Type : Colloque. Date et horaire : 5 décembre 2020. Lieu : Rouen, Musée des beaux-arts, auditorium Pour tout renseignement : colloquecontact@gmail.com
Le colloque se déroulera en visio-conférence sur inscription préalable
ARGUMENT :
Quand les images sont muettes il est tentant de leur extorquer la parole. Telle est la fonction de l’expression des passions qu’exposeraient les visages et les corps dans la peinture des XVIe et XVIIe siècles.
Mais pensées, sens, sensations et sentiments sont-ils véritablement lisibles dans le visibles ? Sous quelles conditions le sont-ils ? Pourrions-nous non pas réduire les corps à des mots, mais seulement les faire agir sur d’autres corps, corps à corps ?
En proposant à l’analyse un certain nombre de postures exemplaires – se tenir, se dresser, surgir, faire face, se retourner, porter, tendre, prendre, indiquer, etc. – ce colloque interdisciplinaire se propose d’étudier la généalogie, le sens, les enjeux et les effets produits que peut induire la représentation corporelle.Continuer la lecture de Colloque : [IM]POSTURES. LANGAGES DU CORPS A L’EPOQUE MODERNE
Cet ouvrage, intitulé Le fond de l’œuvre. Arts visuels et sécularisation à l’époque moderne est publié aux Éditions de la Sorbonne sous la Direction d’Émilie Chedeville, Étienne Jollet et Claire Sourdin.
Présentation
Selon certaines habitudes visuelles occidentales fixes, le fond s’opposerait à la forme ou à la figure, l’avant au fond. Pour un tableau, une sculpture ou même pour une architecture, le rapport entre le fond et la forme qui s’y découpe révèle un certain ordre du monde symbolique, du moins signifiant. Or, cette hiérarchisation se voit précisément bouleversée aux XVIIe et XVIIIe siècles et l’inscription dans une compréhension du monde n’est plus si évidente. L’instabilité engendrée par ce renversements de valeurs met en lumière l’ébranlement des consciences de la seconde modernité, et cela sur plusieurs registres : spirituel, mais aussi politique ou encore sensible. Cette publication entend cerner la manière dont le questionnement sur la notion de fond dans les arts visuels s’articule à des enjeux plus généraux et propres à la période moderne, dont la sécularisation. Aborder une œuvre par le truchement du fond met donc en lumière grand nombre de ses spécificités.
Philippe de Champaigne, Moïse tenant les tables de la Loi 1648,huile sur toile 93×74,1cm. Milwaukee Art Museum.
Séminaire d’Initiation à la recherche en histoire de l’art moderne 2020 (M1 et M2) – Université de Paris I Panthéon-Sorbonne – Histoire et théorie de l’art
Lieu : INHA, mardi 9h-11h, Salle Demargne
Dans son ultime et inachevé livre posthume – L’image de religion dans l’Occident chrétien, (Paris, Gallimard, 2015) -, l’historien Alphonse Dupront appelait à une
« iconologie historique », prenant en charge l’infinie variété des images : un «peuple d’images» et non les seuls chefs-d’œuvre. Des images, saisies dans leurs articulations étroites à l’écrit (Bible, vies de saints, écrits mystiques, etc.), comme aux autres représentations dont le chercheur tentait de scruter le «faire plastique», le «vocabulaire» et le «langage» propre. Le «principe d’organicité» qui devait régir l’analyse sérielle de vastes corpus obligeait néanmoins à privilégier l’in situ et les «enracinements autochtones». C’est là seulement, selon Dupront, que l’investigation peut être attentive au singulier et aux exceptions, aux «éclaircissements différentiels» (et pas seulement aux dominantes), aux rites, à la liturgie, au «vécu» d’une expérience collective pour laquelle l’image est avant tout «connaissance existentielle» et «tremplin de l’au-delà». L’approche ainsi choisie faisait de l’image le «support» et la «voie d’accès» non seulement aux significations et aux fonctions des représentations mais, plus largement, à un «imaginaire collectif» qui était la visée ultime de cette génération d’historiens.
Conçu comme un cycle de conférences/dialogues entre spécialistes (universitaires, conservateurs) et étudiants (avec rapporteurs chargés d’animer les séances par leurs questions et commentaires), le séminaire se propose d’interroger le modèle que peut encore représenter «l’image de religion» pour l’histoire de l’art du XVIIe siècle.
Programme
21 janvier – Frédéric Cousinié (Université de Rouen Normandie), « Introduction : légitimations et fonctions de l’image de religion au XVIIe siècle ».
28 janvier – Frédéric Cousinié (Université de Rouen-Normandie), « Images et pratiques méditatives ».
4 février – Emilie Chedeville (Université de Paris I Panthéon-Sorbonne), « Les décors de l’église Saint-Laurent à Paris : une théologie du signe religieux ? ».
11 février – Valentine Langlais (Université Paul Valery, Montpellier III), « Les chapelles du Saint-Sacrement dans les Anciens Pays-Bas catholiques des XVIe-XVIIe siècle ».
25 février – Philippe Luez (Musée national des Granges de Port-Royal), « Les imagiers de Notre-Dame de Liesse et les dévotions mariales au XVIIe siècle ».
3 mars – Giovanni Careri (EHESS), « Annibale Carracci. Un mangeur de haricots à Emmaus ».
10 mars – Pierre Antoine Fabre (EHESS), « La Sainte Françoise Romaine de Nicolas Poussin est-elle un ex-voto ? Réflexions sur l’interprétation dévotionnelle d’un “grand tableau” ? ».
17 mars – Emmanuel Luis (Service de l’Inventaire, DRAC Normandie, Caen), « Du tableau d’autel au calice, de quelques images religieuses du XVIIe siècle en Normandie : iconographie, circulation des modèles ».
24 mars – Mickaël Szanto (Sorbonne Université, Paris IV), « Une peinture du temps chrétien? La Danse de la vie humaine de Nicolas Poussin (Londres, The Wallace Collection) ».
31 mars – Cécile Vincent-Cassy (Université de Paris XIII), « Images, sculptures, reliques et reliquaires en Espagne et dans le monde ibérique ».
21 avril – Bruno Nassim Aboudrar (Sorbonne Université, Paris III), « Splendeur de la misère : du rapiècement ».
28 avril – Anne Le Pas de Sécheval (Université Paris Ouest Nanterre La Défense), « Peinture d’église et identité cléricale : étude comparée de quelques commandes de clercs séculiers dans le Paris du XVIIe siècle. »
Entrée livre dans la limite des places disponibles
PARRET Herman, La main et la matière, Paris, Hermann Philosophie, 2018.
Présentation de l’éditeur :
Comment la main donne-t-elle forme à la matière dans la pratique artistique ? Comment concevoir leur rapport dans la genèse d’une œuvre d’art ? Le présent ouvrage propose une relecture de la pensée esthétique à partir de questions durablement escamotées par ses historiens. Au revers de l’oculocentrisme dominant s’est développée en effet, dès la naissance de l’esthétique au XVIIIe siècle, comme la face occulte d’un Janus, une haptologie de l’œuvre d’art qui détermine l’expérience esthétique comme essentiellement sensorielle et corporelle, et la pratique artistique comme le cheminement de la main trouvant son chemin au cœur de la matière.
Herman Parret retrace l’histoire de cette esthétique haptologique et en analyse les concepts-clés à travers une relecture des textes fondamentaux, de Baumgarten à Lyotard, en passant par Lessing, Diderot, Kant, Herder, Nietzsche, Riegl, Husserl, Merleau-Ponty, Jean d’Udine, Henri Focillon et Gilles Deleuze. Il montre comment l’hypothèse haptologique s’immisce dans le cadre général de réflexion de ces penseurs et finit toujours par s’y justifier, dégageant une continuité méconnue sur plus de deux siècles d’esthétique philosophique.
Herman Parret est professeur émérite de philosophie du langage et d’esthétique à l’université de Louvain (KU Leuven). Ses publications concernent la pragmatique linguistique et philosophique, la sémiotique textuelle et visuelle, l’épistémologie de la linguistique et de la sémiotique, et l’esthétique philosophique.
François Boucher, La Nymphe Callisto, séduite par Jupiter sous les traits de Diane (détail), 1759, huile sur toile, 57 x 69 cm, Kansas City, The Nelson-Atkins Museum of Art.
Type : Journée d’études.
Date et horaire : mercredi 13 juin 2018 à partir de 9h20.
Lieu : salle Vasari, Institut National d’Histoire de l’Art (INHA) 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.
Cette journée d’étude se propose de réfléchir sur la notion peu étudiée du mou en histoire de l’art. Elle sera déclinée et analysée sous ses appellations de morbidezza, mollesse et moelleux dans les domaines de la sculpture et de la peinture pendant la période moderne.
Pierre Quentin Chedel d’après François Boucher, Frontispice, dans Charles Pinot-Duclos, Acajou et Zirphile (1743).
Type : Conférence (entrée libre)
Date et horaire : jeudi 17 mai 2018 à 19h
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
Alors que Jean Starobinski a magistralement analysé la place de “Diderot dans l’espace des peintres” (Paris, RMN, 1991), il s’agira plus modestement, et en sens inverse, d’indiquer la place de Boucher dans l’espace des lettres. Est-ce tout à fait un hasard que l’on ait si souvent désigné Boucher comme le “Fontenelle de la peinture” ? En s’interrogeant d’abord sur le succès de cette formule, on examinera quelques aspects de cette interaction multiple et complexe de l’oeuvre de Boucher et de la littérature du XVIIIe siècle, en s’intéressant plus particulièrement à trois cas permettant de mesurer à quel point le siècle des Lumières a pu tout à la fois écrire avec et contre Boucher : Acajou et Zirphile de Duclos (1743) ; les Salons de Diderot (1759 – 1767) ; La Nouvelle Héloïse de Rousseau (1761).
Christophe Martin est professeur de littérature française à la Faculté des Lettres de Sorbonne Université et directeur de CELLF (UMR8599). Spécialiste du XVIIIe siècle et en particulier de Fontenelle, Marivaux, Montesquieu, Diderot et Rousseau, ses recherches portent principalement sur les liens entre fiction, anthropologie et philosophie. Il est l’auteur, notamment, de Espaces du féminin dans le roman français du XVIIIe siècle (SVEC, Voltaire Foundation, 2004) ; “Education négative”. Fictions d’expérimentation pédagogique au XVIIIe siècle (Garnier, 2010) ; La Religieuse de Diderot (Gallimard, 2010) ; Mémoires d’une inconnue. Etude de La Vie de Marianne de Marivaux (Rouen, PURH, 2014) ; L’Esprit des Lumières. Histoire, littérature, philosophie (Armand Colin, 2017). Il est directeur-coordinateur des Oeuvres complètes de Rousseau en cours de publication aux éditions Classiques Garnier, et co-directeur de la collection”L’Europe des Lumières” chez le même éditeur.
Nicolas Bernard Lépicié (1735-1784). “La Chapelle du Calvaire à l’église Saint-Roch”. Paris, musée Carnavalet.
Type : Conférence (entrée libre)
Date et horaire : jeudi 19 avril 2018 à 19h
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com
À l’aide d’une sélection d’exemples, cette conférence se propose d’analyser deux phénomènes spécifiques au XVIIIe siècle en matière de peinture religieuse : d’une part son esthétisation et sa sécularisation, d’autre part la perte de sa fonction spécifique et sa patrimonialisation. En effet, à partir de la mort de Louis XIV, l’image religieuse connaît une transformation profonde. À la dévotion imprégnée de foi catholique succède une forme sécularisée de recueillement esthétique. L’explication théologique fait place à la description esthétique, l’ekphrasis se substitue à l’exégèse. Les églises parisiennes au décor riche d’art ancien et contemporain deviennent « un salon continuellement ouvert aux étrangers, & aux curieux qui y abondent de toutes parts pour admirer leurs ouvrages ». En même temps, le « Salon » au Louvre offre une plateforme publique inédite aux artistes de peinture religieuse. On assiste à une véritable réévaluation de l’image religieuse, cette dernière étant désormais considérée d’abord comme une œuvre d’art, qu’il s’agit d’exposer, de soumettre à la critique, de restaurer ou même d’éloigner des regards. La dignité spirituelle, qui singularisait la peinture religieuse aux yeux des visiteurs croyants du Grand siècle, n’est plus un critère signifiant pour les amateurs d’art au Siècle des Lumières.
Martin Schieder est professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain à l’Universität Leipzig depuis 2008. En 1994, il a soutenu une thèse à la Freie Universität Berlin sur la peinture religieuse à la fin de l’Ancien Régime (Jenseits der Aufklärung. Die Religiöse Malerei im ausgehenden Ancien Régime, 1997) qui a reçu le prix Marianne Roland Michel en 2012 et a ainsi pu être traduite en français sous le titre Au-delà des lumières, la peinture religieuse à la fin de l’Ancien Régime (2017). Sa thèse d’habilitation à diriger des recherches, intitulée Dans le regard de l’autre. Les relations artistiques franco-allemandes, 1945–1959 a été récompensée du Prix parlementaire franco-allemand 2005 de l’Assemblée nationale et du Bundestag allemand. Auparavant, Martin Schieder avait occupé un poste d’assistant scientifique (1996–2004), puis de professeur invité à la Freie Universität Berlin (2004–2007) ainsi que de directeur adjoint au Centre allemand d’histoire de l’art Paris (1997–2001). Il a de plus été chercheur invité du Getty Research Institute à Los Angeles (2013–2014) et professeur invité à l’Université Paris IV – Sorbonne (2015). Il a publié de nombreux travaux sur l’art du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours, les transferts culturels, l’histoire de la critique d’art, ainsi que dans le domaine des Exhibition Studies et des Studio Studies.
Arrière de l’Eglise Abbatiale de St Antoine l’Abbaye
Type : Journée d’études
Date : 15 – 16 septembre
Lieu : France, Saint-Antoine-l’Abbaye
Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les Antonins à la croisée des chemins. Journées d’étude internationales organisées par le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye. 15 – 16 septembre 2017
Dans le prolongement de son cycle d’expositions initié en 2016 autour de l’exposition Bâtisseurs d’Éternité, le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye organise du 9 juillet au 8 octobre 2017 une exposition programmée en lien avec la réouverture progressive des espaces muséographiques consacrés à l’histoire des hospitaliers de Saint-Antoine ou antonins, des origines au XVIIIe siècle. Cette exposition, De soie et d’ailleurs, une histoire à la croisée des chemins, et la publication qui l’accompagne, appuyées par les contributions de spécialistes, auteurs de nombreux ouvrages de référence, proposent de poursuivre parallèlement la recherche pluridisciplinaire autour de l’église abbatiale édifiée de la fin du XIIe siècle à la fin du XVe siècle, du bourg attenant comme du vaste réseau de préceptories au Moyen Âge et de commanderies à l’Époque Moderne structurées le long des grands axes stratégiques qui ont façonné l’Europe. Si la soie est en quelque sorte le fil d’Ariane de cette nouvelle présentation, c’est aussi parce que, aux confins des XVIIe et XVIIIe siècles, une manufacture florissante fut implantée aux portes de l’abbaye, redessinant par l’entremise de deux dynasties de soyeux, les contours du bourg médiéval. En prolongement de l’exposition, le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye organise les secondes journées d’étude, programmées les 15 et 16 septembre 2017 et intitulées Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les antonins à la croisée des chemins. Continuer la lecture de Conférence : Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les antonins à la croisée des chemins
Rutgers Art Review, a journal of graduate research in art history, hereby invites all current graduate students, as well as professionals who have completed their doctoral degree within the past year, to submit papers for its 35th edition.
Etienne Fessard d’après Charles-Joseph Natoire, Vue perspective de la Chapelle des Enfants Trouvés à paris, 1752 – 1759, gravure, Paris, Bibliothèque nationale de France.
Type : Conférence
Date : 18 – 19 septembre 2017
Lieu : Dresde
Diesseits und Jenseits von Reproduktion. Druckgrafik und der Kanon der Europäischen Malerei. BEYOND REPRODUCTIVE PRINTMAKING. PRINTS AND THE CANON OF EUROPEAN PAINTING (ca. 1500 – 1810).
Eine kooperative Veranstaltung des Kupferstich-Kabinetts der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden und des Institutes für Kunst- und Musikwissenschaft der TU Dresden (Lehrstuhl für Mittlere und Neuere
Jean-Baptiste Siméon Chardin, La Raie, 1728, huile sur toie, 114 x 146 cm, Paris, musée du Louvre.
Type : Appel à communication
Date limite de l’appel : 30 septembre 2017
Date de l’événement : 11 – 12 décembre 2017
Lieu : Hambourg, Kunstgeschichtliches Seminar and Maimonides Centre for Advanced Studies, Universität Hamburg
Today, images as media of knowledge production play a more prominent role than ever before. But this flood of images, e.g. in the new media, makes them seem problematic in relation to this function. Increasingly important in the situation is the question of how images are to problematize their own status as media of knowledge production – to exhibit this status on the one hand, and to call it into question on the other. Continuer la lecture de Appel à communication : Visual Skepticism: How Images Doubt
Louis-Simon Boizot, Méléagre, 1771, 80 x 38 x 53 cm, Paris, musée du Louvre
Type : Appel à publication
Date limite de l’appel : 30 octobre 2017
Appel à contributions pour la partie thématique du numéro 5 (2018) de la revue Sculptures : Voir la sculpture, dirigée par Claire Barbillon
« On éprouve un bien vif plaisir quand on voit un grand ouvrage de sculpture, largement et simplement exécuté. Quand on a bien joui de l’ensemble, on cherche, en se rapprochant, à voir des détails […] c’est pour ainsi dire un voile qu’on lève. Les variations du jour mettent en évidence les détails qui, quelques heures avant, étaient invisibles », écrit David d’Angers. Cette révélation progressive de la sculpture à son regardeur, cette introduction du temps dans l’expérience de la perception de la sculpture sont des enjeux fondamentaux de la modernité qui ont été mis en valeur par nombre d’historiens et de théoriciens de l’art au cours du dernier siècle (Hildebrand, Simmel, Giedion-Welcker, Wittkower, Jauss, Kraus, Potts, parmi d’autres). Continuer la lecture de Appel à publication : Revue Sculptures, No. 5: Voir la sculpture
Jean-Baptiste Lesueur, La plantation d’un arbre de la liberté en 1790.
Type : 4 Appels à communication
Date de l’événement : 21 – 24 février 2018
Lieu : Los Angeles
106th College Art Association Annual Conference, Los Angeles, February, 21 – 24, 2018
1. Historicizing Loss in Early Modern Europe
Submission Deadline: August 14, 2017
Chair: Julia Vazquez, Columbia University
The history of art and architecture in Baroque Madrid is bookended by two major events: the fire that burned down the Pardo Palace in 1604 and the fire that burned down the Alcázar Palace in 1734. Resulting in the loss of dozens of paintings by Titian, Antonis Mor, and Velázquez, in addition to the buildings themselves, these events represented unprecedented moments of loss to the historical record of this period. Continuer la lecture de Appels à communication : 4 sessions at CAA (Los Angeles, 21-24 Feb 18)