Publication : Nicolas Poussin. La collection du musée du Louvre.

ROSENBERG Pierre, Nicolas Poussin. Les tableaux du Louvre, Paris, Somogy, septembre 2015, 280 p.
ROSENBERG Pierre, Nicolas Poussin. La collection du musée du Louvre, Paris, Somogy, septembre 2015, 280 p.

Présentation de l’éditeur :

Du Mars et Vénus des premières années du séjour romain à l’Apollon amoureux de Daphné laissé inachevé, sans oublier Écho et Narcisse, Les Bergers d’Arcadie, l’Autoportrait de 1650, le Paysage avec Diogène et Les Quatre Saisons, les peintures de Nicolas Poussin (1594-1665) conservées au musée du Louvre permettent de suivre le déroulement de la carrière de l’artiste, dont l’aventure est l’une des plus ambitieuses de toute l’histoire de l’art. Continuer la lecture de Publication : Nicolas Poussin. La collection du musée du Louvre.

Publication : Art and Antiquity in the Netherlands and Britain. The Vernacular Arcadia of Franciscus Junius (1591-1677).

WESTSTEIJN Thijs, Art and Antiquity in the Netherlands and Britain. The Vernacular Arcadia of Franciscus Junius (1591-1677), Leyde, Brill, 2015, 452 p.
WESTSTEIJN Thijs, Art and Antiquity in the Netherlands and Britain. The Vernacular Arcadia of Franciscus Junius (1591-1677), Leyde, Brill, 2015, 452 p.

Présentation de l’éditeur :

How did the classical tradition survive on the North Sea shores ? This richly illustrated book explores the interplay between art and erudition in the seventeenth century. It analyses the sources, editions, and reception of Franciscus Junius’s writings to chart how ideas about Northern European painting, from Van Dyck to Rembrandt, developed as a counterweight to the Italian tradition. Thus the language of art in Junius’s The Painting of the Ancients appears to be related to his seminal work in the field of Germanic linguistics and his discovery of the shared pre-Christian civilization of Holland and England. Junius’s innovative pairing of scholarship to the painter’s practice illuminates the reception of antiquity and the creation of an Anglo-Dutch artistic Arcadia.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Publication : The Portrait Bust and French Cultural Politics in the Eighteenth Century.

MILANO Ronit, The Portrait Bust and French Cultural Politics in the Eighteenth Century, Leyde, Brill, 2015, 228 p.
MILANO Ronit, The Portrait Bust and French Cultural Politics in the Eighteenth Century, Leyde, Brill, 2015, 228 p.

Présentation de l’éditeur :

In The Portrait Bust and French Cultural Politics in the Eighteenth Century, Ronit Milano probes the rich and complex aesthetic and intellectual charge of a remarkably concise art form, and explores its role as a powerful agent of epistemological change during one of the most seismic moments in French history.
The pre-Revolutionary portrait bust was inextricably tied to the formation of modern selfhood and to the construction of individual identity during the Enlightenment, while positioning both sitters and viewers as part of a collective of individuals who together formed French society. In analyzing the contribution of the portrait bust to the construction of interiority and the formulation of new gender roles and political ideals, this book touches upon a set of concerns that constitute the very core of our modernity.

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Publication : Discordia concors. Kulturelle Differenzerfahrung und ästhetische Einheitsbildung in der Prager Kunst um 1600.

REITZ Evelyn, Discordia concors. Kulturelle Differenzerfahrung und ästhetische Einheitsbildung in der Prager Kunst um 1600,  Berlin, De Gruyter, octobre 2015, 634 p.
REITZ Evelyn, Discordia concors. Kulturelle Differenzerfahrung und ästhetische Einheitsbildung in der Prager Kunst um 1600, Berlin, De Gruyter, octobre 2015, 634 p.

Présentation de l’éditeur :

By 1600, Rudolf II’s court artists in Prague had moved beyond regional and conceptual boundaries to develop a polyphonic, cosmopolitan visual language. By tracing the journeys of a core group of Dutch artists, the author discovered previously unknown facets of this stylistic evolution shaped by the experience of cultural difference, and she also describes the efforts to transcend these differences through art.

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Publication : Making and Moving Sculpture in Early Modern Italy.

HELMSTUTLER -DI DIO Kelley, Making and Moving Sculpture in Early Modern Italy, Farnham, Ashgate, octobre 2015, 274 p.
HELMSTUTLER -DI DIO Kelley, Making and Moving Sculpture in Early Modern Italy, Farnham, Ashgate, octobre 2015, 274 p.

Présentation de l’éditeur :

In recent years, art historians have begun to delve into the patronage, production and reception of sculptures-sculptors’ workshop practices; practical, aesthetic, and esoteric considerations of material and materiality; and the meanings associated with materials and the makers of sculptures. This volume brings together some of the top scholars in the field, to investigate how sculptors in early modern Italy confronted such challenges as procurement of materials, their costs, shipping and transportation issues, and technical problems of materials, along with the meanings of the usage, hierarchies of materials, and processes of material acquisition and production. Contributors also explore the implications of these facets in terms of the intended and perceived meaning(s) for the viewer, patron, and/or artist. A highlight of the collection is the epilogue, an interview with a contemporary artist of large-scale stone sculpture, which reveals the similar challenges sculptors still encounter today as they procure, manufacture and transport their works.

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Publication : La boîte à portrait de Louis XIV.

 

BIMBENET-PRIVAT Michèle et FARGES François, La boîte à portrait de Louis XIV, Paris, Somogy, septembre 2015, 64 p.
BIMBENET-PRIVAT Michèle et FARGES François, La boîte à portrait de Louis XIV, Paris, Somogy, septembre 2015, 64 p.

Présentation de l’éditeur : 

En 2009, la Société des Amis du Louvre acquérait pour le musée un délicat portrait en miniature de Louis XIV, exécuté en émaux peints et entouré de quatre-vingt-douze diamants. Inspiré d’un usage privé, voire sentimental, véritable joyau – remarquable par son état de conservation –, l’objet, conçu au XVIIe siècle et nommé à l’époque « boîte à portrait », frappe d’emblée par sa taille réduite, qui s’explique par sa fonction même : il s’agit là d’un présent diplomatique parmi ceux que le souverain faisait offrir par centaines aux alliés de la France, aux diplomates étrangers, aux souverains alliés, aux serviteurs méritants, aux artistes et, même, aux plus valeureux adversaires combattus sur les champs de bataille. La richesse de ces boîtes aisément transportables, ornées d’un portrait du roi auréolé de diamants, en ont fait un moyen privilégié de propagande politique. C’est aussi la présence des précieuses gemmes qui fut la raison principale de leur disparition.

Aujourd’hui, en effet, seulement trois de ces objets précieux subsistent. L’entrée dans les collections du Louvre d’une œuvre aussi rare et chargée de sens invite à une étude approfondie de sa conception et de son histoire. L’étude gemmologique nous éclaire sur les différents modes de taille des diamants, exceptionnellement préservés, ainsi que sur le génie des lapidaires et orfèvres qui les ont subtilement mis en œuvre pour nimber de lumière la délicate image du souverain.

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Parution : The Flemish Merchant of Venice. Daniel Nijs and the Sale of the Gonzaga Art Collection.

ANDERSON Christina M.,The Flemish Merchant of Venice Daniel Nijs and the Sale of the Gonzaga Art Collection, New Haven et Londres, Yale university press, 2015, 256 p.
ANDERSON Christina M.,The Flemish Merchant of Venice Daniel Nijs and the Sale of the Gonzaga Art Collection, New Haven et Londres, Yale university press, 2015, 256 p.

Présentation de l’éditeur :

During the years 1627 and 1628, Charles I of England purchased the cream of the Gonzaga art collection, belonging to the dukes of Mantua, in what would become the greatest art deal of the 17th century. Among the treasures sold were ancient statues and stunning paintings by Titian, Raphael, Correggio, and Rubens. This book examines this fascinating and significant art sale from the perspective of the man who orchestrated it—Daniel Nijs (1572–1647), a Flemish merchant, collector, and dealer living in Venice. Christina M. Anderson brings Nijs to life, asserting that he was more than the avaricious and unscrupulous trader that most modern writers and scholars deem him to be. Anderson’s evocative text describes Nijs’s unique talent as a dealer, rooted in superior commercial skills, connections to artistic and diplomatic circles, and a deep love of art. The narrative reveals that Nijs was ultimately the pivotal figure involved with the Gonzaga sale, though also—when he later fell into bankruptcy and dishonor due to a deal gone awry—the most tragic.

Christina M. Anderson is a British Academy postdoctoral fellow in the history faculty at the University of Oxford and the research fellow in the study of collecting at the Ashmolean Museum.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Parution : Antiquarianism and the Visual Histories of Louis XIV – Artifacts for a Future Past.

WELINGTON Robert, Antiquarianism and the Visual Histories of Louis XIV - Artifacts for a Future Past, Farnham, Ashgate, septembre 2015, 286 p.
WELLINGTON Robert, Antiquarianism and the Visual Histories of Louis XIV – Artifacts for a Future Past, Farnham, Ashgate, septembre 2015, 286 p.

Présentation de l’éditeur :

Antiquarianism and the Visual Histories of Louis XIV : Artifacts for a Future Past provides a new interpretation of objects and images commissioned by Louis XIV (1638-1715) to document his reign for posterity. The Sun King’s image-makers based their prediction of how future historians would interpret the material remains of their culture on contemporary antiquarian methods, creating new works of art as artifacts for a future time. The need for such items to function as historical evidence led to many pictorial developments, and medals played a central role in this. Coin-like in form but not currency, the medal was the consummate antiquarian object, made in imitation of ancient coins used to study the past. Yet medals are often elided from the narrative of the arts of ancien régime France, their neglect wholly disproportionate to the cultural status that they once held. This revisionary study uncovers a numismatic sensibility throughout the iconography of Louis XIV, and in the defining monuments of his age. It looks beyond the standard political reading of the works of art made to document Louis XIV’s history, to argue that they are the results of a creative process wedded to antiquarianism, an intellectual culture that provided a model for the production of history in the grand siècle.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de l’éditeur.

Parution : La peinture tissée – Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV.

BERTRAND Pascal-François, La Peinture tissée - Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV, Rennes, PUR, 2015, 168 p.
BERTRAND Pascal-François, La Peinture tissée – Théorie de l’art et tapisseries des Gobelins sous Louis XIV, Rennes, PUR, 2015, 168 p.

Présentation de l’éditeur :

L’histoire de la manufacture royale des Gobelins est encore bien souvent perçue comme l’œuvre de Jean-Baptiste Colbert et Charles Le Brun, une idée forgée par Voltaire qui voyait dans son Siècle de Louis XIV (1751) un âge d’or perdu. si le rôle joué par ces deux grands hommes est indéniable, il faut aussi admettre que leur action ne couvre environ qu’un tiers du règne de Louis XiV, depuis le moment où le roi a commencé à gouverner par lui-même, en mai 1661, jusqu’à la mort du ministre, en septembre 1683. La période qui a suivi a été globalement perçue comme n’ayant pas été favorable à la Manufacture, car Louvois, le successeur de Colbert à la surintendance des Bâtiments du roi, a entrepris de faire tisser des peintures et des dessins de maîtres anciens et modernes, des œuvres non conçues spécifiquement pour la tapisserie, ce qui a eu pour résultat des tentures considérées comme peu originales, car saisies comme des copies. Des arguments d’ordre économique et esthétique ont été avancés pour soutenir cette thèse. Mais les explications fournies ne prennent pas en compte l’ensemble des déterminations qui ont fait que ces tapisseries existent sous cette forme. La production des Gobelins se situe sous Louvois, comme sous son prédécesseur, dans un contexte d’art de cour, avec le même but avoué : la gloire du roi et la splendeur de l’art. Le propos de cet essai est de revenir sur ces tapisseries transposant dans le grand format des peintures et dessins de Raphaël, Giulio Romano, Nicolas Poussin et Pierre Mignard. Ces œuvres ont été peu étudiées, elles ont été principalement analysées sous l’angle de la représentation politique, mais rarement d’un point de vue esthétique. il s’agit donc de s’interroger sur le sens de la pratique de la copie en tapisserie dans un contexte d’art de cour où le système de la représentation royale était extrêmement codifié. Les études sur la tapisserie ont essentiellement privilégié la question du sens des images, l’analyse de la storia, les programmes iconographiques et leurs significations qui nous renseignent sur la culture de la société. La réflexion sur la pensée figurative et l’invention plastique, sur le passage du peint au tissé a été délaissée, essentiellement faute de témoignages directs. Les principales sources utilisées sont des documents comptables, des écrits qui sont quasiment muets sur les intentions des différents acteurs. Mais il existe d’autres textes, des relations mondaines, des échanges épistolaires et la littérature artistique. C’est essentiellement de la confrontation de la lecture de cette dernière à l’examen des tapisseries que l’on peut tirer quelque enseignement. Quelles étaient donc les stratégies des Bâtiments du roi en projetant de faire tisser les modèles de la peinture universellement reconnus aux Gobelins ?

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site des Presses universitaires de Rennes.

Parutions : Deux ouvrages autour de la peinture du Nord

Le mois de juillet a vu paraître deux ouvrages partageant des thématiques autour de la peinture du Nord. Le premier a pour objet la mise en lumière des chefs d’oeuvres du genre conservés au musée de Glasgow (Ecosse), par la conservatrice britannique Pippa Stephenson. Le second est un recueil d’articles édité par Colette Nativel et Matthieu Somon (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) sur la question des appropriations de modèles antiques dans les arts de l’Europe du Nord.

9781857599121

STEPHENSON, Pippa, Dutch and flemish paintings. Highlights from Glasgow’s Collection, Londres, Scala Arts, 2015.

Présentation (traduite) de l’éditeur :

Pour la première fois, les collection Hollandaises et Flamandes du Musée de Glasgow sont exposées dans un bel ouvrage. 50 toiles sont regroupés thématiquement par peintres, lieux, objets et éclairent le lecteur sur la peinture Hollandaise et Flamande. L’ouvrage raconte l’envers du décor des œuvres produites par Rembrandt, Hals ou encore Flinck, au moyen de nouvelles photographies et d’une histoire des origines de la collection. Ce travail porte un regard nouveau sur les motivations des artistes, le marché de l’art de l’époque et sur l’histoire sociale de la peinture Hollandaise et Flamande.

28405100877570L

NATIVEL, Colette, SOMON, Matthieu (éd.), Le Nord et l’antique. Appropriations de modèles antiques dans les arts d’Europe du Nord, Paris, Publications de la Sorbonne, 2015.

Présentation de l’éditeur :

Les rapports des artistes du Nord à l’antique ont été complexes. Éloignés de la Ville éternelle, ils n’en ont pas moins été très tôt fascinés par l’image qui leur en parvenait. Le voyage à Rome devint peu à peu, au cours du XVIe siècle, une étape obligée dans la formation des artistes français, flamands, néerlandais et allemands. Si tous les artistes ne firent pas le voyage en Italie, les nombreuses découvertes des vestiges de l’antiquité classique – monuments, sculptures et autres objets – furent aussi diffusées dans toute l’Europe par les estampes. En 1605, le peintre et historien de l’art néerlandais, Carel van Mander, souligne ce phénomène. Selon lui, « des fouilles rendirent au jour quelques-uns de ces beaux marbres et de ces bronzes qui vinrent éclairer l’art, ouvrir les yeux de ses adeptes et leur apprendre à discerner le beau du laid par la connaissance de ce qu’il y a de plus parfait dans la création, aussi bien pour ce qui concerne la forme humaine que celle des animaux … ». À partir de six études de cas, menées par des jeunes chercheurs dans le cadre de leur thèse de doctorat, ce volume explore cette présence du modèle l’antique chez des artistes du Nord, au XVIIe siècle, dans des domaines aussi divers que le livre d’emblèmes (Vaenius et les livres d’emblèmes), le costume à l’antique dans les fêtes princières de la cour de Lorraine au début du XVIIe, une iconographie (la figure d’Hermathena dans l’Anvers de Rubens et dans la Haarlem de Goltzius), un Cabinet d’amateurs du Musée des Beaux-Arts de Dijon, l’architecture antique dans les Provinces Unis (ca. 1630 – 1650) et enfin le dialogue instauré entre l’antique et la tradition biblique par Poussin (La Récolte de la Manne, vers 1639).

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