Conférence du GRHAM : “Histoire de l’art et chasse au trésor”, par Christine Martin – Pinakotag (2 décembre, Paris)

Portrait de la marquise de Montesson (©Art In Lab)

 

Type : Conférence.
Date et horaire : 2 décembre 2021 à 18h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Jullian.
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Les travaux de restauration sont toujours un moment privilégié pour se pencher sur l’histoire d’une œuvre et tenter de retracer au moins une partie de son parcours. C’est aussi parfois — souvent —  l’occasion de jolies découvertes et, si retrouver la main d’un auteur reste le graal, identifier un modèle, un sujet, ou encore des circonstances de création constitue autant d’éléments qui nous entrainent bien souvent dans une chasse au trésor dont il ressort toujours quelque chose de passionnant.

Au-delà de la matière, objet principal de ses soins, le conservateur-restaurateur est en charge de la mémoire de l’œuvre qui lui est confiée. Elle constitue un élément majeur de la conservation préventive pourtant trop souvent laissé de côté, une fois les précieux éléments glanés au fil des recherches transcrits dans un simple rapport d’intervention. Nous pensons que le conservateur-restaurateur a ce rôle de conseil auprès de sa clientèle (à fortiori lorsqu’il s’agit du marché privé) et c’est à lui qu’incombe le devoir de faire parler les œuvres qui lui sont confiées, voire de faire appel aux sachants/historiens de l’art lorsque ses capacités sont dépassées. Nous nous appuierons sur deux cas pour illustrer cela : d’une part, la découverte et la reconnaissance du portrait de Madame de Montesson par Élisabeth-Louise Vigée Le Brun, d’autre part, les recherches, toujours en cours, menées sur une belle odalisque dont la signature joue le rôle de carte au trésor…

Ce sont des découvertes comme celles-ci qui nous ont conduits à développer Pinakotag, une solution de marquage innovante et non invasive qui permet d’inscrire la mémoire des œuvres sur elles-mêmes, et le cas échéant, la sauvegarder, l’enrichir et la partager. Véritable outil de conservation préventive autant que plateforme de gestion de collection, Pinakotag a remporté l’édition 2020 du Start-up Contest du salon SITEM dans la catégorie Innovation Technologique.

 

Biographie : Christine Martin a mené une reconversion professionnelle entre 2013 et 2016 pour réaliser un rêve d’enfant et devenir conservatrice-restauratrice de peintures de chevalet. Elle a fondé l’Atelier du Pigeonnier (Paris VIIe) et travaille auprès d’une clientèle privée. Sa carrière initiale en contrôle financier dans la construction industrielle l’a amenée à travailler sur le développement et le déploiement d’ERP (Enterprise Ressource Planning – Logiciel qui permet de suivre et gérer l’ensemble des données opérationnelles d’une entreprise). C’est cette double compétence qui lui a permis de développer Pinakotag.

Anetta Palonka-Cohin et Gabriel Bernard, “Une Adoration des bergers de François Fleuriot récemment restaurée dévoile ses secrets”

Fig. 1 : François Fleuriot, Adoration des bergers, 1620, huile sur toile, Hauteur : 116 cm ; Largeur : 150 cm, Hôpital Saint-Calais (Sarthe), Vue générale de la face avant restauration © Gabriel Bernard

La restauration de l’Adoration des bergers de Saint-Calais (Sarthe)[1] a été entreprise au cours de l’été 2020, dans le cadre de l’exposition Trésors d’Art Sacré consacrée à l’évolution de la peinture mancelle au XVIIe siècle, présentée en 2021 dans l’Abbaye Royale de l’Epau, aux portes du Mans[2] (Fig. 1 & 2).

Fig. 2 : Exposition : 30 ans de restauration par le Département de la Sarthe [Détail : Vierge et l’Enfant adoré par les anges de François Mongendre] — photo : S. Lagoarde waap.fr — création graphique Gleech

Aujourd’hui conservé dans la chapelle de l’hôpital de Saint-Calais, ce tableau a été peint en 1620 par François Fleuriot (actif au Mans dans la première moitié du XVIIe siècle), auteur de nombreuses toiles conservées dans les églises sarthoises[3]. Il a été très certainement offert par la famille de Flandre, seigneurs de Saint-Calais, comme l’indiquent leurs armes peintes sur l’œuvre (Fig. 3). Il peut à l’origine avoir été destiné à l’église Notre-Dame de cette ville, lieu de sépulture des membres de cette famille.

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Conférence : “L’entretien et le suivi sanitaire des œuvres en extérieur du Château de Versailles : examen des mesures préventives mises en place entre 2008 et 2018 et élaboration d’un protocole de traitement biocide” (annulée)

Apollon à la lyre ou apollon Cytharède, Allées du bassin d’Apollon conduisant au Grand Canal, côté Nord. Antique : torse. Complété au 17e siècle, Versailles, châteaux de Versailles et de Trianon

Evénement : Conférence

Lieu : Galerie Colbert, Salle Vasari

Date : 21 octobre 2019, 17h-19h (annulée)

Tessa Pirillo est conservatrice-restauratrice du patrimoine culturel, actuellement étudiante en conservation préventive. Elle mène un projet de recherche sur les sculptures en extérieur du parc du Château de Versailles.

Une première partie du projet porte sur l’examen des mesures de conservation préventive mises en place par l’équipe du suivi des œuvres en extérieur depuis 2008. En outre, le projet vise la mise en place d’un protocole de traitement biocide à travers des test comparatif de différent produits biocides.

Les changements de dimensions des tableaux de la collection du cabinet du Roi Louis XIV (1683-1709)

Les changements de dimensions des tableaux de la collection du cabinet du Roi Louis XIV (1683-1709)

Franciabigio, Portrait d’homme, Huile sur peuplier, Paris, musée du Louvre (INV. 517). Lumière réfléchie ©C2RMF

En octobre 1913, l’historien d’art italien Gustave Frizzoni corrobore la critique d’André-Charles Coppier, peintre et écrivain d’art :

« Ainsi, M. Coppier a très bien fait de signaler ces déplorables remaniements dans un des plus importants musées du monde, et il est à souhaiter vivement que la direction du Louvre, en tenant compte de ces observations, prenne à cœur la révision complète de tout ce qui a pu être altéré de cette manière et de rendre à ses toiles leurs justes proportions »[1].

L’auteur fait ici référence aux changements de dimensions de tableaux, réalisés par des peintres depuis leur création jusqu’au XIXe siècle, afin de répondre aux desiderata de leurs propriétaires. Ces modifications du format initial de l’œuvre – agrandissement, réduction ou changement de forme – peuvent intervenir à tout moment : pendant le temps de la création de l’œuvre, elles sont alors réalisées – ou du moins souhaitées – par l’artiste ; au cours de son parcours patrimonial, elles sont le fait alors de son propriétaire ou de son responsable juridique.

Nous nous intéresserons ici plus particulièrement aux changements de dimension des tableaux de la collection du Cabinet du Roi Louis XIV entre 1683 et 1709, dates auxquelles les inventaires des collections sont dressés par Charles Le Brun et Nicolas Bailly. Ces inventaires mentionnent le détail des œuvres composant la collection du Roi, accompagné des attributions et de leur format. Le travail de thèse d’Arnauld Brejon de Lavergnée sur l’Inventaire de Le Brun permet d’ajouter à ces informations la provenance, le lieu de conservation, et les dimensions actuelles des tableaux recensés[2]. L’interprétation des différences de dimensions d’un même tableau rapportées d’un inventaire à l’autre permet notamment de supposer un changement de format. Cependant, quantité de tableaux sont signalés « dans [leur] bordure dorée » dans chacun des deux inventaires. Restons donc prudents : d’autres explications à ces différences de format peuvent être avancées, comme la mesure du tableau avec ou sans son cadre, source d’erreurs dans l’appréciation des changements de dimensions. Continuer la lecture de Les changements de dimensions des tableaux de la collection du cabinet du Roi Louis XIV (1683-1709)

Restauration d’une Sainte Famille, école de Rubens XVIIe siècle

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Vue d’ensemble de la face de l’œuvre avant restauration. ©Marine Andrieux

L’article de Marine Andrieux, étudiante en Master 2 Conservation-restauration des biens culturels, mention « Méthodologie et pratique de la conservation restauration », présente la restauration d’une Sainte Famille attribuée à l’école de Peter Paul Rubens (1577-1640). Ce panneau peint provient du Trésor de la cathédrale Notre-Dame-de-la-Treille à Lille et a été restauré dans le cadre des enseignements pratiques de la première année de Master CRBC, de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, sous la direction d’Aurélie Nicolaus, maître de conférences associée et restauratrice de peinture. Les décisions relatives au traitement et au conditionnement de l’œuvre ont été prises en concertation avec Anne Da Rocha, responsable de la Commission diocésaine d’Art Sacré de Lille, et Julie Chantal, Conservateur des Antiquités et Objets d’Art du département du Nord.

Depuis la rentrée universitaire 2014, les étudiants de la spécialité peinture de troisième année de Licence Préservation des biens culturels et de première année de Master Conservation-restauration, sont chargés, individuellement ou en groupe, de la restauration d’une œuvre du diocèse de Lille, dans le cadre d’une convention de prêt instaurée entre les deux institutions.

Restauration d’une Sainte Famille, école de Rubens (XVIIe siècle), trésor de la cathédrale Notre-Dame-de-la Treille, Lille, dans le cadre du Master de Conservation-restauration des biens culturels (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne).

La Sainte Famille, déposée dans la cathédrale Notre-Dame-de-la-Treille, est une peinture à l’huile sur bois. La scène s’inscrit dans un format portrait et cintré. Elle représente Joseph, en arrière-plan, la tête bordée par le feuillage, ainsi que Marie et l’Enfant au premier plan de la composition. L’identité du peintre, comme la date de mise en œuvre, sont inconnues. Toutefois, la composition et le traitement stylistique expliquent notamment son rattachement à l’art de la Contre-Réforme des Pays-Bas au début du XVIIe siècle, et plus précisément à l’école de Peter Paul Rubens. Le portrait de Marie présente notamment une forte ressemblance stylistique et morphologique avec certaines œuvres de Peter Paul Rubens, comme La Vierge à la pervenche (inv. 2850, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles), œuvre collective de Peter Paul Rubens et de Peter Brueghel, pour laquelle l’épouse de Rubens, Hélène Fourment, servit de modèle. Continuer la lecture de Restauration d’une Sainte Famille, école de Rubens XVIIe siècle

Le bureau du roi à Versailles : regards croisés entre histoire matérielle, « entretien, réparation et restauration » par Jean-Henri Riesener et ses suiveurs.

 

©Marc-André Paulin
Fig.1 : Jean-François Oeben, Jean-Henri Riesener, Bureau du roi, 1769, Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon ©Marc-André Paulin

Le bureau du roi pour le château de Versailles[1] (Fig. 1) est l’un des meubles les plus emblématiques de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Il est également l’une des pièces les plus coûteuses de son époque : 62 000 livres ont été dépensées par le Garde Meuble de la Couronne pour sa fabrication[2].

Il est réalisé par Jean-François Oeben (1721-1763), ébéniste du roi et terminé par son élève Jean-Henri Riesener[3] (1734-1806), qui le livre en 1769. L’achèvement du meuble, entre la commande passée à l’ébéniste et la livraison a demandé neuf années de réflexions et d’essais[4].

Si sa décoration en bronze doré et en marqueterie est d’une grande qualité, la prouesse est sans conteste l’exécution du mécanisme qui sert à ouvrir et à fermer le cylindre par un simple tour de clef, ce qui implique pour l’ébéniste de produire plusieurs mécaniques avant de réaliser celle qui fonctionne : « avoir fait différentes méchanique pour trouver le moien de faire monter et décendre le cilindre sans toucher avec la main ny monter de ressort. »[5]

Cette partie est celle qui nécessite probablement le plus de temps dans le processus créatif du bureau puisqu’il a fallu s’y reprendre à plusieurs fois pour Continuer la lecture de Le bureau du roi à Versailles : regards croisés entre histoire matérielle, « entretien, réparation et restauration » par Jean-Henri Riesener et ses suiveurs.

Compte rendu d’exposition: “Charles Le Brun le peintre du Roi-Soleil” (musée du Louvre-Lens, mai – août 2016)

Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661, huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre
Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661, huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre

Le GRHAM s’est rendu au musée du Louvre-Lens le lundi 6 juin 2016 pour visiter l’exposition consacrée à « Charles Le Brun (1619-1690), le peintre du Roi-Soleil », ainsi que les collections semi-permanentes installées dans la Galerie du temps. A cette occasion, il a également été possible de découvrir les réserves et les œuvres actuellement en cours de restauration. L’association remercie chaleureusement l’accueil qui a été réservé à ses membres par Fabien Dufoulon, responsable du Centre de ressources du musée, et Caroline Chenu, régisseur des œuvres du musée.

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À la (re)découverte du Sloane Ms 2052 de la British Library (Londres)

after Sir Peter Paul Rubens, oil on canvas, (circa 1630)
Pierre Paul RUBENS (attribué à), Théodore de Mayerne, vers 1630, 141,3 x 108,9 cm, peinture à l’huile sur toile, Raleigh, North Carolina Museum of Art, inv 52.9.106.

Le manuscrit Sloane 2052 de la British Library[1], attribué à Théodore de Mayerne dit Théodore Turquet de Mayerne, est considéré depuis le XIXe siècle[2] comme un document de premier plan : une source originale capitale pour l’histoire des technologies artistiques. Il a plusieurs fois été transcrit, traduit et publié[3]. Historiens de l’art, conservateurs-restaurateurs et physiciens-chimistes ont puisé dans ses lignes des pistes de réflexion, des hypothèses ou des éléments de réponse à leurs recherches. Une nouvelle approche, fondée sur une étude du réseau de son auteur, de son contexte de création et de son contenu technologique, permet de redécouvrir ce manuscrit connu comme le manuscrit de Mayerne.

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