Louis-Léopold Boilly, Le chat gourmand crevant une toile pour manger des harengs, vers 1800-1805, huile sur toile, 85 x 96 cm, Collection Farida et Henri Seydoux.
Type : Conférence. Date et horaire : jeudi 16 février à 19h. Lieu : Visioconférence sur Zoom, inscription gratuite sur asso.grham@gmail.com Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Plusieurs recherches historiques, comme celles menées par Lissa Roberts et Constance Classen, ont mis en évidence, au cours de la seconde moitié du XVIIIe siècle, le déclin des sens réputés bas (odorat, toucher, goût) au profit de la vue dans le domaine des sciences et, plus généralement, de l’acquisition de savoirs. Or, les peintres manipulaient des matières premières très odorantes et utilisaient souvent leur odorat pour les caractériser, vérifier qu’elles n’avaient pas été frelatées ou encore pour s’assurer de l’état d’avancement d’une préparation. À travers l’analyse des écrits sur l’art de cette période, il s’agira d’étudier la façon dont la pratique de la peinture a été affectée par cette évolution du sensorium. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM: “Savoirs olfactifs et art pictural au XVIIIe siècle” par Érika Wicky (16/02/2023, Zoom).
Pieter Jansz Saenredam, Nef de l’église Sainte-Marie d’Utrecht, 1641, huile sur panneau, 122 x 95 cm, Amsterdam, Rijksmuseum
Date limite pour candidater: 1er septembre 2022.
Le projet ANR AORUM est porté par une équipe interdisciplinaire conduite par Romain Thomas (HAR, Université Paris Nanterre). Un appel à candidatures est lancé pour plusieurs bourses post-doctorales, dont une en histoire de l’art de la première modernité (18 mois).
Le projet AORUM
Au milieu du XVIIe siècle, Rembrandt et Vermeer ont utilisé l’or dans certains de leurs tableaux (Rembrandt, L’homme qui rit, 1629-30, huile sur cuivre doré, Mauritshuis ; Vermeer, Une servante endormie, 1657, huile sur toile, Metropolitan Museum). Même s’ils sont rares, d’autres exemples existent dans la peinture d’Europe occidentale au XVIIe siècle, et plus encore au XVIe siècle. Et pourtant, parmi les matériaux du peintre, l’or est le grand absent de l’historiographie des XVIe et XVIIe siècles.
Rassemblant des historiens de l’art (universitaires, conservateurs), des historiens, des physiciens, des chimistes, des spécialistes d’humanités numériques, des restaurateurs de dorures anciennes, le projet interdisciplinaire AORUM vise ainsi à étudier l’usage de l’or comme matériau pictural aux XVIe et XVIIe siècles en Europe occidentale. Il a pour objectifs de « redécouvrir » ce corpus largement ignoré par l’historiographie ; de l’analyser selon les questionnements fondamentaux de l’histoire de l’art (iconographie, histoire sociale, histoire du goût) ; d’étudier aussi, dans une démarche interdisciplinaire, selon un questionnaire faisant appel aux approches plus récentes de l’histoire matérielle de l’art et à la physico-chimie des matériaux du patrimoine, les techniques historiques de mise en œuvre de l’or ; d’étudier de manière diachronique l’apparence des dorures, là encore dans une démarche interdisciplinaire (histoire de l’art – optique physique) ; enfin de gérer l’ensemble des données de manière à contribuer à l’EquipEx+ ESPADON (http://www.sciences-patrimoine.org/2020/12/selection-espadon/). Continuer la lecture de Post-doc – appel à candidature : Projet ANR AORUM « Analyse de l’OR et de ses Usages comme Matériau pictural (Europe, XVIe- XVIIe siècles) » 
Frontispiece of The Padshahnama, c.1630s, Royal Collections, Windsor Castle.
Type : Conférence. Date et horaire :Annulé. Lieu : Visioconférence sur Zoom Pour tout renseignement :asso.grham@gmail.com
This paper explores the agency of gold in South Asia as an ambiguous means of exchange and delightful control. As Taussig has suggested, gold can be an allegory for modernity qua labour in the miasmic mines of South American. If he explores the ‘metaphorical’ horrors of how exploitation is championed in Colombia and celebrated in the Museo del Oro, my examination of gold turns to its hidden status in statues in India and its mirror like quality in the shamsa. The shamsa is a sun bursting light form of geometric exactitude celebrated by the monarchs Akbar, Jahangir and ShahJahan. The sources of this form of gold speak to the now contested, derelict mines of Hutti. What does it mean to think of gold as celestial? Especially in the wake of material studies concerned with vibrant materiality? Is gold still to be colonized? Are there limits to decolonial thought?
Dr Natasha Eaton is Reader in the History of Art at UCL. She is a long serving editor of Third Text and the author of three monographs – Mimesis across empires: Artworks and networks in India, 1765-1860 (Duke University Press, 2013), Colour, Art and Empire: Visual culture and the nomadism of representation (I.B.Tauris, 2013) and Travel, Art and Collecting in South Asia: Vertiginous exchange (Routledge, 2021). She is currently at work on a special issue of Third Text with Manuela Ciotti on global collecting and modernity and on a monograph concerned with the materialities of empire provisionally titled The Unconditional Image: Art and labour in South Asia.
Anonyme, Boîte à double fond (miniature du 2e fond): triolisme et masturbation, fin XVIIIe-début XIXe siècles, peinture sur bois, diam. 9 cm, Paris, musée de Cluny, Photo (C) RMN-Grand Palais (musée de Cluny – musée national du Moyen Âge) / Franck Raux
English Abstract
For an archaeology of pornographic imagery in Europe (1500-1840): as part of my post-doctoral project on the origins of pornography, I am looking for European visual representations made between 1500 and 1840 with the aim of provoking sexual excitement. Thank you for your help. Discretion guaranteed.
Les représentations visuelles destinées à susciter une excitation sexuelle se sont répandues depuis deux siècles avec le développement de la société de consommation et des nouvelles technologies (photographie, cinéma, internet, réseaux sociaux…). En raison des enjeux socio-culturels et économiques attachés à ce phénomène de masse, la pornographie mobilise désormais l’attention des différents observateurs de la vie publique. Néanmoins, les origines de ce phénomène dans l’Europe des Temps modernes (1500-1840) méritent d’être étudiées attentivement.
Mon projet de recherche post-doctoral a pour but de questionner le statut, la fonction et la valeur des représentations visuelles émoustillantes. L’obscénité d’hier n’est pas exactement la pornographie d’aujourd’hui, mais la permanence de certains motifs et modes de consommation invite à analyser ce phénomène culturel dans un temps long.
La caractérisation de l’image obscène est complexe car elle pouvait varier en fonction des lieux, des époques et de la sensibilité de chaque regardeur. Afin de constituer un corpus iconographique représentatif, je suis à larecherche de tout type de représentations visuelles (peinture, dessin, estampe, sculpture, objet…) ayant un caractère sexuel explicite. Les figures dévêtues et en action sont privilégiées, mais il peut aussi s’agir de figures voilées répondant à la même intention ou d’images médicales ayant pu être détournées.
Il y a 240 ans, le baron d’Hancarville voulut publier les erotica découverts lors des récentes fouilles archéologiques en Italie pour préserver une partie du savoir gréco-romain dans ce domaine, mais la pudeur des collectionneurs limita d’abord son projet. Cependant, « […] la promesse solennelle que je leur fis de cacher à jamais la source d’où je les avois tiré, me procura enfin la permission d’en faire l’usage » (Monument de la vie privée des douze Césars d’après une suite de pierres gravées sous leur règne, 1780, p. IV). À l’instar de cet initiateur, j’assure de mon entière discrétion les personnes qui voudront bien me communiquer des reproductions de leurs erotica.
J.-B. Greuze, La veuve et son prêtre, v. 1784, huile sur toile, 128 x 160 cm, Saint-Pétersbourg, Ermitage
Type : appel à communication. Date limite de l’appel : 15 mars 2021. Date de l’événement : 15 juin 2021. Lieu : Galerie Colbert, Institut National d’Histoire de l’Art (INHA) 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.
Femme et veuve sous l’Ancien Régime ? Les images qui permettent de définir la première abondent qu’il s’agisse de décrire une femme séduisante, une femme d’influence ou une femme du peuple. En revanche les images qui pourraient caractériser la seconde restent floues. De fait, la veuve se définit avant tout par la négative ; une veuve, c’est « celle qui a perdu son mari[1] ». La condition sociale imposée par le veuvage est jugée moins favorable que celle de la femme mariée, le Dictionnaire de Trévoux précisant qu’une « veuve pleure son mari, moins pour son mari, que parce qu’elle se voit déchue du rang qu’elle tenoit, et de la considération où elle étoit[2] », ce qui peut conduire cette dernière à des expédients condamnables : « La veuve soustrait souvent et recèle les plus beaux meubles de son mari[3] ». À l’opposé de cette vision peu séduisante, le statut de veuve semble toutefois offrir aux femmes une liberté que ne connaissent ni les filles ni les épouses[4].
Type : Conférence (entrée libre). Date et horaire : jeudi 18 octobre 2018 à 19h. Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Vasari (1er étage). Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Les médailles royales françaises ont connu un contexte culturel radicalement différent après avoir été décernées aux peuples amérindiens du Canada à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle. Ainsi, il peut être surprenant d’affirmer que le potentiel symbolique de ces médailles n’a été pleinement réalisé que par les guerriers autochtones auxquels elles ont été données. Ces petites sculptures, conçues à l’imitation d’anciennes monnaies romaines, sont des objets typiquement occidentaux créés pour agir comme des instruments de communication à travers différents espaces géographiques, culturels et temporels. De petites tailles et facilement transportables, les médailles étaient relativement bon marché en fonction des matériaux à partir desquels elles étaient fabriquées. Produites en grandes quantités, elles étaient l’instrument idéal pour véhiculer des messages à grande échelle.
Cette conférence se propose d’examiner plus particulièrement la médaille de la famille royale de Louis XIV qui a été décernée aux alliés amérindiens de la France. Pour certaines tribus dont les algonquins et les iroquois, le roi était appelé « le grand Onontio » titre dérivé de celui donné aux gouverneurs de la Nouvelle-France. Ce terme était une traduction huronne du nom de Charles Huault de Montmagny, premier gouverneur de la Nouvelle-France qui était perçu et présenté comme une sorte de « père » au sein de l’Alliance. Le roi de France était lui-même perçu comme le père des pères, un « Onontio » au-dessus de tous ceux qui portaient ce titre. Le concept de famille représenté sur cette médaille fonctionne par conséquent comme une allégorie du lien entre le roi de France et ses sujets, il s’agit donc d’un message idéologique puissant pour ceux qui vivent dans les colonies loin du centre de l’empire. La réception positive de ces médailles par les partisans autochtones des colons français révèle les pouvoirs talismaniques et politiques changeant que ces objets pouvaient véhiculer dans différents contextes culturels. Les lettrés et antiquaires qui ont conçu l’iconographie de ces œuvres n’avaient sans doute pas prédit avec quel enthousiasme elles seraient reçues et réinvesties par les Amérindiens. Je tenterai de démontrer que les médailles royales françaises avaient la même fonction pour les peuples autochtones que les ornements qu’ils portaient avant l’arrivée des colons européens et qu’ils ont donc dotées ces objets d’un nouveau pouvoir symbolique. Continuer la lecture de Conférence du GRHAM : « Quand la tête de Louis XIV pendait au cou des autochtones » par Robert Wellington (Paris, 18 octobre).
Guy-Louis Vernansal, Allégorie de la Révocation de l’Edit de Nantes, 1687, huile sur toile, 142 x 180 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.
Type : conférence. Date et heure : 13 janvier 2018 à partir de 17h. Lieu : Paris, INHA, salle Vasari, 1er étage.
Séance du samedi 13 janvier 2018, présentée par Daniel ALCOUFFE :
Maxime Georges MÉTRAUX (Sorbonne université) : Guy-Louis Vernansal (1648-1729) : métier et condition sociale d’un peintre cartonnier.
Brice LEIBUNDGUT : Jean-Baptiste Boiston (Morteau, 1734 – Paris, 1814), sculpteur ornemaniste de la seconde moitié du XVIIIe siècle.