à contact@paristableau.com

Programme :

Anna Ottani Cavina
Honorary President of the Fondazione Federico Zeri – Emeritus Professor, University of Bologna
La redécouverte du Baroque au début du vingtième siècle.

Jean-Patrice Marandel
Chief Curator of European Art, Los Angeles County Museum of Art
De Berlin à Los Angeles : Wilhelm Valentiner et le concept de musée encyclopédique en Amérique.

Eric Zafran
Retired Hilles curator of European Art, Wadsworth Atheneum
Chick Austin et la construction du Baroque à Hartford et à Sarasota.

Keith Christiansen
Chairman, Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art
La création tardive d’une collection de peintures baroques au Metropolitan Museum of Art.

Stephan Wolohojian
Curator, Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art
Le Brun en Amérique.

Stéphane Loire
conservateur en chef, Département des Peintures, Musée du Louvre
Les collections de peinture baroque aux États-Unis : un point de vue européen.

Eve Straussman-Pflanzer
Assistant Director of Curatorial Affairs/Senior Curator of Collections, Davis Museum, Wellesley College
Le Baroque aujourd’hui : une réflexion personnelle.

Colloque : Science, Nature and Art in the Time of the Baroque.

Johannes Blaeu, Observatoire de Tycho Brahe, 1667, gravure sur cuivre mise en couleurs, Paris, Bibliothèque nationale de France.

Johannes Blaeu, Observatoire de Tycho Brahe, 1667, gravure sur cuivre mise en couleurs, Paris, Bibliothèque nationale de France.

Type : Colloque.
Date : Du 09 au 11 novembre 2015.
Lieu : Séville (Focus-Abengoa Foundation).
Sous la direction de : Antonio-Miguel Bernal Rodríguez, University of Seville. 

With the birth of the “new science” in the wake of Bacon, the theories on the world and nature ceased being essentially poetic –as they were considered in the long inherited mediaeval tradition– and began to be felt as essentially scientific. Modern science and the development of the artistic culture of the Baroque came hand in hand and became the cornerstones of the history of European culture. In this modern science, the discovery of the foundations of nature led to questions on the relationship between people and the natural environment, which went beyond living nature to open up new avenues to the theories of light and colour, space and time, as expressed in the creative brilliance of Velázquez in the gardens of Villa Medicis. The “vision” of nature took on a variety of projections through the art of the Baroque. The conception of the natural world under the impetus of the 17th and 18th century scientists became increasingly removed from the previous allegories and symbolism. The landscape as an expressive medium emerged in pure form as man interacted with nature. Recalling among others, André Mollet in his treatise Le Jardin de Plaisir (1651), from the gardens of delights of the 16th century to the gardens of love of the 17th century, natural history experienced a qualitative leap in the representation of nature as art and in art under the guise of collecting and as visual culture. This art and science in the time of the Baroque were not antagonistic and instead were interrelated in the construction of a new pictorial time and space where nature became viewed even more intensely less as a divine hieroglyphic and more as visual culture, a faithful reflection of the influence of science on art.

Registration, diploma and credits recognition By registering at Focus-Abengoa official website, attendants will be awarded a certified diploma and will be able to gain credits. Loyola University Andalucia, Pablo de Olavide University and University of Seville will officially award ECTS credits (European Credit Transfer System). Price: 30 euros (only for diploma/credits). Scholarships Scholarships will be granted to obtain diplomas (limited). More information available on our website. The full information is available at the following link   : http://www.focus.abengoa.es/web/en/escuela-barroco/index.html

Programme :

Lundi 9 novembre 

Presentation 20:00 h. Inaugural Conference: Poussin’s Reflections on Man, Nature and Art Keith Christiansen, Metropolitan Museum of New York.

Mardi 10 novembre

10:00 h. Jesuits in Baroque culture: art, education, science Guillermo Rodríguez Izquierdo SJ., Loyola University Andalucia.

11:00 h. Natural history and visual culture in the seventeenth century José Ramón Marcaida, University of Cambridge.

12:00 h. Break.

12:30 h. Science, the sciences and Baroque Javier Viar, Bilbao Fine Arts Museum.

17:00 h. Symbolic Baroque Ornithology: birds in books of emblems and prints of the 17th century José Julio García Arranz, University of Extremadura.

18:00 h. 17th century Italy: the breeze through the leaves Manuela Mena, Prado National Museum.

19:00 h. Organ concert leaded by José Enrique Ayarra Jarne, Focus-Abengoa Foundation organist, at Hospital de los Venerables Church.

Mercredi 11 novembre

10:00 h. Still life: the vanities in the work of Valdés Leal Enrique Valdivieso, University of Seville.

11:00 h. Velázquez and nature Guillaume Kienzt, Louvre Museum.

12:00 h. Round table About landscape Presenter: Juan Fernández Lacomba Participants: Javier Viar, José Ramón Marcaida and Guillaume Kienzt.

13:30 h. Closure.

15:30 h. Campus visit to Focus-Abengoa Sanlúcar la Mayor Landscapes of Guadiamar Fernando Amores and Juan Fernández Lacomba.

 

Les Bas-Fonds du Baroque. La Rome du vice et de la misère.

L’exposition qui a lieu jusqu’au 24 mai 2015 au Petit Palais – sous le commissariat de Francesca Cappelletti et Annick Lemoine –  a suscité d’élogieuses critiques, non seulement pour le choix audacieux d’un sujet peu traité jusqu’à présent et pour la qualité des œuvres présentées (même si certains auraient souhaité que celles-ci soient plus nombreuses), mais aussi pour la magnifique scénographie de Pier Luigi Pizzi. Par la reproduction monumentale de gravures[1] d’époque, l’exposition donne à voir, côté galerie, la Rome fastueuse du XVIIe siècle, tandis que, côté salons, Bamboccianti[2], caravagesques et paysagistes offrent aux visiteurs, sous les ors des palais romains (reconstitués) de leurs commanditaires un autre visage de la cité éternelle : une « Rome souillée » qui aime vivre « sous le souffle de Bacchus », dans des tavernes « truculentes » ou « mélancoliques » que fréquentent les Bentvueghels[3], une Rome de « désordres et de violences » mais aussi de « charmes et de sortilèges », pour reprendre les différentes thématiques abordées par l’exposition. Les neuf essais proposés dans le catalogue de l’exposition[4] reviennent plus précisément sur les aspects méconnus de cette Rome du XVIIe siècle et sur les artistes qui la fréquentaient. Cet article se propose d’en donner une brève synthèse.

Michelangelo Merisi dit Caravage, Bacchus malade, 1593, huile sur toile, 67 x 53 cm, Rome, Museo e Galleria Borghese.

Michelangelo Merisi dit Caravage, Bacchus malade, 1593, huile sur toile, 67 x 53 cm, Rome, Museo e Galleria Borghese.

Dans son essai « Sous les auspices de Bacchus. La Rome des bas-fonds, de Caravage aux Bentvueghels[5] », Annick Lemoine explicite le choix qu’a fait Caravage, suivi par les Bentvueghels, de retenir la figure de Bacchus comme source d’inspiration libératrice et transgressive, plutôt que celle d’Apollon. La figure de Bacchus cristallise « le comique et la dérision, l’ambiguïté et la manipulation, ou encore l’excès ou la simple licence[6] » qui caractérisent les recherches picturales de Caravage, puis de ses suiveurs et des Bamboccianti, allant de l’audace jusqu’à l’art de l’insulte, dont le geste de la fica[7] est l’illustration par excellence.

 

 

 

Dans « Stupenda e misera città. Sites célèbres et gens de peu : une nouvelle idée de la peinture dans la Rome du début du XVIIe siècle[8] », Francesca Cappelletti souligne le nouvel attrait qu’exerce, au XVIIe siècle, la peinture d’après nature qui permet « d’intégrer les images de l’ordinaire des jours dans les décors grandioses[9] » de la Rome antique et moderne. Aux côtés des mendiants et des vagabonds, les bohémiennes se font aussi très présentes dans ces œuvres. « Camper des passants vêtus à la mode du temps – ou même un quidam en train d’uriner – peut être le moyen de souligner l’exactitude d’un coup d’œil qui ne recule devant aucune trivialité.[10] ».

Roeland van Laer, Les Bentvueghels dans une auberge romaine, 1626 – 1628, huile sur toile, 88,5 x 147,5 cm, Rome, Museo di Rome.

Roeland van Laer, Les Bentvueghels dans une auberge romaine, 1626 – 1628, huile sur toile, 88,5 x 147,5 cm, Rome, Museo di Rome.

Si les biographes du XVIIe siècle mettent en avant les aspects les plus édifiants de la vie des artistes pour affirmer le caractère noble de leur art,  Patrizia Cavazzini relate, dans « Noblesse et bassesse dans la biographie des peintres de genre[11] », les anecdotes moins glorieuses de la vie quotidienne des peintres des Bentvueghels à Rome. Moins bien rémunérés que les peintres d’histoire, les Bamboccianti vivent souvent à crédit, payant parfois leur ardoise en tableaux. Grands amateurs de jeux de hasard, ils ont souvent des démêlés avec la justice, certains jeux de dés étant interdits. Les agressions et les comportements violents sont fréquents, favorisés par la consommation d’alcool. La fréquentation des courtisanes est assidue. Cependant les œuvres témoignant de ces soirées de débauche ne se retrouvent pas dans les demeures modestes qui abritent pourtant des peintures en grand nombre à partir des années 1620 : elles semblent exclusivement réservées aux collections des grands personnages, les Bamboccianti fréquentant aussi bien des gens de rien que des gens de bien.

Dans « Qui est Pauson ? Aux origines du genre vil[12] », Michel Hochmann rappelle que si Bellori a pu comparer le genre bas d’imitation de Pieter van Laer (surnommé Bamboche) à celui de Pauson mentionné par Aristote dans sa Poétique, cette comparaison a une histoire. En effet les premiers commentateurs d’Aristote (au XVIe siècle) n’ont pas immédiatement interprété correctement la conception du philosophe concernant le rapport de l’art à la nature qui exemplifie celui de la tragédie à la comédie. L’œuvre – disparue et donc énigmatique – de Pauson ne permettait pas de comprendre de visu si la critique d’Aristote portait sur la manière de l’imitation ou sur l’objet de celle-ci. Mais l’étude du livre XXXV de l’Histoire naturelle de Pline permit finalement à Giovan Battista Agucchi (1570 – 1632), d’ordonner les genres picturaux : il fit figurer au sommet de l’échelle Raphaël et l’idéalisation, au bas de l’échelle Bassano et la peinture de genre, tandis que le naturalisme de Caravage se trouvait clairement condamné. Ainsi établie, cette hiérarchie des genres fournira à Bellori une interprétation satisfaisante de la Poétique d’Aristote, en même temps qu’elle déterminera toute la réflexion théorique des siècles suivants.

Claude Gellée dit Le Lorrain, Port de mer avec soleil couchant, 1639, huile sur toile, 103 x 137 cm, Paris, musée du Louvre.

Claude Gellée dit Le Lorrain, Port de mer avec soleil couchant, 1639, huile sur toile, 103 x 137 cm, Paris, musée du Louvre.

L’essai de Frédéric Cousinié[13] se propose de mettre au jour dans les œuvres de jeunesse du Lorrain « une poétique de la disconvenance » que Claude Gellée a en commun avec les  Bamboccianti. Le Port de mer avec soleil couchant (1639) est l’exemple d’une œuvre dite « sans sujet particulier » dont les personnages en costumes modernes sont proches de ceux peints par les Bamboccianti, tout comme le motif central de la rixe. Ces personnages évoquent soit des gravures satiriques marquant la reprise de la guerre franco-espagnole, soit des gravures de costumes des nations. Seul Le Lorrain démontrera une capacité supérieure à disposer ses figures selon une référence textuelle ordonnatrice, ce qui lui permettra de passer de la peinture de genre à la peinture d’histoire. Mais il n’en reste pas moins qu’il est possible de penser qu’à travers la mise en présence de figures de diverses nations, il partage avec ses amis les Bamboccianti un même propos – caché – illustrant les multiples conflits qui opposèrent les tenant des partis français et espagnols pour s’attirer, à Rome, les bonnes grâces d’Urbain VIII.

Valentin de Boulogne, Le Concert au bas-relief, vers 1620 - 1625, huile sur toile, 173 x 214 cm, Paris, musée de Louvre.

Valentin de Boulogne, Le Concert au bas-relief, vers 1620 – 1625, huile sur toile, 173 x 214 cm, Paris, musée de Louvre.

Dans « Paysages sonores. Images de la musique populaires à Rome au XVIIe siècle[14] », Anna Harwell Celenza indique que la musique italienne subit une mutation au XVIIe siècle permettant aux amateurs de l’unir de façon plus expressive avec la poésie. L’essor de la monodie ou seconda pratica favorise en effet le passage de la polyphonie dite « à voix égale » de la Renaissance tardive à une musique instrumentale et vocale. Les tableaux représentant des joueurs de luth, de théorbe, de guitare (évocatrice d’exotisme et de sensualité) ou encore de flute à bec (réservée à la culture de la classe moyenne et du petit peuple) témoignent d’un plaisir musical « d’autant plus prisé qu’il s’accordait aisément à une sorte de sensualité quotidienne ». Ils sont aussi le signe de l’intérêt que les mécènes accordaient à la musique et de l’importance du patronage aristocratique dans l’adoption de sujets musicaux nouveaux.

L’essai d’Andrea Gareffi[15] fait revivre l’écrivain Ferrante Pallavicino décapité à l’âge de 29 ans en Avignon sur ordre d’Urbain VIII pour ses satires scandaleuses. Parmi les œuvres de Ferrante, sont plus particulièrement mentionnées La Rhétorique des putains et Le Divorce céleste dans lequel l’auteur dénonce « Rome changée en prostibule[16] », non pas du fait de ses courtisanes, mais à cause de « la dégradation de la nature et de l’intelligence qu’a perpétré l’Eglise de Rome[17] ».

Julia Castiglione[18] rappelle, quant à elle, que Salvator Rosa fut un des premiers à critiquer, dans sa satire La Pittura, les bambochades qui étaient, pour lui, le symptôme d’une décadence morale et esthétique. Cependant Julia Castiglione souligne que la réaction contre le mouvement des Bamboccianti et leur vulgarité traduit aussi et surtout une critique à l’égard d’un nouveau système économique qui prend une importance croissante avec le déclin du mécénat : les marchands d’arts.

Angelo Caroselli, Scène de sorcellerie ou L’Apprentie Sorcière, vers 1615 – 1620, huile sur toile, 66 x 61 cm, collection particulière.

Angelo Caroselli, Scène de sorcellerie ou L’Apprentie Sorcière, vers 1615 – 1620, huile sur toile, 66 x 61 cm, collection particulière.

Dans « La violence et ses limites dans les « canards » de faits-divers en Italie au XVIIe siècle[19] », Amélie Bernazzani examine les histoires publiées dans les opuscules vendus par les colporteurs : des affaires criminelles, des disputes de quartier, des catastrophes naturelles et autres faits inexpliqués ou monstrueux. Les références au diable et à Dieu sont omniprésentes dans ces « canards », rappelant que ceux-ci se doivent de servir de guide de bonne conduite pour faire connaître les comportements licites ou illicites. Cet objectif est atteint par des gravures qui témoignent d’une grande retenue : elles préfèrent se concentrer sur la condamnation des criminels tandis que les textes détaillent explicitement les crimes commis. Ainsi l’exploitation du monde des bas-fonds n’est pas seulement faite pour divertir ou choquer, mais aussi et surtout pour véhiculer les idéaux chrétiens tels que reformulés par le concile de Trente.

 

Nicolas Régnier, La Farce, 1623 - 1625, huile sur toile, 97 x 131 cm, Stockholm, Nationalmuseum.

Nicolas Régnier, La Farce, 1623 – 1625, huile sur toile, 97 x 131 cm, Stockholm, Nationalmuseum.

Pour conclure cette trop rapide présentation des Bas-fonds du baroque, quoi de mieux que cette Farce de Nicolas Régnier[20] montrant un jeune homme épuisé par une nuit de débauche devenue la proie d’une jeune femme espiègle qui impose silence au spectateur. En l’absence de sources littéraires s’y rapportant, le sujet reste mystérieux, de même que les intentions de la jeune femme qui, en plaçant une mèche allumée sous le nez du gandin endormi peut vouloir l’éveiller en sursaut, ou l’étourdir plus profondément par quelques drogues, ou provoquer dans son sommeil quelque rêve érotique, le tabac étant alors apprécié pour ses vertus aphrodisiaques.

Florence Fesneau

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[1] Vues de Rome gravées par Giovanni Battista Falda (1643 – 1678).

[2] L’origine de la dénomination Bamboccianti (littéralement bambocheurs) se trouve dans le sobriquet attribué au peintre Pieter Van Laer (« Il Bambocchio » ou « le Bamboche ») pour les scènes de beuveries et autres peintures de genre décrivant crûment la vie du quotidienne des Romains les plus modestes.

[3] Les Bentvueghels (littéralement « Oiseaux de bande ») sont le nom des confréries d’artistes (pour l’essentiel flamands et hollandais) qui se sont constituées à Rome au XVIIe siècle.

[4] Les Bas-fonds du baroque. La Rome du vice et de la misère, Rome, Villa Médicis, du 7 octobre 2014 au 18 janvier 2015 ; Paris, du 24 février au 24 mai 2015. Commissariat : Francesca Cappelletti, Annick Lemoine, Paris, 2014.

[5] Ibid. p. 23 – 42.

[6] Ibid. p. 23

[7] Geste obscène qui consiste à placer le pouce entre l’index et le majeur de façon à figurer le sexe féminin.

[8] Ibid. p. 43 – 56.

[9] Ibid. p. 45.

[10] Ibid. p. 49.

[11] Ibid. p. 57 – 68.

[12] Ibid. p. 69 – 76.

[13] Ibid. « Les disputes du Soleil : le Lorrain crypto-bamboche », p. 77 – 92.

[14] Ibid. p. 93 – 102.

[15] Ibid. « Mort de Ferrante Pallavicino », p. 103 – 110.

[16] Ibid. p. 108.

[17] Ibid. p. 104.

[18] Ibid. « Salvator Rosa contre les Bamboccianti. La querelle de la dignité de l’art», p. 111 – 116.

[19] Ibid. p. 117 – 123.

[20] Ibid. Notice 18, p. 178 – 179.

Compte rendu de visite : « Le Baroque à Florence » (ENSBA, 27/02/2015)

1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d'une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.

1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.

Le GRHAM a été accueilli au Cabinet des dessins Jean Bonna par sa conservatrice, Emmanuelle Brugerolles, qui a rappelé le double intérêt du fonds dont elle a la responsabilité. D’un point de vue patrimonial, il s’agit de la collection française de dessins la plus importante après celle du Louvre. D’un point de vue scientifique, ce fonds offre un point de départ utile à ceux qui étudient certains aspects méconnus de l’histoire de l’art ou de la vie des artistes. L’exemple en est donné avec l’actuelle exposition « Le baroque à Florence » qui offre un appréciable coup de projecteur sur une époque et un espace estompés par la prépondérance historiographique de la Renaissance florentine et du baroque romain[1]. Dans la continuité d’une exposition précédemment consacrée à Michel-Ange[2], le Cabinet Jean Bonna présente jusqu’au 17 avril 2015 une trentaine de feuilles dessinées entre la fin du XVIe siècle et le XVIIe siècle.

2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.

2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.

Vice-présidente du GRHAM et stagiaire à l’ENSBA, Marine Roberton a fait découvrir l’exposition aux membres de l’association dans une perspective attributionniste. En effet, la plupart des dessins n’étant pas signés, le rattachement à une main florentine est déterminant pour comprendre le climat artistique de la cité médicéenne durant l’ère baroque. Se fondant sur des œuvres définitives bien documentées[3] et sur des rapprochements techniques ou stylistiques[4], l’exposition a donné lieu à de nouvelles attributions pertinentes. Au-delà de cette garantie scientifique, l’exposition se présente comme un panorama diversifié de Florence aux tournants des Cinquecento et Seicento.

L’ambiance laborieuse et sensuelle des ateliers d’artiste est évoquée par des académies et des études de drapés à la sanguine -technique florentine par excellence- que le Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant une corde illustre fort bien (ill. 1). Ces travaux, autant que les copies d’œuvres alors célèbres (Scène de sacrifice autour d’une statue de Diane d’Ephèse, dessinée par Andrea Boscoli d’après une fresque romaine de Polidoro da Caravaggio), ainsi que les nombreux dessins préparatoires rendent compte de la circulation des motifs, essentiellement religieux (ill. 2), depuis l’atelier jusqu’aux murs des églises et des palais toscans.

3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.

3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.

4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.

4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.

À côté de ces ébauches, l’exposition présente aussi des dessins dont le fini suggère la présence d’un marché de l’art spécifique. Plusieurs paysages de Remigio Cantagallina, longtemps attribués à Paul Bril, semblent indiquer l’intérêt de collectionneurs contemporains pour le dessin (ill. 3).

Alors que la majorité des feuilles exposées témoigne de l’impact tridentin sur Florence, ces paysages attestent également de l’existence de thématiques profanes.

 

 

 

 

 

5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or,  200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.

5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or, 200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.

Des projets de décors éphémères ou de fêtes commandés par les Médicis (ill. 4), en passant par des emprunts à la littérature héroïque, jusqu’aux Personnages burlesques de Baccio del Bianco (ill. 5), le regard des participants s’est réjoui de balayer le spectre d’une société florentine réanimée par les enchevêtrements baroques de la pierre noire, de la sanguine ou de l’encre rehaussés de lavis multicolores.

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[1] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le baroque à Florence », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2015, 111 p.
[2] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le dessin à Florence au temps de Michel-Ange », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, n°13, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2009, 160 p.
[3] Par exemple, le Moïse au Mont Sinaï de la villa Muti à Grottaferrata, peint par Domenico Cresti (ca. 1560-1636), dit Il Passignano, permet d’attribuer deux académies anonymes à cet artiste.
[4] Autre exemple, le Portrait de petite fille est donné à Carlo Dolci (1616-1886) en raison d’une forte similitude avec des portraits contenus dans l’un des carnets de dessins de cet artiste, actuellement conservé au Fitzwilliam Museum de Cambridge.