Exposition : Musée du Louvre – En scène – dessins de costumes de la collection Edmond de Rothschild (28 octobre 2021 – 31 janvier 2022)

 

Fig. 1 : Henri Gissey, Costume pour les estafiers de la quadrille des Américains, Grand Carrousel de 1662, 1662, papier, Paris, musée du Louvre, collection Edmond de Rothschild.

 

          Sous le commissariat de Mickaël Bouffard[1], Jérôme de la Gorce[2], Victoria Fernandez‐Masaguer[3], l’exposition que le Louvre consacre actuellement aux dessins d’habits de spectacle nous permet de découvrir une sélection de feuilles des quatorze volumes de Costumes de fêtes, de ballets et de théâtre au temps de Louis XIV qui ont été offerts par le baron Edmond de Rothschild (1845-1934).

         Pour ce faire, ces volumes ont préalablement bénéficié d’une vaste campagne de restauration conduite par l’atelier du département des Arts graphiques. Entre 2004 et 2008, ce sont ainsi 1 644 dessins qui ont été démontés des pages devenues trop acides. Ils ont été remis à plat pour résorber leurs déformations et ont été ensuite réinsérés dans des albums qui respectent le montage historique.

         Ces feuilles sont signées par des artistes désignés comme étant des « designateurs d’habits », parmi lesquels figurent des artistes tels que le Primatice, Jacques Bellange, Daniel Rabel, Henri Gissey et Jean Berain. Ce n’est qu’à la fin du XVIIIe siècle que s’impose le terme de costumier. Ces artistes sont sollicités pour des spectacles d’envergure qui divertissent les cours de France et de Lorraine du XVIe siècle au début du XVIIIe siècle.

        Les dessins comportent nombres d’annotations destinées aux différents artisans qui se chargent par la suite de la réalisation des costumes. Afin de faire face au nombre croissants d’interprètes sur scène et aux délais très courts, Jean Berain (1640-1711) fera imprimer des silhouettes nues, prêtes à être habillées. Les dessins de costumes réalisés sont copiés par les apprentis et constituent une base de modèles dans laquelle le dessinateur peut puiser.

         Les événements qui permettent aux artistes de mettre à l’honneur la variété, la magnificence et la fantaisie des costumes créés sont les divertissements équestres, les spectacles de danse et les opéras. Les carrousels auxquels sont conviés les ambassadeurs étrangers donnent au pouvoir royal l’occasion d’affirmer sa puissance, tout en valorisant une noblesse qui y prouve sa valeur mais aussi sa galanterie. Le costume pare non seulement le cavalier mais aussi le cheval dont les harnais et les caparaçons sont ornés de broderies et de pierreries. Le grand carrousel des 5 et 6 juin 1662, organisé à l’occasion de la naissance du Dauphin, voit Louis XIV apparaître en empereur romain dans la cour du palais des Tuileries. Sa quadrille concurrence quatre autres équipages qui sont costumés en Perses, en Turcs, en Indiens et en sauvages d’Amérique. Les modèles d’Henri Gissey (1621-1673), gravés postérieurement par François Chauveau (1613-1676) à la demande du Cabinet du roi, montrent l’inventivité déployée par l’artiste. Les estafiers de la quadrille des Américains sont vêtus d’une étoffe peinte d’un motif moucheté imitant la peau de tigre (Fig. 1). Ils ont toutefois les bras et les jambes couverts d’un tissu de couleur chair qui permet de respecter les règles de la bienséance tout en évoquant les Américains nus et poilus qu’imagent le public de l’époque. Le Carrousel des 28 et 29 mai 1686 qui se tient dans la cour du château de Versailles s’inspire, quant à lui, de l’Histoire d’Alexandre le Grand de Quinte-Curce. Il relate l’arrivée de la reine des Amazones et de ses cavalières à la cour d’Alexandre et permet ainsi, pour la première fois, de faire participer les dames de la Cour à la comparse.

         Si les carrousels jouent sur le caractère exotique des costumes – à l’instar du carrousel de Galants Maures qui a lieu dans la grande écurie de Versailles les 4 et 5 juin 1685 – les festivités carnavalesques permettent d’organiser des bals costumés qui mêlent bizarrerie et grotesque. Tout en s’appuyant sur les sources les plus diverses –  mythologiques, exotiques, bucoliques ou rustiques –, les dessinateurs de costume n’en oublient pas moins d’adapter leurs costumes aux contraintes techniques de la chorégraphie et aux impératifs de la bienséance. Une « règle de la convenance des habits » est ainsi théorisée par l’abbé Michel de Pure (1620-1680) dès 1668 et les conventions qui se mettent progressivement en place contribuent à l’intelligibilité et à la vraisemblance des spectacles.

         Les différents tissus employés pour confectionner les costumes sont aussi une source d’information quant au développement de l’industrie textile. Dans le Ballet des Muses, issu de La pastorale comique de Molière, Henri Gissey revêt un Egyptien d’un pourpoint de couleurs vives à motifs de chevrons (Fig. 2). Cette tapisserie en point de Hongrie – elle est une populaire garniture de meubles – est produite par une manufacture que Colbert établit à Elbeuf en 1666, l’année même du ballet.

 

Fig. 2 : Henri Gissey, Egyptien jouant des gnacares, Pastorale comique, Ballet des Muses, 1666, papier, Paris, musée du Louvre, collection Edmond de Rothschild.

 

         Célébrant l’arrivée en France de Marie Anne Christine de Bavière pour son mariage avec le Grand Dauphin, le Ballet du triomphe de l’amour qui a lieu le 21 janvier 1681 à Saint-Germain-en-Laye démontre la collaboration active existant entre le dessinateur et les meilleurs tailleurs, marchands et merciers afin de sélectionner les étoffes et les passements les plus raffinés.

         Sous l’impulsion de Jean-Baptiste Lully, les tragédies en musique, adaptées de l’opéra italien, apparaissent dans les années 1670. Elles sont l’occasion de concevoir des habillements qui rehaussent l’intérêt de ces spectacles mêlant chant et danse. Isis, jouée le 5 janvier 1677 à Saint-Germain-en-Laye permet d’apprécier l’ingéniosité de Jacques Lepautre (1653-1684) à qui Jean Berain, dessinateur des Menus Plaisirs, confie la mission d’inventer les costumes. Mettant en scène Jupiter, Junon, Iris, Mercure, Io et bien d’autres personnages du panthéon gréco-romain, cet opéra entraînera la disgrâce du librettiste Philippe Quinault. Madame de Montespan se reconnut en effet en Junon et crut reconnaitre Mademoiselle de Ludres, la maîtresse du roi du moment, dans le personnage d’Io.

          Les opéras ne sont pas les seuls à bénéficier des inventions des dessinateurs. Ainsi, pour la Comédie-Italienne, Jean Bérain imagine un costume-machine représentant une marotte géante qui devait provoquer la surprise et l’émerveillement des spectateurs (Fig. 3). Dissimulé à l’intérieur du dispositif, le machiniste pouvait faire monter la tête de la marotte, le long d’un col articulé, à une hauteur extraordinaire.

Fig. 3 : Jean Berain, Projet de machinerie pour la Comédie-Italienne, affublée du masque d’Arlequin, fin XVIIe siècle, papier, Paris, musée du Louvre, collection Edmond de Rothschild.

 

        L’exposition permet de passer en revue quelques-uns des grands divertissements du XVIIe siècle au travers des dessins de costumes. Elle donne ainsi l’occasion de se rendre compte de l’ingéniosité et de l’inventivité d’artistes qui sont capables de démultiplier les propositions pour ce qui constitue une véritable industrie du plaisir au service du pouvoir. Elle fait oublier la critique qu’émet La Bruyère dans ses Caractères : « C’est une politique sûre et ancienne dans les républiques que d’y laisser le peuple s’endormir dans les fêtes, dans les spectacles, dans le luxe, dans le faste, dans les plaisirs, dans la vanité et la mollesse ; le laisser se remplir du vide et savourer la bagatelle : quelles grandes démarches ne fait-on pas au despotique par cette indulgence[4]. »

Florence FESNEAU

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[1] Historien de l’art, codirecteur scientifique et artistique de l’atelier Théâtre Molière Sorbonne

[2] Historien de l’art et musicologue, directeur de recherche émérite au CNRS

[3] Documentaliste scientifique au département des Arts graphiques, musée du Louvre

[4] Jean de La Bruyère, Les Caractères de Théophraste traduits du Grec avec les Caractères ou les Mœurs de ce siècle, Paris, Michallet, 1696 (1688), p. 258.