Archives de l’auteur : Florence Fesneau

À propos Florence Fesneau

Doctorante en Histoire de l'art moderne (Université Paris I - Panthéon Sorbonne)

Colloque FUMAROLI, le 3 juin 2021, Collège de France

Colloque organisé par le Collège de France et le musée du Louvre
Sous la présidence de Thomas Römer, administrateur du Collège, et Jean-Luc Martinez, président directeur du Louvre
En collaboration avec la Société des Amis du Louvre
 
De L’École du Silence à Paris-New York et Retour, de Poussin à Caylus, Marc Fumaroli (1932-2020) de l’Académie Française, qui fut pendant deux décennies Président de la Société des Amis du Louvre (1996-2016), a laissé un héritage intellectuel considérable dans les études d’histoire de l’art et dans le monde des musées. Deux journées de colloque consacrées à l’actualité de l’œuvre de Marc Fumaroli dans la littérature, les arts et la politique culturelle sont organisées au Collège de France et à l’Auditorium du Louvre. 

 

Jeudi 3 juin 2021, Collège de France

(entrée libre, Amphitéâtre Navarre, jauge de 200 places)
Retransmission en live sur la chaîne Youtube des Amis du Louvre (lien à venir)
 
Communications
 
9h
Ouverture
par Thomas Römer, administrateur du Collège de France
 
(Président : Michel Zink)
9h15  
La sagesse des Anciens
Françoise Graziani
 

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Appel à communication : « Études et exercices polysémiques autour d’une œuvre : La France apportant la foi aux Wendat de la Nouvelle-France »

 

Ariste français inconnu, La France apportant la foi aux Wendat de la Nouvelle-France, vers 1666; huile sur toile, 227,3 x 227,3 cm, Pôle culturel du Monastère des Ursulines de Québec (Québec, Canada), NAC 1997.1017.                        Mission du Pôle culturel du Monastère des Ursulines
Créé en octobre 2016 et situé à Québec au 12, rue Donnacona, le Pôle culturel du Monastère des Ursulines est un organisme à but non lucratif, qui a pour mission de témoigner de la présence et de l’œuvre des Ursulines de l’Union canadienne des Moniales de l’Ordre de Sainte-Ursule et de partager leur héritage en offrant des activités misant sur des échanges, des expériences et des rencontres en art et patrimoine. Il agit comme médiateur auprès des citoyens et des visiteurs intéressés par les domaines culturel et spirituel. En tant que dépositaire d’une part de l’important legs culturel, artistique, archivistique, religieux et éducatif des Ursulines, le Pôle culturel conserve et met en valeur le patrimoine exceptionnel constitué par la communauté depuis son arrivée en Nouvelle-France en 1639 et contribue à en assurer la pérennité.

 

Type : appel à communication

Date limite de l’appel : 31 mai 2021

Date de l’événement : 29 octobre 2021

Lieu : UQAM, Montréal

 

Colloque international bilingue (français et anglais), le 29 octobre, à l’UQÀM.

Les propositions de communication (400 mots), en français ou en anglais, devront être accompagnées d’une biographie succincte (150 mots) et envoyées avant le 31 mai 2021 à : ouellet.pierre-olivier@uqam.ca et longtin.marianne.2@courrier.uqam.ca

English version follows

Études et exercices polysémiques autour d’un tableau : La France apportant la foi aux Wendat de la Nouvelle-France Continuer la lecture

Conférence du GRHAM : « La Cité du Soleil : Le Lorrain et la Rome d’Urbain VIII Barberini », Frédéric Cousinié.

Giovanni Ferro, Teatro d’imprese, Venise, G. Sarzina, 1623, frontispice.

 

Type : Conférence.

Date et horaire : jeudi 18 février 2021 à 19h.

Lieu : En ligne / Zoom.

Pour tout renseignement et inscription : asso.grham@gmail.com

Le motif solaire, si abondant dans la peinture de Claude Lorrain, ne témoigne pas seulement des préoccupations esthétiques ou naturalistes de l’artiste. Il est encore à comprendre dans le cadre des affrontements politiques et nationalistes de la première moitié du XVIIe siècle. En revenant sur l’analyse du Port de mer avec soleil couchant (1639) du musée du Louvre, la communication tentera d’établir ce que ce tableau doit aux préoccupations identitaires de son premier commanditaire : Urbain VIII Barberini. Continuer la lecture

Publication : Du corpus à l’exégèse. Interpréter la peinture du XVIIe siècle en France

 

Du corpus à l’exégèse. Interpréter la peinture du XVIIe siècle en France, F. Cousinié (dir.), Rouen, PURH, 2020

Qu’est-ce qu’ « interpréter » un tableau ? Faut-­il privilégier le s intentions déclarées ou implicites de l’artiste et des commandi­taires ? En rester aux interprétations historiques, contempo­raines de l’œuvre ? Ou accueillir les réceptions postérieures ? Que faut-­il interpréter ? La composition, ses figures, l’histoire et la narration déployée, les motifs et les thèmes ? Et comment prendre en compte les œuvres «sans histoire »? Les matériaux, pigments, grains, touches et l’ensemble des formes plastiques des œuvres doivent-­ils être étudiés ? L’unité désormais muséale du tableau peut-­elle être dissociée de l’environnement spatial, des objets, des corps, des savoirs et des usages dans lesquels il s’inscrivait et auxquels il répondait auparavant? Mais faut-­il toujours interpréter ? L’œuvre requiert-­elle vrai­ ment et seulement ce mode de relation ? Ce volume s’efforce de répondre à ces questions sans cesse posées, reposées par l’historien de l’art et tout amateur de peinture, à propos d’œuvres peintes au sein du XVIIe siècle, qui invente le terme d’herméneutique, art de l’interprétation. 

Table des matières

Avant-Propos : La conversion du regard. La peinture du XVIIe siècle d’après et après Marc Fumaroli (F. Cousinié)

Introduction : Le sens du passé (F. Cousinié)

I. Historiciser l’interprétation ? Protocoles et sources de l’interprétation

Tatiana Senkevitch (The Sarah Campbell Blaffer Foundation, Houston) – « Exercising l’esprit de finesse: Pascalian Aesthetics and French painting in the 1650s » ;
Colette Nativel (Université de Paris I) – « Lire un tableau selon Rubens : le cas de la Galerie Médicis » ;
Olivier Bonfait (Université de Bourgogne) – « Lire ou interpréter ? L’allégorie dans la peinture en France au xviie siècle de Poussin à Lebrun » ;
Anne le Pas de Sécheval (Université de Paris Ouest Nanterre La Défense) – « Guillet de Saint-Georges interprète de Charles Le Brun ? Réflexions sur les descriptions de L’Élévation de la Croix (1685) et de La Montée au Calvaire (1688) » ;
Alexandra Woolley (Université Toulouse Le Mirail) – « « Interpréter la volonté de Dieu » : Vincent de Paul et la sculpture des âmes » ;
Marie Chaufour (Université de Bourgogne Franche-Comté) – « De l’interprétation d’un tableau énigmatique dans la Satyre d’Euphormion de Jean Barclay » ;
Emmanuelle Hénin (Université de Paris IV Sorbonne) – « Le mot ingénieux : théorie emblématique et pratique picturale ».

II. Trajets de l’interprétation

Véronique Meyer (Université de Poitiers) – « Jean Pesne, graveur de Poussin » ;
Cécile Vincent-Cassy (Université est Paris 13-Sorbonne Paris Cité) – « Cultes et diplomatie de l’art au temps de Philippe IV d’Espagne. À propos d’une petite Assomption de Jacques Stella placée en bas d’un retable » ;
Johannes Schwabe (Université Humboldt à Berlin / Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) – « Aux pieds du roi. Une série de copies d’après un tableau d’Henri Testelin sous l’angle de la théorie de la réception » ;
Thomas Kirchner (Centre allemand d’histoire de l’art, Paris) – « Reconstituer les débats autour du portrait dans la France du xviie siècle » ;
Emmanuel Faure-Carricaburu (Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis) – « Application du concept de transgénéricité à l’analyse de la peinture française du xviie siècle ».

III. Les fins de l’interprétation

Matthieu Somon (Université de Paris I Panthéon-Sorbonne) – « Autour des trois Moïse de Philippe de Champaigne » ;
Ralph Dekonink (Université catholique de Louvain-la-Neuve) – « Penser et peindre par figures. Mystère et figurabilité dans la Fuite en Égypte de Poussin » ;
Étienne Jollet (Université de Paris I Panthéon-Sorbonne) – « L’interprétation à l’épreuve de l’œuvre. À partir du Pèlerinage à l’île de Cythère d’Antoine Watteau » ;
Christian Belin (Université Paul Valery – Montpellier 3) – « L’irréel du tableau chez La Fontaine » ;
Clélia Nau (Université Paris Diderot), « Matérialités des feuillages. Réintégrer ce qui échappe au sens : l’ambiance, le bruit » ;
Bruno Nassim Aboudrar (Université Sorbonne Nouvelle Paris 3) – « En deçà du motif : interpréter l’insignifiant » ;
François Trémolieres (Université de Rennes 2) – « Yves Bonnefoy interprète de Poussin ».

Du corpus à l’exégèse. Interpréter la peinture du XVIIe siècle en France, F. Cousinié (dir.), Rouen, PURH, 2020(400 p., ill. coul., 39 euros, isbn : 9791024013145)

L’ouvrage est notamment disponible auprès du comptoir des presses d’universités  : https://www.lcdpu.fr/livre/?GCOI=27000100588310

Publications de la collection Ars

Trois nouveaux ouvrages sont édités dans la collection « ars » co-dirigée aux éditions 1  : 1 par Giovanni Careri (EHESS) et Frédéric Cousinié (Université de Rouen-Normandie) :

  • Connecteurs divins. Objets de dévotion dans l’Europe moderne (XVIe-XVIIe siècle), dir. : F. Cousinié, J. Blanc, D. Solfaroli Camillocci, Paris, éd. 1 : 1., coll. ars, 2020, 304 pages (isbn : 979-10-97193-02-7) 35 euros

TABLE DES MATIÈRES : Introduction (F. Cousinié) / Porter l’Agnus Dei. Usages et images des bijoux sacrés entre Renaissance et Contre-Réforme (Anne Lepoittevin, Sorbonne Université) / Le chapelet entre dénonciations et défenses. La critique du rosaire dans la littérature religieuse et la culture visuelle réformées du xvie siècle (Daniela Solfaroli Camillocci, Université de Genève) / Légitimation et inscription fictionnelle – Ceinture, Cordon, Scapulaire dans la France du xviie siècle (Frédéric Cousinié, Université de Rouen-Normandie) / Spiritualité et effets d’incorporation – Ceinture, Cordon, Scapulaire dans la France du xviie siècle (Frédéric Cousinié, Université de Rouen-Normandie) / Croix de cou, croix de cour (Nancy Oddo, Université de Paris Sorbonne III) / Connexion, déconnexion, reconnexion : images du crucifix dans la peinture néerlandaise du xviie siècle (Jan Blanc, Université de Genève) / Johannes van Neercassel et les « marques extérieures de dévotion à la sainte Vierge » dans les Provinces-Unies au xviie siècle (Léonie Marquaille, Université de Lausanne) / Conversion d’objets, conversion d’espaces : La Madeleine avec deux anges du Guerchin (vers 1622) à l’église Santa Maria Maddalena delle convertite (Célia Zuber, Paris-Ehess, Université de Genève).

  • Cécile Vincent-Cassy, Velázquez. Voir les anges, Paris, éd. 1 : 1, coll. ars, 2020, 76 p. (Isbn : 979-10-97193-04-1) 17 euros

L’auteure est maîtresse de conférences HDR à l’Université de Paris 13. Hispaniste, historienne de l’art, ses travaux portent sur l’Espagne des XVIe et XVIIe siècles. Elle a publié : Les saintes vierges et martyres dans l’Espagne du XVIIe siècle. Culte et image, Madrid, Casa de Velázquez, 2011.

  • Jan Blanc, Stilleven : Peindre les choses au XVIIe siècle, Paris, éd. 1 : 1, coll. ars, 2020, 264 p. (Isbn : 979-10-97193-03-4) 27 euros

L’auteur est professeur d’histoire de l’art de la période moderne à l’Université de Genève. Spécialiste de l’art des Pays-Bas, il a notamment écrit Peindre et penser la peinture au XVIIe siècle : la théorie de l’art de Samuel van Hoogstraten (2008) ; Vermeer : la fabrique de la gloire (2014) et Le Siècle d’or hollandais : une révolte culturelle au XVIIe siècle (2019).

Ces trois livres s’inscrivent dans la collection « ars », collection d’histoire et théorie de l’art, où ont été précédemment édités des textes de : Michel Weemans, Clélia Nau, Frédéric Cousinié, Bertrand Prévost, Xavier Vert, Ralph Dekoninck, Giovanni Careri et Pierre Antoine Fabre, Cécile Vincent-Cassy, Jan Blanc (catalogue sur le Site des éditions : http://editions1sur1.wordpress.com/). Les ouvrages sont disponibles sur commande en librairie ou auprès de l’éditeur.

 

Colloque : [IM]POSTURES. LANGAGES DU CORPS A L’EPOQUE MODERNE

Type : Colloque.
Date et horaire : 5 décembre 2020.
Lieu : Rouen, Musée des beaux-arts, auditorium
Pour tout renseignement : colloquecontact@gmail.com

Le colloque se déroulera en visio-conférence sur inscription préalable

ARGUMENT :  

            Quand les images sont muettes il est tentant de leur extorquer la parole. Telle est la fonction de l’expression des passions qu’exposeraient les visages et les corps dans la peinture des XVIe et XVIIe siècles.

            Mais pensées, sens, sensations et sentiments sont-ils véritablement lisibles dans le visibles ? Sous quelles conditions le sont-ils ? Pourrions-nous non pas réduire les corps à des mots, mais seulement  les faire agir sur d’autres corps, corps à corps ?

            En proposant à l’analyse un certain nombre de postures exemplaires – se tenir, se dresser, surgir, faire face, se retourner, porter, tendre, prendre, indiquer, etc. – ce colloque interdisciplinaire se propose d’étudier la généalogie, le sens, les enjeux et les effets produits que peut induire la représentation corporelle. Continuer la lecture

Publication : Le fond de l’œuvre. Arts visuels et sécularisation à l’époque moderne

 

Nous vous signalons la sortie du 12e volume de la collection Histo.art.

Cet ouvrage, intitulé Le fond de l’œuvre. Arts visuels et sécularisation à l’époque moderne est publié aux Éditions de la Sorbonne sous la Direction d’Émilie ChedevilleÉtienne Jollet et Claire Sourdin.

Présentation

Selon certaines habitudes visuelles occidentales fixes, le fond s’opposerait à la forme ou à la figure, l’avant au fond. Pour un tableau, une sculpture ou même pour une architecture, le rapport entre le fond et la forme qui s’y découpe révèle un certain ordre du monde symbolique, du moins signifiant. Or, cette hiérarchisation se voit précisément bouleversée aux XVIIe et XVIIIe siècles et l’inscription dans une compréhension du monde n’est plus si évidente. L’instabilité engendrée par ce renversements de valeurs met en lumière l’ébranlement des consciences de la seconde modernité, et cela sur plusieurs registres : spirituel, mais aussi politique ou encore sensible. Cette publication entend cerner la manière dont le questionnement sur la notion de fond dans les arts visuels s’articule à des enjeux plus généraux et propres à la période moderne, dont la sécularisation. Aborder une œuvre par le truchement du fond met donc en lumière grand nombre de ses spécificités.

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Frédéric Cousinié. L’image de religion au XVIIe siècle

Philippe de Champaigne, Moïse tenant les tables de la Loi
1648,huile sur toile 93×74,1cm. Milwaukee Art Museum.

 

Séminaire d’Initiation à la recherche en histoire de l’art moderne  2020 (M1 et M2) – Université de Paris I Panthéon-Sorbonne – Histoire et théorie de l’art

Lieu : INHA, mardi 9h-11h, Salle Demargne            

Dans son ultime et inachevé livre posthume – L’image de religion dans l’Occident chrétien, (Paris, Gallimard, 2015) -, l’historien Alphonse Dupront appelait à une

« iconologie historique », prenant en charge l’infinie variété des images : un «peuple d’images» et non les seuls chefs-d’œuvre. Des images, saisies dans leurs articulations étroites à l’écrit (Bible, vies de saints, écrits mystiques, etc.), comme aux autres représentations dont le chercheur tentait de scruter le «faire plastique», le «vocabulaire» et le «langage» propre. Le «principe d’organicité» qui devait régir l’analyse sérielle de vastes corpus obligeait néanmoins à privilégier l’in situ et les «enracinements autochtones». C’est là seulement, selon Dupront, que l’investigation peut être attentive au singulier et aux exceptions, aux «éclaircissements différentiels» (et pas seulement aux dominantes), aux rites, à la liturgie, au «vécu» d’une expérience collective pour laquelle l’image est avant tout «connaissance existentielle» et «tremplin de l’au-delà». L’approche ainsi choisie faisait de l’image le «support» et la «voie d’accès» non seulement aux significations et aux fonctions des représentations mais, plus largement, à un «imaginaire collectif» qui était la visée ultime de cette génération d’historiens.

Conçu comme un cycle de conférences/dialogues entre spécialistes (universitaires, conservateurs) et étudiants (avec rapporteurs chargés d’animer les séances par leurs questions et commentaires), le séminaire se propose d’interroger le modèle que peut encore représenter «l’image de religion» pour l’histoire de l’art du XVIIe siècle.

Programme

21 janvier – Frédéric Cousinié (Université de Rouen Normandie), « Introduction : légitimations et fonctions de l’image de religion au XVIIe siècle  ».

 

28 janvier –  Frédéric Cousinié (Université de Rouen-Normandie), « Images et pratiques méditatives ».

 

4 février –  Emilie Chedeville (Université de Paris I Panthéon-Sorbonne), « Les décors de l’église Saint-Laurent à Paris : une théologie du signe religieux ? ».

 

11 février – Valentine Langlais (Université Paul Valery, Montpellier III), « Les chapelles du Saint-Sacrement dans les Anciens Pays-Bas catholiques des XVIe-XVIIe siècle ».

 

25 février –  Philippe Luez (Musée national des Granges de Port-Royal), « Les imagiers de Notre-Dame de Liesse et les dévotions mariales au XVIIe siècle ».

 

3 mars – Giovanni Careri (EHESS), « Annibale Carracci. Un mangeur de haricots à Emmaus ».

 

10 mars – Pierre Antoine Fabre (EHESS), « La Sainte Françoise Romaine de Nicolas Poussin est-elle un ex-voto ? Réflexions sur l’interprétation dévotionnelle d’un « grand tableau »  ? ».

 

17 mars – Emmanuel Luis (Service de l’Inventaire, DRAC Normandie, Caen), « Du tableau d’autel au calice, de quelques images religieuses du XVIIe siècle en Normandie : iconographie, circulation des modèles ».

 

24 mars – Mickaël Szanto (Sorbonne Université, Paris IV), « Une peinture du temps chrétien? La Danse de la vie humaine de Nicolas Poussin (Londres, The Wallace Collection) ».

 

31 mars – Cécile Vincent-Cassy (Université de Paris XIII),  « Images, sculptures, reliques et reliquaires en Espagne et dans le monde ibérique ».

 

21 avril – Bruno Nassim Aboudrar (Sorbonne Université, Paris III), « Splendeur de la misère : du rapiècement ».  

 

28 avril – Anne Le Pas de Sécheval (Université Paris Ouest Nanterre La Défense), « Peinture d’église et identité cléricale : étude comparée de quelques commandes de clercs séculiers dans le Paris du XVIIe siècle. »

Entrée livre dans la limite des places disponibles

 

 

 

Colloque : « Entre croyance aux miracles et iconoclasme. L’espace sacré en France au XVIIIe siècle / Zwischen Wunderglauben und Ikonoklasmus. Der sakrale Raum im französischen 18. Jahrhundert ».

 

Date et horaire : 3 – 4 décembre 2018

Type : Colloque

Lieu : Deutsches Forum für Kunstgeschichte / Centre allemand d’histoire de l’art, Hôtel Lully, 45, rue des Petits Champs, 75001 Paris

 

Concept et organisation : 

Markus A. Castor (DFK Paris) (mcastor@dfk-paris.org)

Martin Schieder (Universität Leipzig) (schieder@uni-leipzig.de)

Wiebke Windorf (Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf) (windorf@phil.hhu.de)

Lundi, 3 Décembre 2018

14.45    Ouverture

Thomas Kirchner (Direktor des DFK Paris)

15.00    Introduction

Markus A. Castor (DFK Paris), Martin Schieder (Universität Leipzig) und Wiebke Windorf (Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf )

I.          L’espace sacré comme lieu public / Sakraler Raum als öffentlicher Ort

            Moderation: Markus A. Castor (DFK Paris)

15.15    Les aléas des dispersions révolutionnaires. Questions autour du décor de la salle du chapitre du prieuré Saint-Martin-des-Champs Continuer la lecture

Publication : « La main et la matière »

PARRET Herman, La main et la matière, Paris, Hermann Philosophie, 2018.

Présentation de l’éditeur :

Comment la main donne-t-elle forme à la matière dans la pratique artistique ? Comment concevoir leur rapport dans la genèse d’une œuvre d’art ? Le présent ouvrage propose une relecture de la pensée esthétique à partir de questions durablement escamotées par ses historiens. Au revers de l’oculocentrisme dominant s’est développée en effet, dès la naissance de l’esthétique au XVIIIe siècle, comme la face occulte d’un Janus, une haptologie de l’œuvre d’art qui détermine l’expérience esthétique comme essentiellement sensorielle et corporelle, et la pratique artistique comme le cheminement de la main trouvant son chemin au cœur de la matière.

Herman Parret retrace l’histoire de cette esthétique haptologique et en analyse les concepts-clés à travers une relecture des textes fondamentaux, de Baumgarten à Lyotard, en passant par Lessing, Diderot, Kant, Herder, Nietzsche, Riegl, Husserl, Merleau-Ponty, Jean d’Udine, Henri Focillon et Gilles Deleuze. Il montre comment l’hypothèse haptologique s’immisce dans le cadre général de réflexion de ces penseurs et finit toujours par s’y justifier, dégageant une continuité méconnue sur plus de deux siècles d’esthétique philosophique.

Herman Parret est professeur émérite de philosophie du langage et d’esthétique à l’université de Louvain (KU Leuven). Ses publications concernent la pragmatique linguistique et philosophique, la sémiotique textuelle et visuelle, l’épistémologie de la linguistique et de la sémiotique, et l’esthétique philosophique.

Journée d’étude du GRHAM : « Le mou : saisir la mollesse de la matière au motif dans les arts visuels à l’époque moderne » (Paris, 13 juin 2018)

François Boucher, La Nymphe Callisto, séduite par Jupiter sous les traits de Diane (détail), 1759, huile sur toile, 57 x 69 cm, Kansas City, The Nelson-Atkins Museum of Art.

Type : Journée d’études.

Date et horaire : mercredi 13 juin 2018 à partir de 9h20.

Lieu :  salle Vasari, Institut National d’Histoire de l’Art (INHA) 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris.

Cette journée d’étude se propose de réfléchir sur la notion peu étudiée du mou en histoire de l’art. Elle sera déclinée et analysée sous ses appellations de morbidezza, mollesse et moelleux dans les domaines de la sculpture et de la peinture pendant la période moderne.

Programme :

9h00 – 9h20 : Accueil des participants.

9h20 – 9h30 : Mot de bienvenue du GRHAM. Continuer la lecture

Conférence du GRHAM : « Boucher dans l’espace des lettres » par Christophe Martin (Paris, 17 mai 2018)

Pierre Quentin Chedel d’après François Boucher, Frontispice,
dans Charles Pinot-Duclos, Acajou et Zirphile (1743).

Type : Conférence (entrée libre)

Date et horaire : jeudi 17 mai 2018 à 19h

Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)

Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

Alors que Jean Starobinski a magistralement analysé la place de « Diderot dans l’espace des peintres » (Paris, RMN, 1991), il s’agira plus modestement, et en sens inverse, d’indiquer la place de Boucher dans l’espace des lettres. Est-ce tout à fait un hasard que l’on ait si souvent désigné Boucher comme le « Fontenelle de la peinture » ? En s’interrogeant d’abord sur le succès de cette formule, on examinera quelques aspects de cette interaction multiple et complexe de l’oeuvre de Boucher et de la littérature du XVIIIe siècle, en s’intéressant plus particulièrement à trois cas permettant de mesurer à quel point le siècle des Lumières a pu tout à la fois écrire avec et contre Boucher : Acajou et Zirphile de Duclos (1743) ; les Salons de Diderot (1759 – 1767) ; La Nouvelle Héloïse de Rousseau (1761).

Christophe Martin est professeur de littérature française à la Faculté des Lettres de Sorbonne Université et directeur de CELLF (UMR8599). Spécialiste du XVIIIe siècle et en particulier de Fontenelle, Marivaux, Montesquieu, Diderot et Rousseau, ses recherches portent principalement sur les liens entre fiction, anthropologie et philosophie. Il est l’auteur, notamment, de Espaces du féminin dans le roman français du XVIIIe siècle (SVEC, Voltaire Foundation, 2004) ; « Education négative ». Fictions d’expérimentation pédagogique au XVIIIe siècle (Garnier, 2010) ; La Religieuse de Diderot (Gallimard, 2010) ; Mémoires d’une inconnue. Etude de La Vie de Marianne de Marivaux (Rouen, PURH, 2014) ; L’Esprit des Lumières. Histoire, littérature, philosophie (Armand Colin, 2017). Il est directeur-coordinateur des Oeuvres complètes de Rousseau en cours de publication aux éditions Classiques Garnier, et co-directeur de la collection »L’Europe des Lumières » chez le même éditeur.

Conférence du GRHAM : « De la messe à la contemplation esthétique. La mise en scène de la peinture religieuse au XVIIIe siècle » par Martin Schieder (Paris, 19 avril 2018).

Nicolas Bernard Lépicié (1735-1784). « La Chapelle du Calvaire à l’église Saint-Roch ». Paris, musée Carnavalet.

Type : Conférence (entrée libre)

Date et horaire : jeudi 19 avril 2018 à 19h

Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée)

Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

À l’aide d’une sélection d’exemples, cette conférence se propose d’analyser deux phénomènes spécifiques au XVIIIe siècle en matière de peinture religieuse : d’une part son esthétisation et sa sécularisation, d’autre part la perte de sa fonction spécifique et sa patrimonialisation. En effet, à partir de la mort de Louis XIV, l’image religieuse connaît une transformation profonde. À la dévotion imprégnée de foi catholique succède une forme sécularisée de recueillement esthétique. L’explication théologique fait place à la description esthétique, l’ekphrasis se substitue à l’exégèse. Les églises parisiennes au décor riche d’art ancien et contemporain deviennent « un salon continuellement ouvert aux étrangers, & aux curieux qui y abondent de toutes parts pour admirer leurs ouvrages ». En même temps, le « Salon » au Louvre offre une plateforme publique inédite aux artistes de peinture religieuse. On assiste à une véritable réévaluation de l’image religieuse, cette dernière étant désormais considérée d’abord comme une œuvre d’art, qu’il s’agit d’exposer, de soumettre à la critique, de restaurer ou même d’éloigner des regards. La dignité spirituelle, qui singularisait la peinture religieuse aux yeux des visiteurs croyants du Grand siècle, n’est plus un critère signifiant pour les amateurs d’art au Siècle des Lumières.

Martin Schieder est professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain à l’Universität Leipzig depuis 2008. En 1994, il a soutenu une thèse à la Freie Universität Berlin sur la peinture religieuse à la fin de l’Ancien Régime (Jenseits der Aufklärung. Die Religiöse Malerei im ausgehenden Ancien Régime, 1997) qui a reçu le prix Marianne Roland Michel en 2012 et a ainsi pu être traduite en français sous le titre Au-delà des lumières, la peinture religieuse à la fin de l’Ancien Régime (2017). Sa thèse d’habilitation à diriger des recherches, intitulée Dans le regard de l’autre. Les relations artistiques franco-allemandes, 1945–1959 a été récompensée du Prix parlementaire franco-allemand 2005 de l’Assemblée nationale et du Bundestag allemand. Auparavant, Martin Schieder avait occupé un poste d’assistant scientifique (1996–2004), puis de professeur invité à la Freie Universität Berlin (2004–2007) ainsi que de directeur adjoint au Centre allemand d’histoire de l’art Paris (1997–2001). Il a de plus été chercheur invité du Getty Research Institute à Los Angeles (2013–2014) et professeur invité à l’Université Paris IV – Sorbonne (2015). Il a publié de nombreux travaux sur l’art du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours, les transferts culturels, l’histoire de la critique d’art, ainsi que dans le domaine des Exhibition Studies et des Studio Studies.

Conférence : Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les antonins à la croisée des chemins

Arrière de l’Eglise Abbatiale de St Antoine l’Abbaye

Type : Journée d’études

Date : 15 – 16 septembre

Lieu : France, Saint-Antoine-l’Abbaye

Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les Antonins à la croisée des chemins. Journées d’étude internationales organisées par le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye. 15 – 16 septembre 2017

Dans le prolongement de son cycle d’expositions initié en 2016 autour de l’exposition Bâtisseurs d’Éternité, le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye organise du 9 juillet au 8 octobre 2017 une exposition programmée en lien avec la réouverture progressive des espaces muséographiques consacrés à l’histoire des hospitaliers de Saint-Antoine ou antonins, des origines au XVIIIe siècle. Cette exposition, De soie et d’ailleurs, une histoire à la croisée des chemins, et la publication qui l’accompagne, appuyées par les contributions de spécialistes, auteurs de nombreux ouvrages de référence, proposent de poursuivre parallèlement la recherche pluridisciplinaire autour de l’église abbatiale édifiée de la fin du XIIe siècle à la fin du XVe siècle, du bourg attenant comme du vaste réseau de préceptories au Moyen Âge et de commanderies à l’Époque Moderne structurées le long des grands axes stratégiques qui ont façonné l’Europe. Si la soie est en quelque sorte le fil d’Ariane de cette nouvelle présentation, c’est aussi parce que, aux confins des XVIIe et XVIIIe siècles, une manufacture florissante fut implantée aux portes de l’abbaye, redessinant par l’entremise de deux dynasties de soyeux, les contours du bourg médiéval. En prolongement de l’exposition, le Musée de Saint-Antoine-l’Abbaye organise les secondes journées d’étude, programmées les 15 et 16 septembre 2017 et intitulées Bâtir – Orner – Accueillir – Découvrir. Les antonins à la croisée des chemins. Continuer la lecture

Appel à publication : Rutgers Art Review Volume 35

Type : Appel à publication

Date limite : 15 septembre 2017

Call for Papers and Digital Projects

Rutgers Art Review, a journal of graduate research in art history, hereby invites all current graduate students, as well as professionals who have completed their doctoral degree within the past year, to submit papers for its 35th edition.

Papers may address the full range of topics and historical periods within the history of art and architecture, visual and material culture, art theory and criticism, aesthetics, film, and photography. Continuer la lecture