Compte rendu d’exposition : Créer. Dessiner pour les arts décoratifs 1500-1900. Collection du Rijksmuseum (25 février – 14 mai 2023)

 

Ubaldo Gandolfi (attribué à), Projet pour un heurtoir, vers 1760-1770, plume et encre brune, lavis brun, sur un tracé à la pierre noire, 28,7 × 20,0 cm, Amsterdam, Rijksmuseum,

 

La Fondation Custodia accueille quelques 200 dessins d’art décoratifs du XVIe au XIXe siècle issus des collections du Rijksmuseum d’Amsterdam. Sélectionné par Reiner Baarsen[1], ces dessins témoignent de l’ambitieuse politique d’acquisition du musée amstellodamois qui vient offrir un autre regard sur l’importante collection d’objets d’art et de pièces de mobilier dont dispose le musée depuis sa fondation.

Le parcours muséal est organisé autour de douze thèmes qui permettent de mieux comprendre les relations qu’entretiennent les dessins et les œuvres d’art auxquelles ils aboutissent. Les dessins d’art décoratifs s’avèrent être un élément clé non seulement de la conception, mais aussi de la fabrication et de la commercialisation des objets. Ce sont des supports de communication visuelle qui peuvent servir aux artistes concepteurs dans leurs relations avec les artisans, les exécutants spécialisés, mais aussi avec les potentiels acquéreurs ou les commanditaires.

L’esquisse sur papier permet tout d’abord à l’artiste d’exprimer sa première idée pour une œuvre d’art ; il peut la corriger, chercher la solution la plus adaptée à son projet et présenter une première ébauche aux artisans spécialisés ou aux commanditaires. Daniel Marot (1661-1752) fait partie de ces français protestants qui ont quitté la France après la révocation de l’Edit de Nantes. Entré au service de Guillaume III, il réalise une partie des décors du pavillon de chasse du palais Het Loo, construit entre 1684 et 1686 à Apeldoorn dans la province de Gueldre. Le dessin présenté prépare la commande d’un important ensemble de meubles dorés placés entre deux fenêtres, composé d’une table, d’un miroir et de guéridons. Il est signé et daté. Il indique aussi que la commande a été achevée et installée huit mois plus tard et mentionne les changements opérés ainsi que le montant payé [Fig. 1].

Fig. 1 : Daniel Marot, Projet pour une table console, un trumeau et une torchère, 1700-1701, plume, encre noire et brune, sur un tracé à la pierre noire, 40,4 × 24,5 cm, Amsterdam, Rijksmuseum.

Les dessins qui combinent deux moitiés différentes d’un même objet présentent deux alternatives d’un projet qui invite le commanditaire à faire des choix portant tant sur la forme, que sur les motifs ou le style. Ainsi, dans un dessin attribué à Guillaume Taraval (1701-1750), sont présentées deux variantes d’un buffet de salle à manger avec, sur le côté gauche, un style classique caractérisé par la sévérité des lignes droite, et sur des éléments rocaille prédominants. Cette proposition témoigne de l’inventivité propre au XVIIIe siècle où cours duquel chaque nouveau style pouvait se lire comme une réaction consciente au style précédent.

Fig. 2 : Giovanni Battista Foggini, Projet pour un coffret, avec des panneaux en pierre dure, vers 1710-1715, plume et encre brune, aquarelle, sur un tracé à la pierre noire, 46,1 × 63,9 cm, Amsterdam, Rijksmuseum,

Certains dessins très détaillés ne sont que des représentations idéalisées d’objet qui, s’ils étaient réalisés, ne pourraient atteindre la perfection du dessin puisqu’ils sont conçus en dehors de toute considération pratique. Giovanni Battista Foggini (1651-1725) propose vers 1710-1715 un projet de coffret composé de panneaux en pierre dure et orné d’éléments sculptés en bronze [Fig. 2]. Très abouti et soigneusement réalisé, ce projet n’a jamais vu le jour. Aucune des réalisations de la Galleria dei Lavori de Florence que Foggini dirigea à partir de 1694 n’atteignit cette perfection. Le dessin fut acheté par Sir Andrew Fontaine, un collectionneur anglais qui séjourna à Florence en 1702 et 1715 et qui vit dans cette acquisition le moyen de se procurer, à moindre frais, un coffret idéal.

En ce qui concerne les dessins pour des objets ecclésiastiques, l’exposition se concentre sur le mobilier. Les commandes font généralement l’objet d’un contrat accompagné d’un ou de plusieurs dessins sur lesquels sont portés des inscriptions et des signatures, donnant le caractère de contrat juridique au dessin.

L’Allemagne était particulièrement renommée au XVIIIe siècle pour la création de mobilier. Elle était le foyer de formation de nombreux ébénistes dont certains faisaient ensuite carrière à Paris ou Amsterdam. Dans leur ville d’origine, les apprentis qui voulaient rejoindre une guilde d’ébéniste devaient présenter un dessin, appelé Meisterriss, qui représentait un projet de meuble que le candidat souhaitait exécuter pour son admission. Les ébénistes des autres villes européennes, de même que les orfèvres avaient des pratiques identiques.

Nombre de dessins ne survivaient à la fabrication de l’objet auquel ils avaient contribué ; un projet à l’échelle pour la fabrication d’un panneau de marqueterie devait être découpé pour transférer le motif sur le bois tandis que certains dessins étaient exécutés sur l’œuvre d’art elle-même à un endroit qui était ensuite recouvert. La survie de ces dessins préparatoires est donc liée à des circonstances diverses qui permettent de mieux comprendre les processus de fabrication des objets. Parmi ceux-ci, quatre projets réalisés par Cornelis Pronk (1691-1759) pour le Compagnie hollandaise des Indes orientales en 1734. A cette date, pour la première fois, les gouverneurs demandèrent à un peintre hollandais de fournir des dessins préparatoires pour des ensembles de porcelaine qui seraient fabriqués en Chine. Jugée trop onéreux, l’entreprise fut suspendue en 1737.

Fig. 3 : Gilles-Marie Oppenord, Projet pour un boîtier d’horloge, vers 1720-1730, plume et encre grise, lavis gris, sur un tracé à la pierre noire et au graphite, 49,0 × 33,2 cm, Amsterdam, Rijksmuseum.

Les dessins destinés à la gravure constituent un cas particulier. Esquisses ou études abouties, ces dessins, une fois gravés, permettaient de faire connaître les innovations développées. Dans cette section figures les projets d’artistes français bien connus tels que Jean Berain (1640-1711), Gilles-Marie Oppenord (1672-1742) [Fig. ] ou encore Jean-Charles Delafosse (1734-1789).

Les œuvres achevées pouvaient être, à leur tour, objet de dessins pour en garder la mémoire ou pour illustrer les inventaires réalisés par leurs propriétaires, en particulier quand les œuvres étaient faites dans des matériaux précieux. Parmi ces dessins, ceux de deux « roulettes » qui décrivent ces véhicules singuliers utilisés à Versailles ; les inscriptions indiquent que la première roulette était destinée au roi Louis XIV et la seconde « aux princes et seigneurs ».

Fig. 4 : Luigi Valadier, Projet pour un lustre en argent et bronze doré, vers 1764, plume et encre brune, sur un tracé à la pierre noire, 44,5 × 29,1 cm, Amsterdam, Rijksmuseum.

Une section de l’exposition est organisée autour de la dynastie des Valadier, orfèvres de père en fils. D’origine française, Andrea Valadier (1695-1759) s’installe à Rome où il forme son fils Luigi (1726-1785) qui obtient rapidement des commandes prestigieuses. A sa mort, son fils Giuseppe (1762-1839) assure la direction de l’atelier qui est ensuite repris par la famille Spada. Nombre de dessins furent ainsi préservés dans l’atelier jusqu’à sa fermeture en 1880 et certains ont été rassemblés dans trois grand album dont un se trouve aujourd’hui à la Pinacoteca de Faenza. Ces feuilles constituent un matériel précieux pour la compréhension du fonctionnement de l’atelier. Le Projet pour un lustre en argent atteste de la commande de deux lustres monumentaux livrés en 1764 à la cathédrale de Saint-Jacques de Compostelle [Fig. 4]. Selon l’usage, les branches avant et arrière sont omises pour mieux percevoir les éléments centraux.

Les œuvres antiques grecques et romaines jouissaient d’une forte renommée. En les reproduisant, les artistes avaient pour objectif soit d’intégrer les modèles à leur répertoire, soit de vendre les dessins à des collectionneurs. Lors de son séjour à Rome, Jacques-Louis David (1748-1825) a reproduit une chaise antique en marbre qui se trouvait dans la villa Montalto, (devenue propriété de la famille Negroni) depuis le XVIe siècle. Ce dessin, ainsi que d’autres modèles de chaises reproduisant des antiques, ont pu servir de base aux sièges qui figurent dans Les Licteurs rapportant à Brutus les corps de ses fils[2].

Les dessins d’art faits par des artistes qualifiés ont aussi pour objectif de convaincre les clients d’acheter ou de commander les objets représentés. Ils étaient présentés en atelier ou envoyés aux potentiels acquéreurs accompagnés d’une lettre contenant des indications complémentaires. Il en est ainsi de projets de chaises à porteur, de coupés et autres miroirs de toilette.

La dernière étape du parcours muséal ouvre sur le XIXe siècle

Toutes ces informations, et bien d’autres, peuvent être retrouvées dans le carnet d’exposition ainsi que dans l’imposant catalogue[3] qui permet de comparer – quand cela est possible – le dessin avec la réalisation finale. Quelques points de comparaison entre dessins et œuvres réalisées sont aussi proposés à la Fondation Custodia dont le parcours se concentre néanmoins sur les dessins.

Couvrant une large période (1500-1900) dans une géographie européenne, l’exposition présente à la fois des artistes connus et moins connus ainsi que nombre de dessins anonymes. Grâce aux choix d’œuvres opérés et à une présentation thématique judicieuse, le parcours muséal reste cohérent – malgré la variété des objets traités – et s’offre comme une introduction, à la fois agréable et bien documentée, au monde si vaste des arts décoratifs.

Florence FESNEAU

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[1] Conservateur des arts décoratifs de Rijskmuseum.

[2] 1789, huile sur toile, 323 x 422 cm, Paris, Musée du Louvre.

[3] Reiner Baarsten, Design Drawings from the Rijksmuseum 1500-1900, Rotterdam, nai010 publishers, 2022.



Citer ce billet
Florence Fesneau (2023, 27 février). Compte rendu d’exposition : Créer. Dessiner pour les arts décoratifs 1500-1900. Collection du Rijksmuseum (25 février – 14 mai 2023). Groupe de Recherche en Histoire de l'Art Moderne. Consulté le 22 avril 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/p74x

Florence Fesneau

Docteur en Histoire de l'art moderne (Université Paris I - Panthéon Sorbonne)

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