Appel à communication : « Art and the Environment in Britain. 1700-Today »

John Martin, The Destruction of Pompei and Herculaneum, 1822, huile sur toile, Londres, Tate Britain.

John Martin, The Destruction of Pompei and Herculaneum, 1822, huile sur toile, Londres, Tate Britain.

Type : Appel à communication
Date de la manifestation : 2 au 3 mars 2017
Lieu : Université Rennes 2
Date limite : 3 septembre 2016

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Appel à communication : « Congrès de la Society for Emblem Studies ».

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Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : du 3 au 7 juillet 2017.
Lieu : Nancy.
Date limite : 1er septembre 2016.

The Eleventh International Conference of the Society for Emblem Studies will take place in Nancy (France) from Monday 3 July to Friday 7 July, 2017.

The conference will devote itself to the entire spectrum of emblem studies. Papers on all aspects of emblematics are welcome. Please submit proposals before 1 September 2016.

The conference will focus on four main directions which continue those pursued at preceding conferences: the history of printed books; theoretical and critical approaches; the “adaptable” emblem; the idiosyncrasy of the emblem.

Papers can be given in French, English, German, Spanish, or Italian.

For more information, please download the CFP:
11th SES Conference – Call for Papers (English)
11th SES Conference – Appel à Communications (Français)
11th SES Conference – Call for Papers (Deutsch)
11th SES Conference – Call for Papers (Español)

Bulletin Adhésion à l’AEEF.

Appel à candidatures pour la Bourse Zivi de l’Académie de Stanislas – Soutien à la participation au 11e Congrès de la Society for Emblem Studies..

Colloque : « The Collecting of Graphic Arts ».

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : colloque.
Date de la manifestation : du 20 au 22 octobre 2016.
Lieu : Herzog August Bibliothek, Wolfenbüttel.

Programme :

20.10.2016

Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel, Workshops and Guided Tour
14.00-14.30 Anmeldung / Registration

14.30-16:00
Workshop: Maria Effinger (Universitätsbibliothek Heidelberg): Vom Annotieren, Edieren und Referenzieren – Aktuelle Beiträge zur Entwicklung einer Forschungsinfrastruktur an der Universitätsbibliothek Heidelberg.

14.30-16:00
Workshop: Michael Freiberg, Gudrun Knaus (Bildarchiv Foto Marburg):
Erfassung und Publikation: LIDO für Graphische Sammlungen (Arbeitstitel).

16:00-17:00
Führung / Guided Tour:
Retter der Antike. Marquard Gude und die Suche nach den Klassikern.

19:00
Begrüßung / Welcome
Peter Burschel (Direktor der Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel, Leitender Direktor).

19:15
Arwed Arnulf (Berlin): Jenseits der Kennerschaft. Die Graphiksammlung als Instrument historisch-antiquarischer Gelehrsamkeit im 18. Jahrhundert.

20:15
Restaurant Brauhaus am Stadtmarkt (auf eigene Kosten / at your own expense).

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Appel à communication : « Copies of Flemish Masters in the Hispanic World 1500-1700 ».

Michael Coxie (1499-1592) d'après Hubert et Jan van Eyck, L'Adoration de l'agneau, 1558, Berlin, Gemäldegalerie.

Michael Coxie (1499-1592) d’après Hubert et Jan van Eyck, L’Adoration de l’agneau, 1558, Berlin,
Gemäldegalerie.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 9 et 10 février 2017.
Lieu : Bruxelles, Royal Institute for Cultural Heritage (KIK-IRPA).
Date limite : 15 septembre 2016.

On 9 and 10 February 2017 an international conference will be held on the copies of paintings of Flemish masters during the sixteenth and the seventeenth centuries related to the Hispanic world. The event will take place at the Royal Institute for Cultural Heritage (KIK-IRPA) in Brussels and is organized in collaboration with the Spanish National Research Project COPIMONARCH. La copia pictórica en la Monarquía Hispánica, siglos XVI-XVIII (I+D HAR2014-52061-P) from the Universidad de Granada.

The artistic heritage of the regions that once formed part of the former Spanish Empire includes a large number of painted copies after Flemish masters made during the sixteenth and the seventeenth centuries. Most of these works have received little attention even though they constitute a valuable source for understanding the artistic influence of the Southern Netherlands on Spanish and Latin American art and society in this period. Indeed, the study of copies of Flemish masters sheds light on a number of art historical issues, including the means of diffusion of artistic models, stylistic trends and the dynamics of the art market and the world of collecting. These copies are a valuable testimony to the political, commercial and cultural ties that existed between the Hispanic territories and the Southern Netherlands. Lire la suite

Appel à publication : « Picturing Death 1200-1600 (Edited Volume) ».

Nicolas Poussin, La Mort de Chioné, vers 1622, huile sur toile, 109,5 x 159,5 cm, Lyon, Musée des Beaux-Arts.

Nicolas Poussin, La Mort de Chioné, vers 1622, huile sur toile, 109,5 x 159,5 cm, Lyon, Musée des Beaux-Arts.

Type : Appel à publication.
Date limite : 1er septembre 2016.

The glut of pictures of and for death has long been associated with the Middle Ages in the popular imagination. In reality, however, these images thrived in Europe in a much more concentrated period of time that straddles the Middle Ages and the Renaissance, as conventionally defined. Macabre artifacts ranging from monumental transi tombs to memento mori baubles, gory depictions of the death and torment of sacred figure as well as of the souls of the lay, gruesome medical and pharmacological illustrations, all proliferate in tandem with less unsettling (and far more widespread) works such as supplicant donor portraits and lavishly endowed chantry chapels, with the shared purpose of mitigating the horrors of death and the post-mortem state. The period in question, 1200-1600, is bracketed by two major moments in European cultural history. At its end is the aftermath of the Protestant Reformation, which altered Europeans’ approach to their own mortality and subsequently also aspects of the visual culture facilitating their practices. The beginning, 1200, is marked by the culmination of a conceptual shift that in a 1981 book Jacques le Goff termed the spatialization, or more famously, birth of Purgatory.
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Publication : « Artistes, savants et amateurs : Art et sociabilité au XVIIIe siècle (1715–1815) ».

FRIPP Jessica (dirs.), GORSE Amandine (dirs.), MANCEAU Nathalie (dirs.), et STRUCKMEYER Nina (dirs.), Artistes, savants et amateurs : Art et sociabilité au XVIIIe siècle (1715–1815), Paris, Mare et Martin, 2016, 296 p.

FRIPP Jessica (dirs.), GORSE Amandine (dirs.), MANCEAU Nathalie (dirs.), et STRUCKMEYER Nina (dirs.), Artistes, savants et amateurs : Art et sociabilité au XVIIIe siècle (1715–1815), Paris, Mare et Martin, 2016, 296 p.

Présentation de l’éditeur :

La notion de sociabilité a fait l’objet, depuis quelques années, d’un renouvellement historiographique important. La complexité de cette notion impose pour son étude une approche pluridisciplinaire qui fasse appel aussi bien à la sociologie qu’à la philosophie, à l’anthropologie qu’à l’histoire de l’art.

Ce volume rassemble des études de spécialistes internationaux et explore la diversité des échanges sociaux dans le monde artistique du XVIIIe siècle. En examinant la sociabilité des divers acteurs de la création artistique, ces textes analysent les réseaux formés par le commerce des objets matériels, à travers l’étude des collections, du marché de l’art ou des expositions, et par le commerce des idées, à travers l’étude des écrits sur l’art et de l’art de la conversation. Le rôle des pratiques sociales au sein de la sphère publique dans l’évolution de la production artistique et des échanges matériels, économiques et intellectuels constitue donc l’objet de cet ouvrage collectif.

Table des matières :

Préface, Étienne Jollet
Introduction: La sociabilité, une notion équivoque, Jessica L. Fripp, Amandine Gorse, Nathalie Manceau et Nina Struckmeyer Lire la suite

Le bureau du roi à Versailles : regards croisés entre histoire matérielle, « entretien, réparation et restauration » par Jean-Henri Riesener et ses suiveurs.

 

©Marc-André Paulin

Fig.1 : Jean-François Oeben, Jean-Henri Riesener, Bureau du roi, 1769, Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon ©Marc-André Paulin

Le bureau du roi pour le château de Versailles[1] (Fig. 1) est l’un des meubles les plus emblématiques de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Il est également l’une des pièces les plus coûteuses de son époque : 62 000 livres ont été dépensées par le Garde Meuble de la Couronne pour sa fabrication[2].

Il est réalisé par Jean-François Oeben (1721-1763), ébéniste du roi et terminé par son élève Jean-Henri Riesener[3] (1734-1806), qui le livre en 1769. L’achèvement du meuble, entre la commande passée à l’ébéniste et la livraison a demandé neuf années de réflexions et d’essais[4].

Si sa décoration en bronze doré et en marqueterie est d’une grande qualité, la prouesse est sans conteste l’exécution du mécanisme qui sert à ouvrir et à fermer le cylindre par un simple tour de clef, ce qui implique pour l’ébéniste de produire plusieurs mécaniques avant de réaliser celle qui fonctionne : « avoir fait différentes méchanique pour trouver le moien de faire monter et décendre le cilindre sans toucher avec la main ny monter de ressort. »[5]

Cette partie est celle qui nécessite probablement le plus de temps dans le processus créatif du bureau puisqu’il a fallu s’y reprendre à plusieurs fois pour Lire la suite

Publication : « Vlaamse wandtapijten- Productie en handel. De Oudenaardse familie Van Verren (1680-1740) ».

DE MEÛTER Ingrid, Vlaamse wandtapijten- Productie en handel. De Oudenaardse familie Van Verren (1680-1740), Provincie Oost-Vlaanderen, 2016, 493 p.

DE MEÛTER Ingrid, Vlaamse wandtapijten- Productie en handel. De Oudenaardse familie Van Verren (1680-1740), Provincie Oost-Vlaanderen, 2016, 493 p.

Présentation de l’éditeur:

The commercial documents of the Van Verren family in Oudenaarde were the point of departure of this research. They brought to light interesting new information that teaches us a lot about the production of tapestries in general. The in-depth research reveals a great deal about the customers’ wishes and trade practices at around the beginning of the 18th century.

Going through all the information and comparing it to the tapestries that have survived gives us a clearer picture of what was woven where in the Southern Netherlands during the transition from the 17th to the 18th century. Cross-contamination between production centres as Oudenaarde, Antwerp and Brussels can be revealed on several occasions. Lire la suite

Publication : « Stories in Gilded Frames. Dutch seventeenth-century paintings with biblical and mythological subjects (Verhalen in vergulde lijsten. Bijbelse en mythologische schilderijen van Rembrandt en zijn tijdgenoten) ».

DE VRIES Lyckle, Stories in Gilded Frames. Dutch seventeenth-century paintings with biblical and mythological subjects, Amsterdam, Amsterdam university press, 2016, 304 p.

DE VRIES Lyckle, Stories in Gilded Frames. Dutch seventeenth-century paintings with biblical and mythological subjects, Amsterdam, Amsterdam university press, 2016, 304 p.

Présentation de l’éditeur :

Dutch painters in the seventeenth century frequently turned their brushes on subjects from the Bible or mythology. Such subjects, bringing with them whole stories with which patrons and art lovers were intimately familiar, were perfect for the dramatic designs and vibrant play of color and shadow that were these painters’ stock in trade.

This book presents the work of forty-one Dutch artists who handled Biblical and mythological stories in the period, including Rembrandt. Arranged chronologically, and copiously illustrated with full-color images of the paintings in question, the book shows how each of these paintings works with—or sometimes against—the conventions of the story it is telling, making use of the viewer’s knowledge of the subject and themes and finding ways to bring the familiar arrestingly to life. Lyckle de Vries sets each artist’s work in context of his career and influences—including influences from Flemish and Italian painters—and helps readers understand what the goals and intentions were as each artist set out on a painting.

A beautiful produced volume, Stories in Gilded Frames offers a new way of looking at one of the most enduringly popular periods in art history.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Journée d’étude : « The Limits of Connoisseurship. Attribution Issues & Mistakes ».

David Seymour alias Chim, Bernard Berenson observant une oeuvre à la galerie Borghese de Rome, 1955, photographie (gélatine sur argent), New York, International Center of Photography.

David Seymour alias Chim, Bernard Berenson observant une oeuvre à la galerie Borghese de Rome, 1955, photographie (gélatine sur argent), New York, International Center of Photography.

Type : Journée d’étude.
Date de la manifestation : vendredi 22 juillet 2016.
Lieu : Bielefeld, Universität Bielefeld, Raum X-A2-103.

Recent publications and conferences dedicated to connoisseurship have unanimously recognized the need to situate this practice within the context of its sociocultural conditions. One ought to view the connoisseur’s attribution as the final affirmation of a long and manifold procedure. This approach requires not only an investigation of the practical knowledge that informs the act of attribution but also a consideration of the network in which the judgment takes place, as well as its artistic, political and conceptual stakes.

With this perspective in mind, the workshop will focus its attention on a central yet often forgotten aspect of artistic expertise: mistaken attributions. Examination of these inaccurate assessments allows for a better understanding of the cultural and intellectual contexts in which they occurred and reveals the various discrepancies between connoisseurial theory and its practical application. By analyzing a few case studies situated at the limits of connoisseurship—whether they be drawings, paintings or, more generally, art objects—the workshop will question the various operations that guide the (re?)attribution of artworks and the theoretical or practical tensions generated by this process. Lire la suite

Publication : « Caravggio. Opere a Roma. Tecnica e stile (Works in Rome. Technique and Style) ».

VODRET Rossella, LEONE Giorgio, CARDINALI Marco, DE RUGGIERI Beatrice, GHIA Giulia Silvia, Caravaggio. Opere a Roma. Tecnica e stile, Silvana Editoriale, 2016, 2 volumes.

VODRET Rossella, LEONE Giorgio, CARDINALI Marco, DE RUGGIERI Beatrice, GHIA Giulia Silvia, Caravaggio. Opere a Roma. Tecnica e stile, Milan, Silvana Editoriale, 2016, 2 volumes.

Présentation de l’éditeur :

Caravaggio è stato ed è considerato un pittore rivoluzionario per il suo linguaggio artistico che in tempi diversi ha suscitato interesse, coinvolgimento, vera passione in committenti, collezionisti, letterati o più semplici fruitori e amanti dell’arte. Questi due volumi intendono fare luce sui suoi modi pittorici, indagati attraverso le ricerche tecniche che hanno riguardato le ventidue opere certamente autografe conservate a Roma.
Il secondo volume, dedicato alle schede di questi ventidue dipinti, affronta, in un ideale percorso a ritroso, il processo materiale e quindi mentale che ha condotto l’artista alla creazione di alcuni dei massimi capolavori della storia dell’arte. Attraverso le ricerche tecniche si snoda un affascinante viaggio che dalla superficie conduce fino agli strati nascosti dei dipinti, mediante le indagini all’infrarosso e le radiografie, le riprese ravvicinate e le indagini sulla materia. Ricercatori del campo storico artistico, technical art historians, scienziati della conservazione e restauratori intrecciano le loro voci in un racconto multidisciplinare che riserva molte novità, offrendoci un panorama della complessità e della unicità del fare pittorico di questo straordinario artista.

Caravaggio has long been regarded as a revolutionary painter by virtue of his artistic language, which has aroused interest, involvement and authentic passion in patrons, collectors, writers and simple art lovers in various periods. The purpose of these two volumes is to shed light on his pictorial methods through technical research on the twenty-two unquestionably autograph works in Rome.
Comprising entries of these twenty-two paintings, this second volume works backwards to trace the material and therefore mental process that led the artist to the creation of some of the greatest masterpieces in the history of art. The fascinating journey developed through technical research takes us from the surface to the hidden layers of the paintings by means of infrared and radiographic techniques, close-up photography and the analysis of materials. Art-historical researchers, technical art historians, conservation scientists and restorers combine to tell a multidisciplinary tale that reveals many new elements and offers an overview of this extraordinary artist’s painting in all its uniqueness and complexity.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Publication : « Giacinto Brandi 1621-1691. Catalogo ragionato delle opere ».

SERAFINELLI Guendalina, Giacinto Brandi 1621-1691. Catalogo ragionato delle opere, Turin, Umberto Allemandi, 2015, 2 vol., 204 p. et 315 p.

SERAFINELLI Guendalina, Giacinto Brandi 1621-1691. Catalogo ragionato delle opere, Turin, Umberto Allemandi, 2015, 2 vol., 204 p. et 315 p.

Présentation de l’éditeur :

Giacinto Brandi, di cui questo volume costituisce il primo e completo studio monografico, può a buon diritto definirsi come « pittore di successo nella Roma barocca ». Nato nel 1621 a Roma (dove morì nel 1691), Brandi sembra difatti incarnare, nella propria vita e in particolare nel proprio articolato percorso artistico, l’idea che è stata tramandata del Seicento romano, un periodo luminoso e umbratile, spettacolare e contraddittorio. Nella sua lunga carriera l’artista ha attraversato tutte le canoniche fasi del « secolo d’oro » della pittura: è stato attivo per grandi famiglie, illustri prelati e insigni committenti, ha affrescato le volte delle principali chiese romane, i soffitti e le sale di importanti palazzi aristocratici, ha realizzato grandi pale d’altare e quadri destinati alla devozione privata, passando per i lavori nella basilica di San Pietro a servizio delle cerimonie di beatificazione e canonizzazione fino a imprese condotte fuori dai confini della capitale pontificia. GUENDALINA SERAFINELLI Nasce a Roma, si laurea in Storia dell’arte moderna presso la Sapienza Università di Roma, dove in seguito consegue anche il diploma di Scuola di specializzazione in Storia dell’arte medievale e moderna e il Dottorato di ricerca. Dal gennaio 2012 al gennaio 2015 completa il post-dottorato, in qualità di Research Associate, presso il Center for Advanced Study in the Visual Arts (CASVA) della National Gallery of Art di Washington (D.C.). Attualmente ricopre a Roma la posizione di Lecturer nell’ambito del Summer program del Boston College.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Appel à communication : « Le don mis en scène. Représentations visuelles et textuelles de l’acte de donation dans les arts de la première modernité »

Matthias Stom (1615-1649), The Adoration of the Magi, XVIIe siècle, huile sur toile, Wikimedia Commons

Matthias Stom (1615-1649), The Adoration of the Magi, XVIIe siècle, huile sur toile, Wikimedia Commons

[Initialement prévu en janvier 2017, ce colloque a été reporté à mars 2017 et l’appel à communication a été prolongé jusqu’au 1er septembre.]

Type : Appel à communication
Date de la manifestation : 20 et 21 mars 2017
Lieu : Université catholique de Louvain
Date limite : 1er septembre 2016
Comité organisateur : Gwendoline de Mûelenaere et Caroline Heering
(FNRS-UCL)

Arguments :

Envisagé comme un acte par lequel se nouent et s’affirment des relations humaines, le don est aujourd’hui considéré comme une forme de communication essentielle d’une société donnée. Il constitue à ce titre un prisme à travers lequel il est possible de considérer un milieu culturel particulier, raison pour laquelle il représente un champ d’investigation particulièrement fécond pour la recherche. Dans le sillage de l’étude fondatrice de Marcel Mauss (L’Essai sur le don, 1923), qui avait conclu à l’existence de trois temps obligatoires du don (donner, recevoir, rendre), plusieurs générations de sociologues et d’anthropologues se sont attachés à définir la nature, les fonctions, les codes et les enjeux de cet acte ou de ce geste fondamental. À côté de son universalité et de sa nature fondamentalement paradoxale , oscillant entre gratuité (générosité, action désintéressée) et réciprocité (retour, contre-don), les études ont surtout mis en exergue le rôle prépondérant de cette forme de langage dans la construction des identités sociales.

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Appel à communication : « Objets Nomades : Circulations, appropriations et identités à l’époque moderne (16e-18e siècles) »

Pieter Gerritsz van Roestraeten, Nature morte avec tasses chinoises, huile sur toile, v. 1670-1680, Berlin,  Gemäldegalerie.

Pieter Gerritsz van Roestraeten, Nature morte avec tasses chinoises, huile sur toile, v. 1670-1680, Berlin, Gemäldegalerie.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 2-4 mars 2017
Date limite de soumission : 15 septembre 2016
Lieu : Musée National de la Renaissance (Écouen), Musée Cognac-Jay (Paris 3e),
Maison de la Recherche de l’Université Sorbonne Nouvelle (Paris, 5e).
Comité d’organisation : Line Cottegnies, Anne-Valérie Dulac, Ariane Fennetaux, Anne-Marie Miller-Blaise, Nancy Oddo, Sandrine Parageau, Laetitia Sansonetti, Jean-Paul Sermain.

Organisé en partenariat avec le musée national de la Renaissance d’Écouen et le musée Cognacq-Jay, ce colloque pluridisciplinaire vise à confronter une approche historique des objets dans leur dimension sociale, économique et technique, à l’étude des objets dans l’art et la littérature, qui offrent autant de « traces » de la vie de ces objets nous permettant de définir leur trajectoire et les modalités de leurs appropriations. Les objets, entendus comme les biens matériels divers (vêtements et accessoires, objets du quotidien, instruments techniques, scientifiques ou de musique, objets d’art…) et leurs circulations seront étudiés pour comprendre les différents phénomènes d’appropriation, de transculturation ou d’hybridation qui animent et accompagnent ces mouvements à la fois dans l’espace européen et entre l’Europe et le reste du monde. Porteurs et vecteurs de circulations culturelles et identitaires, les objets (qu’il s’agisse de biens de consommation, d’outils, d’objets de dévotion, ou d’objets d’art) traversent les espaces nationaux et interrogent par leur mobilité les frontières nationales, religieuses ou linguistiques alors en formation. L’époque moderne voit en effet se développer à travers l’Europe des tentatives de définition ou de consolidation d’espaces nationaux géographiques, linguistiques et religieux. Ces frontières, qui naissent en partie en opposition à une culture de Cour et une culture aristocratique Renaissante par définition nomades, sont le fruit d’une nouvelle philosophie politique (A. M. Thiesse, La Création des identités nationales, 1999). Suivre les trajectoires de ces objets permet, dès lors, de mettre au jour la tension entre sédentarité et mobilité que Daniel Roche a définie comme un enjeu majeur de la modernité (Humeurs vagabondes, 2003). Lire la suite

Publication : « Une révolution en cire. Francesco Orso et les « cabinets de figures » en France ».

 

DANINOS Andrea, Une révolution en cire. Francesco Orso et les "cabinets de figures" en France, Milan, Officina Libraria, 2016, 160 p.

DANINOS Andrea, Une révolution en cire. Francesco Orso et les « cabinets de figures » en France, Milan, Officina Libraria, 2016, 160 p.

Présentation de l’éditeur :

Cet ouvrage raconte pour la première fois l’histoire des expositions de figures en cire grandeur nature dans les années de la Révolution, qui sont à l’origine des musées de cire tels que nous les connaissons aujourd’hui. L’auteur s’arrête brièvement sur la figure d’Antoine Benoist, célèbre du temps de Louis XIV, pour ensuite se pencher sur la vie et l’œuvre de Philippe Curtius, père de la future Madame Tussaud, actif à Paris sous la Révolution dont il vécut directement certains des événements marquants.

La dernière partie de l’ouvrage est consacrée au sculp- teur Francesco Orso, contemporain de Curtius, le seul artiste piémontais à s’être spécialisé dans la réalisation de portraits en cire polychrome – œuvres impression- nantes de réalisme – et le seul sculpteur italien à s’établir durablement, à partir de 1785, à Paris, où son nom sera francisé en Orsy. Cette étude présente le catalogue de ses œuvres, dont un grand nombre est actuellement inédit.

De nombreux documents originaux, découverts lors de recherches menées dans les archives, complètent le volume.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.