Appel à communication : « Objets Nomades : Circulations, appropriations et identités à l’époque moderne (16e-18e siècles) »

Pieter Gerritsz van Roestraeten, Nature morte avec tasses chinoises, huile sur toile, v. 1670-1680, Berlin,  Gemäldegalerie.

Pieter Gerritsz van Roestraeten, Nature morte avec tasses chinoises, huile sur toile, v. 1670-1680, Berlin, Gemäldegalerie.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : 2-4 mars 2017
Date limite de soumission : 15 septembre 2016
Lieu : Musée National de la Renaissance (Écouen), Musée Cognac-Jay (Paris 3e),
Maison de la Recherche de l’Université Sorbonne Nouvelle (Paris, 5e).
Comité d’organisation : Line Cottegnies, Anne-Valérie Dulac, Ariane Fennetaux, Anne-Marie Miller-Blaise, Nancy Oddo, Sandrine Parageau, Laetitia Sansonetti, Jean-Paul Sermain.

Organisé en partenariat avec le musée national de la Renaissance d’Écouen et le musée Cognacq-Jay, ce colloque pluridisciplinaire vise à confronter une approche historique des objets dans leur dimension sociale, économique et technique, à l’étude des objets dans l’art et la littérature, qui offrent autant de « traces » de la vie de ces objets nous permettant de définir leur trajectoire et les modalités de leurs appropriations. Les objets, entendus comme les biens matériels divers (vêtements et accessoires, objets du quotidien, instruments techniques, scientifiques ou de musique, objets d’art…) et leurs circulations seront étudiés pour comprendre les différents phénomènes d’appropriation, de transculturation ou d’hybridation qui animent et accompagnent ces mouvements à la fois dans l’espace européen et entre l’Europe et le reste du monde. Porteurs et vecteurs de circulations culturelles et identitaires, les objets (qu’il s’agisse de biens de consommation, d’outils, d’objets de dévotion, ou d’objets d’art) traversent les espaces nationaux et interrogent par leur mobilité les frontières nationales, religieuses ou linguistiques alors en formation. L’époque moderne voit en effet se développer à travers l’Europe des tentatives de définition ou de consolidation d’espaces nationaux géographiques, linguistiques et religieux. Ces frontières, qui naissent en partie en opposition à une culture de Cour et une culture aristocratique Renaissante par définition nomades, sont le fruit d’une nouvelle philosophie politique (A. M. Thiesse, La Création des identités nationales, 1999). Suivre les trajectoires de ces objets permet, dès lors, de mettre au jour la tension entre sédentarité et mobilité que Daniel Roche a définie comme un enjeu majeur de la modernité (Humeurs vagabondes, 2003). Lire la suite

Publication : « Une révolution en cire. Francesco Orso et les « cabinets de figures » en France ».

 

DANINOS Andrea, Une révolution en cire. Francesco Orso et les "cabinets de figures" en France, Milan, Officina Libraria, 2016, 160 p.

DANINOS Andrea, Une révolution en cire. Francesco Orso et les « cabinets de figures » en France, Milan, Officina Libraria, 2016, 160 p.

Présentation de l’éditeur :

Cet ouvrage raconte pour la première fois l’histoire des expositions de figures en cire grandeur nature dans les années de la Révolution, qui sont à l’origine des musées de cire tels que nous les connaissons aujourd’hui. L’auteur s’arrête brièvement sur la figure d’Antoine Benoist, célèbre du temps de Louis XIV, pour ensuite se pencher sur la vie et l’œuvre de Philippe Curtius, père de la future Madame Tussaud, actif à Paris sous la Révolution dont il vécut directement certains des événements marquants.

La dernière partie de l’ouvrage est consacrée au sculp- teur Francesco Orso, contemporain de Curtius, le seul artiste piémontais à s’être spécialisé dans la réalisation de portraits en cire polychrome – œuvres impression- nantes de réalisme – et le seul sculpteur italien à s’établir durablement, à partir de 1785, à Paris, où son nom sera francisé en Orsy. Cette étude présente le catalogue de ses œuvres, dont un grand nombre est actuellement inédit.

De nombreux documents originaux, découverts lors de recherches menées dans les archives, complètent le volume.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Publication : « Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi. »

DE FUCCIA Laura, Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi, Genève, Droz, 2016, 462 p.

DE FUCCIA Laura, Venezia e Parigi, 1600-1700. La pittura veneziana e la Francia : fortuna e dialoghi, Genève, Droz, 2016, 462 p.

Présentation de l’éditeur :

Fondato su un ampio repertorio di fonti, in gran parte inedite, e di dipinti, questo volume presenta un profilo dei principali collezionisti francesi di opere veneziane nel Seicento e analizza come queste venissero diffuse e percepite in Francia, alla luce di idée e di modelli estetici elaborati nei circoli intellettuali e nell’Académie. Permette di aprire nuove prospettive sulla fortuna di Tiziano, Veronese, Tintoretto, Bassano, Giorgione e sugli sviluppi di un intenso dialogo sorto all’epoca proprio grazie alla percezione di formule legate al tonalismo veneto. Fornisce così alcune chiavi di lettura originali per la comprensione delle relazioni tra due città – Venezia e Parigi – che nel Seicento sono tra i principali centri artistici internazionali per il collezionismo e il commercio di opere d’arte.

Ce volume présente la physionomie des principaux collectionneurs français de tableaux vénitiens au XVIIe siècle et propose une étude de la réception de ces œuvres en prenant en compte les canons esthétiques élaborés et diffusés entre Paris et Venise. En s’appuyant sur un grand nombre de documents, pour la plupart inédits, et sur un vaste répertoire d’œuvres, ce texte permet notamment d’explorer la fortune en France de Titien, Bassan, Véronèse, Tintoret et Giorgione, ainsi que d’éclairer notre compréhension d’un dialogue intense qui s’instaure au Seicento autour du tonalisme vénitien.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

Appel à communication : « Palais Royaux dans l’Europe des Révolutions ».

d'après Jacques Rigaud, Vue de château de Versailles sur la cour de la Chapelle, ca. 1725, huile sur toile, 106 x 200 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

d’après Jacques Rigaud, Vue de château de Versailles sur la cour de la Chapelle, ca. 1725, huile sur toile, 106 x 200 cm, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

Type : Appel à communication.
Date de la manifestation : Janvier 2017.
Lieu : Paris.
Date limite : 31 août 2016.
Sous la direction de : Basile Baudez et Adrián Almoguera.

[Initialement prévu en octobre 2016, ce colloque a été reporté à janvier 2017 et l’appel à communication a été prolongé jusqu’au 31 août.]

Depuis la publication par Nikolaus Pevsner de son History of Building Types en 1976, les historiens de l’architecture ont saisi l’importance de la méthode typologique pour penser leur discipline. La pensée en type, développée dans la rédaction des programmes de concours académiques au siècle des Lumières, permet d’articuler les concepts de convenance, de caractère et de composition analysés par Werner Szambien ou Jacques Lucan, au regard de la commande publique et privée. Dans l’Europe d’Ancien Régime, le palais pour le prince représente, avec l’église métropolitaine ou la basilique royale, le programme le plus prestigieux auquel peut prétendre un architecte. Au moment où l’absolutisme de droit divin commence à être remis en question, qu’advient-il du siège du pouvoir royal ou princier, symbole de l’autorité politique supérieure et siège de la dynastie ? Et les modèles de l’Escorial, de Versailles, Het Loo ou Saint James fonctionnent-ils encore comme référents nationaux au moment où les publications des découvertes archéologiques de Rome ou de Split fournissent des modèles concurrents ? La seconde moitié du XVIIIe siècle et la première moitié du siècle suivant représentent un moment d’intense construction ou reconstruction de palais princiers en Europe, de Caserte à Buckingham Palace en passant par Saint-Pétersbourg, Lisbonne, Versailles ou Coblence. Cette vogue, rappelée par Percier et Fontaine dans leur Résidences des souverains de France, d’Allemagne, de Russie, etc. publié en 1833, se développe dans une Europe en proie à des bouleversements politiques considérables qui entraînent une modification importante de la nature et de la symbolique du pouvoir princier.

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Vente Christie’s du 7 juillet 2016

Pierre-Paul Rubens, Loth et ses filles, vers 1613 – 1614, huile sur toile, 190 x 225 cm.

Pierre-Paul Rubens, Loth et ses filles, vers 1613 – 1614, huile sur toile, 190 x 225 cm.

La Vente “Old Masters and British Paintings Evening Sale” du 7 juillet (Londres, 19h00) propose nombre d’œuvres prestigieuses.

Le clou de la vente sera sans conteste le Loth et ses filles de Pierre-Paul Rubens (1577 – 1640) présenté au Lot n° 12. Connue grâce à une gravure de 1766 que Thomas Martyn (1735 – 1825) reproduit dans le 1er volume de The English Connoisseur, cette œuvre n’a jamais été montrée au grand public. Elle est en effet passée de la collection Marlborough au Palais de Bleinheim, où elle se trouvait au XVIIIe siècle, à celle du baron Maurice de Hirsch de Gereuth (puis celle de ses descendants) en 1880.

Pierre-Paul Rubens, Venus suppliant Jupiter, huile sur bois, 50.8 x 37.5 cm.

Pierre-Paul Rubens, Vénus suppliant Jupiter, début XVIIe siècle, huile sur bois, 50.8 x 37.5 cm.

Une autre œuvre de Rubens, Vénus suppliant Jupiter, est estimée à 1,2 -1,8 M£ (Lot n° 9). Le tableau illustre un passage du Chant I de l’Enéide dans lequel Vénus intervient auprès de Jupiter, afin de s’assurer de l’avenir des Troyens rescapés de la tempête déclenchée par Junon. Jupiter rassure Vénus quant à l’avenir d’Énée. Il lui prédit les guerres qu’Énée devra mener dans le Latium, la fondation d’Albe, l’histoire de Romulus et Remus, et l’accession au trône de l’empereur Auguste. Le tableau faisait partie de la collection de Joshua Reynolds et fut mis en vente pour la première fois chez Christie’s en 1795.

Matthias Stomer, Le Jugement de Salomon, huile sur toile, 157 x 222 cm.

Matthias Stomer, Le Jugement de Salomon, vers 1640, huile sur toile, 157 x 222 cm.

Le Lot n° 17 (estimé à 1,2 – 1,8 M£) présente un Jugement de Salomon peint à la période de maturité de Matthias Stomer (1600 – 1652) qui y fait preuve d’une grande expressivité dans le traitement des figures.

Luis Meléndez, Nature morte au pichet, huile sur toile, 40.3 x 35.3 cm.

Luis Meléndez, Nature morte au pichet, 1760 – 1775, huile sur toile, 40.3 x 35.3 cm.

Luis Meléndez (1716-1780) est considéré comme l’un des meilleurs peintres de natures mortes du XVIIIe siècle. Entre 1759 et 1774 il réalise pour le futur Charles IV d’Espagne – alors prince des Asturies – une grande série de natures mortes destinées au Musée d’histoire naturelle. Une partie importante de cette série est aujourd’hui conservée au musée du Prado, soit trente-neuf peintures qui représentent essentiellement des fruits et légumes produits dans l’Espagne d’alors. Ce lot n° 27 est estimé entre 600 000 et 800 000 £.

Giovanni Antoio Canal dit Canaletto, Vue d’une rivière, vers 1754, huile sur toile, 30,5 x 45 cm.

Giovanni Antoio Canal dit Canaletto, Vue d’une rivière, vers 1754, huile sur toile, 30,5 x 45 cm.

Le Lot n° 44 (estimé entre 700 000 et 1 M£) propose un tableau de Canaletto (1697-1768), Vue d’une rivière, qui serait une reprise avec plusieurs modifications d’un sujet plus vaste peint à Londres. Cette vue est généralement associée à la ville de Padoue, quoique le sujet fasse encore débat.

Claude Joseph Vernet, Port de Méditerranée, vers 1770, huile sur toile, 115,5 x 150,8 cm.

Claude Joseph Vernet, Port de Méditerranée, vers 1770, huile sur toile, 115,5 x 150,8 cm.

Quelques œuvres de peintres français du XVIIIe siècle méritent une mention spéciale. Le tableau Claude Joseph Vernet (1714 – 1789) est estimé à 300 000 – 500 000 £ (Lot n° 24). Cette œuvre méconnue – en dépit de sa taille importante – correspondrait peut-être à l’une des peintures perdues répertoriée dans le Catalogue Raisonné d’Ingersoll-Smouse : « Coucher de soleil : Au pied d’un énorme rocher, un turc fumer sa pipe et semble regarder un bâtiment qui s’approche. Plusieurs pécheurs stationnent. Au loin, une montagne et une tour » (Joseph Vernet: Peintre de Marine 1714-1789. Etude critique suivie d’un catalogue raisonné de son œuvre peint, Paris, 1926, II, p. 62, no. 1460).

François Boucher, Pan and Syrinx, Alphée et Arethuse, vers 1761, huile sur toile, 27.3 x 27 cm chacun.

François Boucher, Pan and Syrinx, Alphée et Arethuse, vers 1761, huile sur toile, 27.3 x 27 cm chacun.

Le Lot n° 25 (estimé à 200 00 – 300 000 £) présente deux tableaux en pendant de François Boucher (1703 – 1770), Pan et Syrinx et Alphée et Aréthuse. Ils sont considérés comme les premières pensées d’une série de quatre tableaux de dimensions similaires réalisées en 1761 pour le collectionneur Pierre-Louis-Paul Randon de Boisset. Ces deux études sont identifiées pour la première fois chez un autre collectionneur fervent de Boucher, le fermier général Joseph François Varanchan de Geniès dont les biens sont dispersés en 1777, à sa mort.

Jean-Baptiste Greuze, Fillette au bonnet noir, vers 1760, huile sur bois, 37.1 x 31.5 cm.

Jean-Baptiste Greuze, Fillette au bonnet noir, vers 1760, huile sur bois, 37.1 x 31.5 cm.

Au Lot n° 26 (estimé entre 100 000 – 150 000 £) on trouve un tableau de Jean-Baptiste Greuze (1725 – 1805), caractéristique des têtes d’expression produites par l’artiste à partir des années 1760.

Vente Christie’s des 5 et 7 juillet 2016

Giovanni Battista Tiepolo, Tête de garçon regardant vers le haut, dessin, 24.9 x 20.2 cm

Giovanni Battista Tiepolo, Tête de garçon regardant vers le haut, dessin, 24.9 x 20.2 cm

La Vente “Old Masters & British Drawings” du 5 Juillet (Londres) présente au Lot n° 25 (estimé entre 200 000 – 300 000 £) un dessin de Giovanni Battista Tiepolo (1696 – 1770) représentant la tête d’un jeune garçon les yeux levés qui pourrait être celle de l’un des fils de l’artiste ; Giovanni Domenico (né en 1727) ou Lorenzo (né en 1736).

Giovanni Antonio Canal, dit Canaletto, 1740 – 1741, Vue de Padoue, dessin, 18.5 x 27.7 cm.

Giovanni Antonio Canal, dit Canaletto, 1740 – 1741, Vue de Padoue, dessin, 18.5 x 27.7 cm.

Le Lot n° 28 A (estimé entre 150 000 et 250 000 £) présente une Vue de Padoue, réalisée par Canaletto (1697-1768) vers 1740 – 1741, époque à laquelle il découvre la région avec son neveu Bernardo Bellotto (17420 – 1780) et se consacre quasi-exclusivement au dessin et à la gravure, délaissant momentanément la peinture. Ces dessins rendent compte d’une manière plus libre, Canaletto s’astreignant moins à l’exactitude topographique pour s’attacher d’avantage au rendu atmosphérique des lieux.

Claude Gellée dit Le Lorrain, Eglise de la Trinité des Monts à Rome, dessin, 19.2 x 24.8 cm.

Claude Gellée dit Le Lorrain, Eglise de la Trinité des Monts à Rome, dessin, 19.2 x 24.8 cm.

Le Lot n° 45 (estimé entre 100 000 – 150 000 £) propose un dessin de Claude Gellée dit Le Lorrain (1600 – 1682) représentant l’église de la Trinité des Monts. Il s’agit d’une étude préparatoire pour une Vue de Rome (1632) actuellement à la National Gallery de Londres.

Grotesques : Musiciens et danseurs, 1688 – 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais, 307 x 392 cm.

Grotesques : Musiciens et danseurs, 1688 – 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais, 307 x 392 cm.

Dans la Vente “The Exceptionnal Sale 2016” du 7 juillet (Londres), on notera deux tapisseries issues des séries Les Grotesques, sous les numéros 332 et 333 (estimée chacune entre 50 000 et 80 000 £). Elles ont été réalisées entre 1688 et 1732 à la manufacture royale de Beauvais sous la direction de Philippe Behagle (1648 – 1705) d’après des cartons de Jean-Baptiste Monnoyer (1636 – 1699) et Jean I Berain (1640 – 1711). La première représente des musiciens et des danseurs assis dans un pavillon surmonté d’un griffon, tandis que la seconde a pour sujet des dompteurs d’animaux. A gauche deux léopards combattent un buffle, au centre deux dompteurs s’occupent de trois lions, tandis qu’à droite on peut voir un figure et quatre chiens de chasse.

Grotesques : Musiciens et danseurs, 1688 – 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais, 307 x 392 cm.

Grotesques : Musiciens et danseurs, 1688 – 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais, 307 x 392 cm.

Vente Christie’s du 3 mai à Paris

Jean-Baptiste Charpentier, Portrait de Louis-Jean-Marie de Bourbon, duc de Penthièvre, huile sur toile 227 x 137 cm.

Jean-Baptiste Charpentier, Portrait de Louis-Jean-Marie de Bourbon, duc de Penthièvre, huile sur toile
227 x 137 cm.

Dans la vente « Le goût français » du 3 mai, le tableau de Jean-Baptiste Charpentier (1728 – 1806) représentant un Portrait du duc de Penthièvre (1725-1793) (Lot n° 11) a atteint la somme de 63 900 €. Ce tableau est connu par plusieurs versions, celle du musée des Beaux-Arts de Tours étant la plus célèbre. Louis-Jean-Marie de Bourbon, duc de Penthièvre, petit-fils de Louis XIV et fils du comte de Toulouse, y est portraituré dans son rôle d’Amiral de France, titre auquel il est élevé en 1734. Il tient dans sa main droite son bâton d’amiral et porte en sautoir le cordon de l’ordre du Saint-Esprit et l’insigne de la Toison d’or, ordre dont il a été fait chevalier en 1740. Le portrait, donné par le duc à l’abbé de Clairvaux en 1787, est resté dans la famille de ce dernier jusqu’à ce jour. Jean-Baptiste Charpentier a exécuté un autre portrait du duc, entouré de sa famille, dans un tableau intitulé La tasse de chocolat, conservé au Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon (1768, huile sur toile, 177 x 255 cm).

La collation, 1690 - 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais en laine et soie, 324 x 384 cm.

La collation, 1690 – 1732, tapisserie de la manufacture de Beauvais en laine et soie, 324 x 384 cm.

Le lot n° 29 (169 500 €) est une tapisserie faisant partie de la tenture de L’Histoire de l’Empereur de la Chine illustrant le quotidien des empereurs Shun Chih (règne : 1644-1661) et de Kang Hsi (règne 1661-1721). Ces tapisseries sont directement inspirées de l’œuvre de Johan Nieuhof, Legatio batavica ad magnum Tartatiae chamum sungteium, modernum sinae imperatorem (1665), parue à l’issue de la visite de la délégation en Chine de la Compagnie hollandaise des Indes Orientales (1655-1657). La tenture comprend traditionnellement neuf sujets tissés par la manufacture de Beauvais alors dirigée par Philippe Behagle (mort en 1705) : Les Astronomes, Le Thé de l’Impératrice, Le Retour de la chasse, L’Embarquement de l’Empereur, L’Embarquement de l’Impératrice, La Collation (ici représentée), La Récolte des ananas, L’Empereur en voyage et L’Audience de l’Empereur. Les cartons ont été réalisés par quatre peintres : Guy Vernansal (mort en 1729), Jean-Baptiste Belin de Fontenay (mort en 1715) et Jean-Baptiste Monnoyer, le quatrième peintre restant non-identifié. La signature de Vernansal, présente sur de nombreux modèles, laisse présumer qu’il était le peintre principal de la série. La datation est, quant à elle , difficile à déterminer avec certitude. Il est très probable qu’elle se situe entre la prise de fonction de Behagle en 1684 et le départ de Monnoyer en 1690. La série est finalement abandonnée à Beauvais en 1732, lorsque les cartons deviennent hors d’usage.

La collation représente l’empereur et l’impératrice de Chine prenant une collation, les serviteurs se tenant à leurs côtés sous un riche dais de velours de soie et brocards, avec de grands plats en métal disposés sur un dressoir à gauche avec des vases montés en porcelaine bleu blanc, à droite une table dressée, l’arrière-plan arboré avec un palais. La bordure est manquante.

Publication : « Endeavouring Banks : Exploring the Collections from the Endeavour Voyage 1768–1771 ».

CHAMBERS Neil (dir.), Endeavouring Banks : Exploring the Collections from the Endeavour Voyage 1768–1771, Londres, Paul Holberton Publishing, 2016, 304 p.

CHAMBERS Neil (dir.), Endeavouring Banks : Exploring the Collections from the Endeavour Voyage 1768–1771, Londres, Paul Holberton Publishing, 2016, 304 p.

Présentation de l’éditeur :

When English naturalist Joseph Banks (1743–1820) accompanied Captain James Cook (1728–1779) on his historic mission into the Pacific, the Endeavour voyage of 1768–1771, he took with him a team of collectors and illustrators. They returned with unprecedented collections of artefacts and specimens of stunning birds, fish and other animals as well as thousands of plants, most seen for the first time in Europe. They produced, too, remarkable landscape and figure drawings of the peoples encountered on the voyage along with detailed journals and descriptions of the places visited, which, with the first detailed maps of these lands (Tahiti, New Zealand and the East Coast of Australia), were afterwards used to create lavishly illustrated accounts of the mission. These caused a storm of interest in Europe, where plays, poems and satirical caricatures were also produced to celebrate and examine the voyage, its personnel and many ‘new’ discoveries. Lire la suite

Publication : « The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV ».

 

BURCHARD Wolf, The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV, Londres,Paul Holberton Publishing, novembre 2016, 248 p.

BURCHARD Wolf, The Sovereign Artist : Charles Le Brun and the Image of Louis XIV, Londres, Paul Holberton Publishing, novembre 2016, 248 p.

Présentation de l’éditeur :

This monograph examines the wide artistic production of Louis XIV’s most prolific and powerful artist, Charles Le Brun (1619–1690), illustrating the magnificence of his paintings and focusing particularly on the interiors and decorative art works produced according to his designs.

In his joint capacities of Premier peintre du roi, director of the Gobelins manufactory and rector of the Académie royale de peinture et de sculpture, Le Brun exercised a previously unprecedented influence on the production of the visual arts – so much so that some scholars have repeatedly described him as ‘dictator’ of the arts in France. The Sovereign Artist explores how Le Brun operated in his diverse fields of activities, linking and juxtaposing his portraiture, history painting and pictorial theory with his designs for architecture, tapestries, carpets and furniture. It argues that Le Brun sought to create a repeatable and easily recognizable visual language associated with Louis XIV, in order to translate the king’s political claims for absolute power into a visual form. How he did this is discussed through a series of individual case studies ranging from Le Brun’s lost equestrian portrait of Louis XIV, and his involvement in the Querelle du coloris at the Académie, to his scheme for 93 Savonnerie carpets for the Grande Galerie at the Louvre, his Histoire du roy tapestry series, his decoration of the now destroyed Escalier des Ambassadeurs at Versailles and the dramatic destruction of the Sun King’s silver furniture. Lire la suite

Ventes Sotheby’s de mai et de juin 2016.

 

Louyse Moillon, Panier de quetsches, 1629, huile sur bois, 40,5 x 52,5 cm

Louyse Moillon, Panier de quetsches, 1629, huile sur bois, 40,5 x 52,5 cm

Au cours de la vente de tableaux et dessins anciens du 16 juin (Paris, 14h30), le Panier de quetsches de Louyse Moillon (1610 – 1696) a atteint la somme de 1 143 000 € (Lot 24). Louyse Moillon est une des rares femmes peintres du XVIIe siècle qui ait réussi à s’imposer dans le milieu artistique de l’époque, à l’instar d’Artemisia Gentileschi en Italie. Agée de seulement 19 ans, l’artiste révèle déjà toute sa virtuosité dans cette nature morte, un genre qui commence tout juste d’être apprécié par les érudits de la France de Louis XIII. La coupe de raisins sur entablement (1631, huile sur bois, 47,5 x 62,2 cm) de Jacques Linard (1597 – 1645), contemporain de Louyse Moillon, est partie à un prix plus raisonnable (Lot 25, 113 100 €).

Jean Restout, Abraham et les trois anges, huile sur toile, 130 x 97 cm

Jean Restout, Abraham et les trois anges, huile sur toile, 130 x 97 cm

L’Abraham et les trois anges de Jean Restout (1692 – 1768) relate l’épisode au cours duquel trois anges reçus par Abraham lui annonce la grossesse prochaine de sa femme Sarah (Genèse 18, 1-16). Tandis qu’Abraham s’est agenouillé pour laver les pieds d’un des anges, les deux autres se regardent d’un air entendu (retenant encore la bonne nouvelle) et Sarah observe la scène à moitié cachée derrière un pan de la tente. Cette peinture méconnue de l’artiste faisait partie de la collection du peintre Noël Hallé (1711-1781) et était restée depuis chez ses descendants. Elle a atteint la somme de 87 000€ (Lot 27).

Jean-Baptiste Marie Pierre, Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant, huile sur toile, 61,3 x 76,5 cm.

Jean-Baptiste Marie Pierre, Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant, huile sur toile, 61,3 x 76,5 cm.

Le Paysage avec personnages jouant de la musique et dansant de Jean-Baptiste Marie Pierre (1714 – 1789) est une œuvre précoce de l’artiste. Elle fut très certainement peinte durant le séjour de Pierre à l’Académie de France à Rome (1735 – 1740) où, après avoir gagné le Prix de Rome en 1735, il travailla sous la direction de Nicolas Vleughels et Jean-François de Troy. Ce Lot 39 a atteint la somme de 363 000 €. Signalons encore Le cheval blanc (huile sur toile, 37,5 x 46 cm) de Louis-Léopold Boilly (1761 – 1845) dépeignant le départ d’une jeune fille sur un cheval blanc à qui un couple, qui semble être celui de ses parents, dit au revoir (Lot 55, 45 000 €).

François Ladatte, Vénus et Cupidon, 1759, marbre, 89 x 35 cm.

François Ladatte, Vénus et Cupidon, 1759, marbre, 89 x 35 cm.

Dans la vente de Sculptures et Objets d’Art Européens du 16 juin (Paris, 10h30) on peut signaler une Venus désarmant l’Amour datant de 1730 (44 cm). Ce bronze à la belle patine brune et à la surface finement ciselée a séduit par la qualité de sa fonte et la complexité de sa composition (Lot 50, 129 000 €). La Vénus et Cupidon de François Ladatte (1706 – 1787) a atteint la somme de 96 600 € (Lot 54). C’est en 1737 que Ladatte expose au Salon la version en terre cuite de ce marbre sous le titre de Flore, en même temps que le modèle en plâtre de sa statue de Louis XV en pied destinée à la ville de Rouen. La Danaé recevant Jupiter en pluie d’or  (vers 1762, 35 x 58 x 23,5 cm) d’Augustin Bocciardi (1719 – 1797) a été vendue au prix de 111 000€ (Lot 58). En 1762, une paire de figures en marbre par Bocciardi, représentant La Volupté couchée sur un matelas et Danaé recevant Jupiter en pluie d’or, sont mentionnées à l’exposition de l’Académie de Saint-Luc sous le n° 126. Le livret les décrit comme « Deux Figures de Femmes en marbre blanc, de 22 pouces de proportion; l’une représente la Volupté couchée sur un matelas, l’autre Danaé qui reçoit Jupiter en pluie d’or ». Ces deux figures faisaient partie de la collection de Denis Pierre Jean Papillon de La Ferté (1727-1794), intendant des Menus-Plaisirs de la Maison du roi. s’étant vu imposé l’emploi de Bocciardi par le duc d’Aumont (1709 – 1782) alors qu’il estimait ne rien avoir à lui confier comme travail, Papillon de La Ferté, grand collectionneur de Vernet (il lui commande une série de sept grands panneaux décoratifs pour son hôtel particulier) s’est visiblement laissé séduire par les talents du sculpteur.

Rosalba Carriera, Portrait d’une dame à mi-figure, pastel, 60 x 40 cm.

Rosalba Carriera, Portrait d’une dame à mi-figure, pastel, 60 x 40 cm.

Au cours la vente d’une collection milanaise le 13 juin (Milan, 18h00) sont passés deux portraits de Rosalba Carriera (1675 – 1757) : le Portrait d’une dame à mi-figure (lot 78, 68 750 €) et le Portait d’un gentilhomme à mi-figure (pastel, 57 x 43 cm) (lot 79, 62 500 €).

Valentin de Boulogne, David avec la tête de Goliath, 1627, huile sur toile, 139 x 103 cm.

Valentin de Boulogne, David avec la tête de Goliath, 1627, huile sur toile, 139 x 103 cm.

La vente « Master Paintings » du 26 mai (New York, 10h00) a notamment permis d’admirer un David avec la tête de Goliath de Valentin de Boulogne (1591 – 1632), commandé en 1627 par la Cardinal Francesco Barberini (1597 – 1679), neveu du Pape Urbain VIII (Lot 64, vendu à 490 000 $). Son pendant présumé est le Samson qui se trouve au musée d’art de Cleveland.

Louis Gauffier, Portrait de Lady Holland, 1795, huile sur toile, 51 x 67,6 cm.

Louis Gauffier, Portrait de Lady Holland, 1795, huile sur toile, 51 x 67,6 cm.

On signalera également le Portrait de Lady Holland réalisé par Louis Gauffier (1762 – 1801). Ce Lot 83, évalué entre 300 000 et 600 000 $ n’a pas trouvé acquéreur. En revanche, une Nature morte au violon peinte vers 1725 (huile sur toile, 60,3 x 76,8 cm) par Jean-Baptiste Oudry est partie à 610 000 € (Lot 88).

Dans la vente « Travel, Atlases, Maps and Natural History » du 28 avril  (Londres 14h30), on notera l’Altas Major de Johannes Blaeu (1596 – 1673) en 9 volumes (Lot 41, vendu 389 000 £) ainsi que la première édition en 8 volumes de l’Hortus Romanus de Giorgio Bonelli illustrée de 800 planches gravées et coloriées à la main (55 x 38 cm par folio) datant de 1772 – 1793 (Lot 23, vendu 118 750 £).

Compte-rendu : visite du GRHAM au musée du Louvre-Lens

Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661,  huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre

Charles Le Brun, Le Chancelier Séguier (détail), vers 1655-1661, huile sur toile, 295 x 357 cm, Paris, musée du Louvre  

Le GRHAM s’est rendu au musée du Louvre-Lens le lundi 6 juin 2016 pour visiter l’exposition consacrée à « Charles Le Brun (1619-1690), le peintre du Roi-Soleil », ainsi que les collections semi-permanentes installées dans la Galerie du temps. A cette occasion, il a également été possible de découvrir les réserves et les œuvres actuellement en cours de restauration. L’association remercie chaleureusement l’accueil qui a été réservé à ses membres par Fabien Dufoulon, responsable du Centre de ressources du musée, et Caroline Chenu, régisseur des œuvres du musée.

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Publication : « Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper ».

GERARD POWELL Véronique (dir.), Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper, Paris, Presses de l'université Paris-Sorbonne, collection « Art'hist », 2016, 486 p.

GERARD POWELL Véronique (dir.), Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper, Paris, Presses de l’université Paris-Sorbonne, collection « Art’hist », 2016, 486 p.

Présentation de l’éditeur :

Professeur d’histoire de l’art moderne à Paris-Sorbonne de 1978 à 1998, Antoine Schnapper (1933-2004) eut une influence déterminante sur l’évolution de l’histoire de l’art en France. Attaché aux principes d’une recherche rigoureuse, riche d’une superbe culture visuelle et d’une sensibilité poétique envers l’œuvre d’art, il a contribué à ouvrir la discipline vers de nouveaux champs, comme le collectionisme, l’étude des conditions de vie de l’artiste tout en publiant quelques grandes monographies.

Les articles de ses collègues et disciples, universitaires, chercheurs ou conservateurs de musée, rassemblés dans cet ouvrage analysent et prolongent son œuvre scientifique en en exploitant toute la diversité. Faisant passer le lecteur du XVIe au XIXe siècle, de la collection princière à l’image accrochée dans un modeste logement parisien, des cardinaux Mazarin et Bichi à Vivant Denon et Jean-Baptiste Lebrun, de Jean Jouvenet et Antoine Coypel à Fragonard et David, ce livre rend hommage à l’extraordinaire curiosité d’esprit du grand savant trop tôt disparu.

Table des matières : 

  • L’histoire de l’art selon Antoine Schnapper.

Pierre-Michel Menger, Le métier de peintre au XVIIe siècle selon Antoine Schnapper.

Christine Gouzi, L’histoire dans les règles de l’art : la monographie.
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« Hubert Robert (1733-1808), un peintre visionnaire » : recension des essais du catalogue d’exposition

          L’exposition organisée au musée du Louvre, en association avec la National Gallery of Art de Washington, du 9 Mars 2016 au 30 Mai 2016 est la première manifestation consacrée à l’ensemble de la carrière d’Hubert Robert (1733-1808) depuis 1933[i]. Le commissaire de l’exposition, Guillaume Faroult, et ses collaborateurs, ont réuni dans le Hall Napoléon un ensemble exceptionnel de cent quarante œuvres (peintures, dessins, gravures, objets d’art), issues des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers. La muséographie suggère sans excès une architecture factice en rapport avec la qualité de « peintre d’architecture » d’Hubert Robert. Ses œuvres se répartissent dans quinze espaces consacrés à une thématique propre.

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

fig. 1. Hubert Robert, Projet pour la Transformation de la Grande Galerie, 1796, huile sur toile, 113 x 143 cm, Paris, musée du Louvre

Dans chaque espace, un grand cartel adossé au mur rappelle les ruines peintes par l’artiste, à moins qu’il ne fasse écho au détail d’un célèbre tableau où le peintre se représente en bas à droite face à sa toile posée de biais devant la Sainte Famille de Raphaël qu’il est entrain de copier dans la Grande galerie du Louvre (fig. 1). Dans un cas comme dans l’autre, la muséographie vient renforcer le lien entre les ruines, dont Hubert Robert est le plus célèbre interprète français du XVIIIe siècle, et le Louvre, dont il assure la conservation des œuvres d’art durant la transformation progressive du palais en musée des beaux-arts.

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Colloque : « Servandoni et son temps. Architecture, peinture, spectacles »

Servandoni, décoration pour le feu d'artifice tiré à Londres en 1749, dessin, Paris, Collection particulière.

Servandoni, décoration pour le feu d’artifice tiré à Londres en 1749, dessin, Paris, Collection particulière.

Type : Colloque
Date du colloque : 27 au 29 juin 2016
Lieu : Salle Vasari, INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris
Direction : Francesco Guidoboni, Jérôme de la Gorce

Colloque international organisé par le Centre André Chastel et le Labex Écrire une histoire nouvelle de l’Europe, avec le soutien du Ghamu et de la Société Archéologique de Sens.

Programme :

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Symposium de la mairie du 11e arrondissement : « De la Régence à la République – Plaisirs parisiens du vice et de la vertu »

Jean-Honoré Fragonard, Le baiser volé, 1786, peinture à l'huile sur toile, 168,5 cm × 168,5 cm, Madrid: musée du Prado

 Jean-Honoré Fragonard et Marguerite Gérard, Le baiser à la dérobée, ca. 1780, peinture à l’huile sur toile, 45 cm × 54 cm, Saint-Pétersbourg : musée de l’Hermitage.

Type : Symposium.
Date : 5 juillet de 9h à 18h
Lieu : Salle des fêtes de la Mairie du 11e arrondissement, Paris.
Sous la direction de : Christophe Henry et Marine Roberton, avec la collaboration du Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne (GRHAM).

Programme :

9h : Café d’accueil

9h30 : Introduction : Marine Roberton, Sébastien Chauffour & Christophe Henry

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