Compte rendu d’exposition : “Evaristo Baschenis (1617 – 1677). Le triomphe des instruments de musique dans la peinture du XVIIe siècle” (Paris, galerie Canesso, du 6 octobre au 10 décembre 2022)

Ill. 1. Evaristo Baschenis, Nature morte aux instruments de musique, hst, 115 x 163 cm, signature sur le pied gauche de la table “EVARISTUS/BASCHENIS/B”, collection particulière

La galerie Canesso vient de consacrer une exposition à Evaristo Baschenis (1617-1677), le prêtre-peintre, actif à Bergame au milieu du XVIIe siècle, célèbre déjà en son temps pour ces natures mortes d’instruments de musique. Cette initiative, inspirée au marchand d’art parisien par l’étude récente que l’historienne de l’art Ornat Lev-er dédie à Baschenis, lui permettait par la même occasion d’offrir la première exposition monographique en France sur le maître de Bergame[1]. Cette exposition vient compléter la série d’événements que la galerie a dévolu au genre de la « nature morte » depuis plusieurs années[2].

L’initiative de Maurizio Canesso s’inscrivait par ailleurs dans un mouvement de regain d’intérêt pour l’objet « nature morte » dont témoignent les travaux de Sybille Ebert-Schifferer[3], d’Étienne Jollet[4], puis plus récemment de Jan Blanc[5], de Laurence Bertrand Dorléac[6] et finalement de l’exposition Les Choses que vient de lui consacrer le musée du Louvre[7]. Ainsi, l’entreprise de la galerie Canesso offrait l’occasion d’expérimenter l’une des thèses de Charles Sterling[8], rappelée dans le cadre de l’exposition Les Choses, soulignant l’importance des tarsie lignee (panneaux de marqueterie) en tant que prodromes de l’éclosion de la nature morte moderne au XVIIe siècle[9]. Cette thèse s’intègre dans une spécificité italienne que l’œuvre de Baschenis illustre par le potentiel stéréométrique des objets représentés : luths, luths-théorbes, violones, guitares et violons.

 Le luth en effet, en tant qu’objet dont les proportions sont difficiles à restituer, apparaît dans tous les traités de perspective, et ceci dès le De Perspectiva pingendi (ca. 1460-80) de Piero della Francesca ; il est par conséquent très souvent représenté dans les tarsie lignee qui sont l’une de ses applications artistiques. C’est, en effet, à l’usage des peintres et marqueteurs que les théoriciens ou les peintres théoriciens élaborèrent des procédés perspectifs empiriques et mécaniques qui étaient eux-mêmes issus des pratiques d’atelier, comme l’a suggéré la critique contemporaine[10]. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : “Evaristo Baschenis (1617 – 1677). Le triomphe des instruments de musique dans la peinture du XVIIe siècle” (Paris, galerie Canesso, du 6 octobre au 10 décembre 2022)

Compte rendu d’exposition : Créer. Dessiner pour les arts décoratifs 1500-1900. Collection du Rijksmuseum (25 février – 14 mai 2023)

 

Ubaldo Gandolfi (attribué à), Projet pour un heurtoir, vers 1760-1770, plume et encre brune, lavis brun, sur un tracé à la pierre noire, 28,7 × 20,0 cm, Amsterdam, Rijksmuseum,

 

La Fondation Custodia accueille quelques 200 dessins d’art décoratifs du XVIe au XIXe siècle issus des collections du Rijksmuseum d’Amsterdam. Sélectionné par Reiner Baarsen[1], ces dessins témoignent de l’ambitieuse politique d’acquisition du musée amstellodamois qui vient offrir un autre regard sur l’importante collection d’objets d’art et de pièces de mobilier dont dispose le musée depuis sa fondation.

Le parcours muséal est organisé autour de douze thèmes qui permettent de mieux comprendre les relations qu’entretiennent les dessins et les œuvres d’art auxquelles ils aboutissent. Les dessins d’art décoratifs s’avèrent être un élément clé non seulement de la conception, mais aussi de la fabrication et de la commercialisation des objets. Ce sont des supports de communication visuelle qui peuvent servir aux artistes concepteurs dans leurs relations avec les artisans, les exécutants spécialisés, mais aussi avec les potentiels acquéreurs ou les commanditaires. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : Créer. Dessiner pour les arts décoratifs 1500-1900. Collection du Rijksmuseum (25 février – 14 mai 2023)

Compte rendu d’exposition : Cabinet de dessins néerlandais. Le XVIIIe siècle. Collection des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (25 février – 14 mai 2023)

Tethart Philipp Christian Haag (Kassel 1737 – 1812 La Haye), Intérieur d’écurie et cheval danois, 1780, plume et encre grise, aquarelle et gouache, 30,3 × 25,1 cm, Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, © johan@artphoto.solutions.

 

Sous l’égide de Stefaan Hautekeete[1], la Fondation Custodia[2] accueille 80 des quelques 1200 dessins néerlandais du XVIIIe siècle qui appartiennent aujourd’hui aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique.

Ces dessins sont issus de la collection constituée initialement par Ingen Housz (1766-1859), directeur provincial des impôts dans le Brabant-septentrional et politicien actif dans de nombreux domaines. Poursuivie par son neveu Joseph de Grez (1817-1902), puis par le neveu de ce dernier, Jean de Grez (1837-1910), la collection s’est considérablement enrichie au fil des générations avant d’être léguée à l’Etat belge en 1911 par la veuve de Jean de Grez. Elle comporte 4250 dessins du XVIe au XIXe siècle dont 3600 représentant l’école hollandaise. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : Cabinet de dessins néerlandais. Le XVIIIe siècle. Collection des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (25 février – 14 mai 2023)

Compte rendu d’exposition : “Louis XV. Passions d’un roi” (Château de Versailles, 18 octobre 2022 – 19 février 2023)

Ill. 1. affiche de l’exposition

            À la tête du royaume pendant près de 60 ans, Louis XV eut le règne le plus long de l’histoire de France après celui de son illustre arrière-grand-père, Louis XIV. À l’occasion du tricentenaire de son sacre, le château de Versailles rend hommage à cette longévité en consacrant une vaste exposition au monarque « Bien-Aimé ». Réunies sous le commissariat d’Hélène Delalex et d’Yves Carlier, plus de 400 œuvres évoquent les « passions d’un roi » et invitent les spectateurs à découvrir les multiples facettes de sa personnalité complexe (ill.1). La recherche ayant beaucoup progressé depuis la célèbre exposition de 1974 sobrement intitulée « Louis XV. Un moment de perfection de l’art français », il était nécessaire selon la conservatrice Hélène Delalex de « faire le point » sur l’homme derrière le souverain. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : “Louis XV. Passions d’un roi” (Château de Versailles, 18 octobre 2022 – 19 février 2023)

Compte rendu d’exposition : “Les Choses. Une histoire de la nature morte” (Paris, musée du Louvre, 12 octobre 2022 – 23 janvier 2023)

Du 12 octobre 2022 au 23 janvier 2023, le musée du Louvre présente une grande exposition intitulée « Les Choses. Une histoire de la nature morte ». Mise en œuvre par Laurence Bertrand Dorléac, professeure d’histoire de l’art à l’Institut d’Études Politiques (IEP) de Paris, avec l’aide de collaborateurs (notamment Thibault Boulvain et Dimitri Salmon), cette carte blanche invite à réfléchir à la place des « choses », non seulement dans la culture visuelle, mais encore dans les sociétés qui les ont appréhendées. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : “Les Choses. Une histoire de la nature morte” (Paris, musée du Louvre, 12 octobre 2022 – 23 janvier 2023)

2021 – Collectionner : acteurs, lieux et valeur(s) (1750-1815)

Image de la couverture : Gabriel de Saint-Aubin, La galerie de Randon de Boisset, pierre noire, sanguine et encre sur papier, 200×157 mm, Lyon, Musée des Tissus et des Arts Décoratifs © Lyon, Musée des Tissus – Sylvain Pretto

 

Type : Actes du colloque international Collectionner : acteurs, lieux et valeur(s) (1750 – 1815)
Publication & Diffusion : à partir de décembre 2021, bibliothèques spécialisées en Histoire de l’art.
Éditeur : Paris, Editions du GRHAM – ISBN: 978-2-9559546-2-1

Non commercialisé – (La liste des bibliothèques où consulter l’ouvrage sera publié prochainement)

Collectionner : acteurs, lieux et valeur(s) (1750-1815)
sous la direction de Ludovic Jouvet, Alice Ottazzi et Maël Tauziède-Espariat

Le présent ouvrage réunit les actes du colloque organisé par
le GRHAM (Groupe de Recherche en Histoire de l’art Moderne)
et le Séminaire Collection les 26 et 27 octobre 2020. Dans une
perspective interdisciplinaire innovante, les douze contributions
questionnent la pratique du collectionnisme au tournant des XVIIIe
et XIXe siècles. Alors que le rationalisme des Lumières, friand
de taxinomie, a parfois entraîné une histoire simplifiée du
collectionnisme, ces contributions soulignent au contraire la grande
diversité des pratiques parallèlement à la normalisation de certains
lieux, objets ou statuts du collectionneur.

Continuer la lecture de 2021 – Collectionner : acteurs, lieux et valeur(s) (1750-1815)

Compte rendu d’exposition : En scène – dessins de costumes de la collection Edmond de Rothschild (Louvre, 28 octobre 2021 – 31 janvier 2022)

 

Fig. 1 : Henri Gissey, Costume pour les estafiers de la quadrille des Américains, Grand Carrousel de 1662, 1662, papier, Paris, musée du Louvre, collection Edmond de Rothschild.

 

          Sous le commissariat de Mickaël Bouffard[1], Jérôme de la Gorce[2], Victoria Fernandez‐Masaguer[3], l’exposition que le Louvre consacre actuellement aux dessins d’habits de spectacle nous permet de découvrir une sélection de feuilles des quatorze volumes de Costumes de fêtes, de ballets et de théâtre au temps de Louis XIV qui ont été offerts par le baron Edmond de Rothschild (1845-1934).

         Pour ce faire, ces volumes ont préalablement bénéficié d’une vaste campagne de restauration conduite par l’atelier du département des Arts graphiques. Entre 2004 et 2008, ce sont ainsi 1 644 dessins qui ont été démontés des pages devenues trop acides. Ils ont été remis à plat pour résorber leurs déformations et ont été ensuite réinsérés dans des albums qui respectent le montage historique.

         Ces feuilles sont signées par des artistes désignés comme étant des « designateurs d’habits », parmi lesquels figurent des artistes tels que le Primatice, Jacques Bellange, Daniel Rabel, Henri Gissey et Jean Berain. Ce n’est qu’à la fin du XVIIIe siècle que s’impose le terme de costumier. Ces artistes sont sollicités pour des spectacles d’envergure qui divertissent les cours de France et de Lorraine du XVIe siècle au début du XVIIIe siècle. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : En scène – dessins de costumes de la collection Edmond de Rothschild (Louvre, 28 octobre 2021 – 31 janvier 2022)

Petite annonce : « Pour une archéologie de l’imagerie pornographique en Europe (1500-1840) »

Anonyme, Boîte à double fond (miniature du 2e fond): triolisme et masturbation, fin XVIIIe-début XIXe siècles, peinture sur bois, diam. 9 cm, Paris, musée de Cluny, Photo (C) RMN-Grand Palais (musée de Cluny – musée national du Moyen Âge) / Franck Raux

English Abstract

For an archaeology of pornographic imagery in Europe (1500-1840): as part of my post-doctoral project on the origins of pornography, I am looking for European visual representations made between 1500 and 1840 with the aim of provoking sexual excitement. Thank you for your help. Discretion guaranteed.


Les représentations visuelles destinées à susciter une excitation sexuelle se sont répandues depuis deux siècles avec le développement de la société de consommation et des nouvelles technologies (photographie, cinéma, internet, réseaux sociaux…). En raison des enjeux socio-culturels et économiques attachés à ce phénomène de masse, la pornographie mobilise désormais l’attention des différents observateurs de la vie publique. Néanmoins, les origines de ce phénomène dans l’Europe des Temps modernes (1500-1840) méritent d’être étudiées attentivement.

Mon projet de recherche post-doctoral a pour but de questionner le statut, la fonction et la valeur des représentations visuelles émoustillantes. L’obscénité d’hier n’est pas exactement la pornographie d’aujourd’hui, mais la permanence de certains motifs et modes de consommation invite à analyser ce phénomène culturel dans un temps long.

La caractérisation de l’image obscène est complexe car elle pouvait varier en fonction des lieux, des époques et de la sensibilité de chaque regardeur. Afin de constituer un corpus iconographique représentatif, je suis à la recherche de tout type de représentations visuelles (peinture, dessin, estampe, sculpture, objet…) ayant un caractère sexuel explicite. Les figures dévêtues et en action sont privilégiées, mais il peut aussi s’agir de figures voilées répondant à la même intention ou d’images médicales ayant pu être détournées.

Il y a 240 ans, le baron d’Hancarville voulut publier les erotica découverts lors des récentes fouilles archéologiques en Italie pour préserver une partie du savoir gréco-romain dans ce domaine, mais la pudeur des collectionneurs limita d’abord son projet. Cependant, « […] la promesse solennelle que je leur fis de cacher à jamais la source d’où je les avois tiré, me procura enfin la permission d’en faire l’usage » (Monument de la vie privée des douze Césars d’après une suite de pierres gravées sous leur règne, 1780, p. IV). À l’instar de cet initiateur, j’assure de mon entière discrétion les personnes qui voudront bien me communiquer des reproductions de leurs erotica.

Merci par avance de votre aide.

Maël TAUZIÈDE, docteur en histoire de l’art

Contact: tauziede.erotica@gmail.com

2020 – Interpréter l’histoire dans les arts décoratifs

Ouvrage collectif sous la direction du GRHAM, “Interprétez l’histoire dans les arts décoratifs”, actes de la journée d’études organisée le 15/06/2017 (Paris, INHA), Paris, éditions du GRHAM, 2020, 131 p.

Type : Actes de la journée d’étude “Interpréter l’histoire dans les arts décoratifs”, Paris, Institut national d’histoire de l’art.
Publication & Diffusion : à partir du 1er octobre 2020, bibliothèques spécialisées en histoire de l’art (ouvrage non commercialisé).
Éditeur : Paris, Editions du GRHAM. ISBN: 978-2-95595461-4.

Présentation de l’éditeur :

Cet ouvrage réunit les actes de la journée d’étude organisée par le GRHAM (Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne) qui s’est tenu à Paris le 15 juin 2017. À la fois synthétiques et problématiques, les six communications rendent compte de différents aspects de l’utilisation de l’histoire dans les arts décoratifs, qu’il s’agisse de trophées, de tapisseries tissées ou peintes, de tissus ou de mobilier. Continuer la lecture de 2020 – Interpréter l’histoire dans les arts décoratifs

Publication en ligne des actes du symposium d’histoire de l’art de la mairie du 11e arrondissement de Paris “Une histoire des savoir-faire. Création et vie artistique à Paris du Grand Siècle à nos jours”

Hubert Robert, Les Monuments de Paris, 1788, Montréal, Power Corporation of Canada Art Collection. Inv. 1989.11.1

Études rassemblées et présentées par Christophe Henry.

Sur une idée de Martine Debieuvre, première adjointe au Maire du 11e, chargée de la culture, de la mémoire et du patrimoine.

En partenariat avec le Groupe de Recherches en Histoire de l’Art moderne (GRHAM).

Lien vers le volume 1 (sommaire p. 1-2) : Symposiums_Histoire-de-lart_vol-1.

© Les symposiums d’Histoire de l’Art de la Mairie du 11 – 2018

Pour citer ce volume

Une histoire des savoir-faire. Création et vie artistique à Paris du grand siècle à nos jours, volume 1, études rassemblés et présentées par Christophe Henry, en partenariat avec le Groupe de Recherches en Histoire de l’Art moderne (GRHAM) et Les symposiums d’Histoire de l’Art de la Mairie du 11 [en ligne], mis en ligne le 1er juillet 2019 URL : https://www.mairie11.paris.fr/actualites/parution-des-symposiums-d-histoire-de-l-art-de-la-mairie-du-11e-598

Compte rendu d’exposition : “En société. Pastels du Louvre des XVIIe et XVIIIe siècles” (Louvre, 6 juin-10 septembre 2018)

Maurice Quentin de La Tour, Jeanne Antoinette Lenormant d’Étiolles, marquise de Pompadour (1721-1764). Entre 1752 et 1755. Salon de 1755. Pastel et rehauts de gouache sur au moins huit feuilles de papier bleu dont un empiècement pour le visage, collées en plein sur une toile tendue sur châssis. 178,5 x 131 cm. Musée du Louvre © Musée du Louvre, dist. RMN – Grand Palais / Laurent Chastel

Le Musée du Louvre présente jusqu’au 10 septembre 2018 une exposition de plus de cents pastels de issus de ses propresfonds, qui rappelle la richesse sans égalede cette collection de pastels du XVIIe et du XVIIIe siècles. L’exposition est ainsi l’occasion de montrer une sélection d’œuvres qui ont été restauréesrécemmentgrâce au mécénat des American Friends of the Louvre. La campagne de restauration, qui a durée plusieurs années, a permis un travail très poussé: démontagedes œuvres pour entreprendre une action de dépoussiérage et enlèvement de la moisissure. Cela a donné lieu à plusieurs découvertes et à la proposition de nouvelles attributions. Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : “En société. Pastels du Louvre des XVIIe et XVIIIe siècles” (Louvre, 6 juin-10 septembre 2018)

Petite annonce : “Renseignements sur Marcenay de Ghuy (1724-1811) et Pahin de La Blancherie (1752-1811)”.

Antoine de Marcenay de Ghuy, Autoportrait, années 1760, eau-forte, 30 x 22 cm, Musée national du Château de Versailles et de Trianon, INV.GRAV 7102, (a) RMN.

“Doctorant en histoire de l’art à l’Université de Bourgogne, j’étudie les modalités de reconnaissance publique des artistes actifs à Paris hors de l’Académie royale de Peinture et de Sculpture (1751-1791). Dans ce but, je suis à la recherche de renseignements sur Antoine de Marcenay de Ghuy (1724-1811), amateur, graveur et peintre, et Mammès-Claude-Catherine Pahin de La Blancherie (1752-1811), homme de lettres, qui établirent des lieux d’exposition alternatifs au Salon de l’Académie royale dans la seconde moitié du XVIIIe siècle.

Partant, je serais très reconnaissant à toute personne ayant des informations (correspondance, production artistique…) relatives à ces deux individus de bien vouloir me contacter à l’adresse email ci-dessous. Bien entendu, je les assure de ma parfaite discrétion. Avec mes remerciements anticipés.”

***

Pour répondre à cette annonce, veuillez prendre contact avec :

Maël TAUZIÈDE-ESPARIAT
m.tauziedeespariat@gmail.com

2017 – Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles

Type : Actes de la journée d’étude “Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles”, Paris, Institut national d’histoire de l’art.
Publication & Diffusion : à partir du 1er juin 2017, bibliothèques spécialisées en histoire de l’art.
Éditeur : Paris, Editions du GRHAM. ISBN: 978-2-9559546-0-7.

Non commercialisé, où le consulter? 

Le thème de la Réception critique de la restauration du XVIIIe au XXe siècle interroge, à travers des sources manuscrites ou imprimées, différents regards portés sur une discipline, la restauration, domaine en constante mutation depuis le XVIIIe siècle. Essais et textes d’experts, de journalistes, d’écrivains, d’artistes et de restaurateurs sont ici mis en perspective par des chercheurs afin de mettre en avant plusieurs points de vue quant à l’évolution des interventions et des pratiques sur les œuvres d’art.

Comment les restaurations sont-elles appréciées depuis le XVIIIe siècle et quelle est la notoriété de leurs praticiens ? Sont-elles les conséquences d’observations contemporaines ou sont-elles postérieures aux interventions pratiquées tant sur des peintures et des œuvres d’art graphiques que sur des édifices architecturaux ? Cette approche permet de se demander si les critiques, dans leur récurrence positive ou négative, portent plutôt sur les restaurations ou sur les restaurateurs eux-mêmes.

Les réflexions quant au domaine de la restauration se concentrent généralement sur la définition de la discipline et du métier. La démarche est ici différente : alors qu’il est d’une part possible d’isoler la figure du restaurateur, les pratiques, les œuvres restaurées et la notion même de restauration, il est d’autre part important de mettre en exergue les figures qui commentent ces points de vue et de s’intéresser aux domaines d’expertise dont ces auteurs sont issus. Considérée par certains comme à l’origine de nombreuses destructions et par d’autres comme garante de la survie du patrimoine, la restauration est également porteuse de réponses et se dote d’une signification sociale et culturelle.

Publié avec le concours de : École doctorale 441 Histoire de l’art; Centre de recherche HiCSA (EA 4100); Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Ouvrage publié sous la direction de Barbara Jouves.

Textes présentés :

Claire Bételu

Notions relatives au processus d’altération développées par les artistes lors des Conférences de l’Académie royale de Peinture et de Sculpture au temps de François-Bernard Lépicié (1752-1754)

Alice Ottazzi

Témoignages d’une condicio sine qua non. La réception des procédés de fixage des pastels dans la littérature artistique du XVIIIe siècle

Juliette Parmentier-Courreau

La restauration des estampes et des livres au XIXe siècle, à travers l’exemple d’Alfred Bonnardot

Gianmarco Raffaelli

Giovanni Battista Cavalcaselle, acteur et critique de la restauration au XIXe siècle

Bénédicte Trémolières

Choix de restauration et conséquences esthétiques sur les œuvres de la série des Cathédrales de Claude Monet

Hadrien Viraben

L’expertise technique comme enjeu professionnel et médiatique : Débats autour de L’Olympia d’Édouard Manet (1923, 1932)

Camille Bidaud

Les articles sur la restauration du Palais des Papes d’Avignon au début du XXe siècle

Laurent Cathiard

La reconstruction « à l’identique » d’un Monument Historique, entre pratique et critique. L’exemple de la basilique Saint-Sernin de Toulouse

Graphisme : Marianne Guernet-Mouton.

 

Compte rendu d’exposition : “Rubens. Portraits princiers” (Paris, Musée du Luxembourg, 24 octobre 2017 – 14 janvier 2018)

Pierre Paul Rubens, Portrait d’Anne d’Autriche, reine de France, vers 1622-1625,  huile sur toile, 120 x 98,6, Pasadena (Californie), The Norton Simon Foundation [©Affiche de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, 2017]
Type : Exposition
Dates : du 24 octobre 2017 au 14 janvier 2018
Lieu : Paris, Musée du Luxembourg

« Même si de par sa naissance il ne pouvait prétendre aux privilèges de l’ancienne et haute noblesse qui lui fit bien sentir sa position, il fut considéré par les souverains comme digne d’estime. Rubens vit et participe à l’anoblissement de l’art de peindre[1] ».

Jusqu’au 14 janvier 2018, le musée du Luxembourg présente, une partie du parcours européen effectué par Pierre Paul Rubens (1577-1640). À travers une soixantaine de peintures et quatre-vingt-neuf objets au total,  l’œuvre du peintre est abordée sous l’angle des portraits réalisés au cours de ses voyages ou en atelier pour les monarques des grandes cours de la première moitié du XVIIe siècle. De l’Italie à la France, en passant par Bruxelles ou l’Espagne, c’est un artiste demandé auprès des plus grands souverains qui est ici représenté par le biais de la technique picturale du portrait, genre en constante évolution à cette période, ce à quoi Rubens n’est pas étranger.

 

Les voyages à travers l’Europe des princes

Pierre Paul Rubens, Portrait de Ferdinand de Gonzague, vers 1602-1603, huile sur toile, 81,2 x 56,5 cm, Coll. part., courtoisie de Nicholas Hall (©courtesy of Christie’s)

Issu d’une famille de marchands originaire d’Anvers qui fuit la capitale pour des raisons religieuses avant de la regagner à la fin des années 1580, Rubens est notamment formé par Otto van Veen, dit Vaenius (1557-1629)[2], peintre érudit maniériste, marqué par l’Italie et encourageant son élève à y poursuivre sa formation. Rubens arrive en Italie en 1600 et y demeure jusqu’en 1608. Parlant plusieurs langues dont le latin et ayant reçu une éducation humaniste, le jeune peintre fait preuve d’une grande aisance dans l’apprentissage de son art et se voit rapidement engagé par Vincent Ier de Gonzague, duc de Mantoue et de Montferrat (1562-1612).

Continuer la lecture de Compte rendu d’exposition : “Rubens. Portraits princiers” (Paris, Musée du Luxembourg, 24 octobre 2017 – 14 janvier 2018)

Editions du GRHAM : « Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 »

Ill. : William Hogarth, Time Smoking a Picture, ca. 1761, New York The Metropolitan Museum of Art (Public Domain Dedication)

Type : Actes journée d’étude – Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles
Publication & Diffusion : à partir du 1er juin 2017, Bibliothèques spécialisées en Histoire de l’art
Editeur : Paris, Editions du GRHAM

Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 / isbn 978-2-9559546-0-7

Non commercialisé, où le consulter ?

Le thème de la Réception critique de la restauration du XVIIIe au XXe siècle interroge, à travers des sources manuscrites ou imprimées, différents regards portés sur une discipline, la restauration, domaine en constante mutation depuis le XVIIIe siècle. Essais et textes d’experts, de journalistes, d’écrivains, d’artistes et de restaurateurs sont ici mis en perspective par des chercheurs afin de mettre en avant plusieurs points de vue quant à l’évolution des interventions et des pratiques sur les œuvres d’art.

Comment les restaurations sont-elles appréciées depuis le XVIIIe siècle et quelle est la notoriété de leurs praticiens ? Sont-elles les conséquences d’observations contemporaines ou sont-elles postérieures aux interventions pratiquées tant sur des peintures et des œuvres d’art graphiques que sur des édifices architecturaux ? Cette approche permet de se demander si les critiques, dans leur récurrence positive ou négative, portent plutôt sur les restaurations ou sur les restaurateurs eux-mêmes. Continuer la lecture de Editions du GRHAM : « Réception critique de la restauration XVIIIe-XXe siècles : actes journée d’étude, 27 octobre 2016, Paris, Institut national d’histoire de l’art. Paris, Éditions du GRHAM, 2017 »

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