Conférence PatriNat : L’héritage royal dans les collections de minéralogie du Muséum national d’histoire naturelle

Type : Séminaire.
Date : 19 mai 2015.
Lieu : Galerie Colbert, 2 rue Vivienne, 75002, salle Ingres, 2ème étage.

Troisième séance du cycle de séminaires organisé dans le cadre du projet sur contrat PatriNat, sous la responsabilité de Thierry Laugée, maître de conférences à l’université Paris-Sorbonne, rattaché au Centre André Chastel. Il se tiendra à l’INHA, en salle Ingres (2e étage), le 19 mai à partir de 18h. Entrée Libre.
Avec le soutien des institutions suivantes : Bibliothèque nationale de France (BnF), Centre national de la recherche scientifique (CNRS), Muséum national d’histoire naturelle (MNHN), Sorbonne Universités, Université Paris-Sorbonne, Université Pierre et Marie Curie (UPMC).

« PatriNat – Patrimonialisation du savoir naturaliste » constitue l’un des projets scientifiques portés par le Centre André Chastel. Il est financé par le nouveau programme Convergence de la COMUE Sorbonne – Universités ; lauréat en juin 2014 de l’appel à projet issu de la thématique « Sciences et Patrimoine culturel ». PatriNat s’est donné pour mission de mettre en évidence la perméabilité entre les sciences naturelles et l’histoire de l’art. L’approche interdisciplinaire du projet repose sur la mise en commun des travaux de l’équipe. Enseignants-chercheurs, conservateurs et étudiants rattachés à l’UPMC, au MNHN, à la BnF et à Paris-Sorbonne, questionnent le statut patrimonial d’objets naturalistes à la lumière de leur spécialité en taxidermie, minéralogie, muséologie et iconographie scientifique.

Jusqu’à son terme, en décembre 2015, le projet PatriNat propose à un public de chercheurs et d’étudiants un cycle de séminaires rendant compte de l’avancée des travaux de chacun de ses membres.
Chaque séance se clôture par un petit banquet au cours duquel vous êtes invités à échanger avec les intervenants.

Programme des interventions :

Stéphane Castelluccio (CNRS), François Farges (MNHN) : L’héritage royal dans les collections de minéralogie du Muséum national d’histoire naturelle : Origines, variété, richesse et intérêts.

L’étude de la description et de l’iconographie des objets en pierres dures (Stéphane  Castelluccio) ainsi que des échantillons de minéralogie et de pierres précieuses de la Couronne (François Farges) permet de suivre l’évolution de leur approche, de leur évaluation, de leurs « utilités ». En particulier, l’analyse sémantique des termes employés dans les inventaires ainsi que l’évolution iconographique sera présentée entre l’Ancien Régime (XVII-XVIIIe siècles) jusqu’aux débuts du XIXe siècle grâce à différents questionnements. En particulier, quelle approche, esthétique, minéralogie ou pédagogique était privilégiée selon les circonstances historiques (Ancien Régime, Révolution, Empire) : le document (inventaire, correspondance, description des salles) ou l’usage projeté (dépôt au Jardin de roi, demande d’objets au Louvre…) La double approche de Stéphane Castelluccio et François Farges permet de mettre en lumière l’importance croissante de l’image par rapport au texte et ce, dès la fin du XVIIIe siècle. Elle permet aussi de mieux comprendre le décalage entre la théorie et la pratique (intérêt des vases de pierres dures pour emploi des minéraux et leur discrétion dans les textes et les salles…), ainsi que la naissance de “nouvelles sciences” telle la cristallographie et les errements de ces premiers minéralogistes, entre les cristaux des naturalistes et les gemmes des lapidaires.

Jacquemart-André : Offre de stage, assistant de conservation

Jean-Marc Nattier, Portrait de Mathilde de Canisy, marquise d'Antin, 1738, huile sur toile, 118 x 96 cm, Musée Jacquemart-André, Paris.
Jean-Marc Nattier, Portrait de Mathilde de Canisy, marquise d’Antin, 1738, huile sur toile, 118 x 96 cm, Musée Jacquemart-André, Paris.

Le musée Jacquemart-André cherche un stagiaire pour une durée de 6 mois, rémunéré au taux horaire de 3,30 euros (entre 485,10 et 531,30 euros par mois).

Objet du stage :

Les missions consistent principalement à : accompagner l’assistante de conservation et le conservateur dans la plupart de leurs tâches, à savoir :

– Mise en place des expositions temporaires de la naissance du projet à son montage et démontage,
– Suivi des dossiers, conservation des collections, restaurations,
– Régie des œuvres des collections,
– Accueil des chercheurs,
– Secrétariat, etc…

Profil recherché :

– Niveau Master 2 en histoire de l’art ou histoire.
– Maîtrise des outils informatiques
– Langues : anglais exigé, italien souhaité
– Esprit pratique exigé
– Esprit d’équipe et d’intégration souhaités

Modalités :

Envoyer CV et lettre de motivation à l’adresse mail : conservation@musee-jacquemart-andre.com avant le 31 mai 2015.

La toilette au XVIIIe siècle, entre hygiène et intimité

Au Musée Marmottan-Monet, l’exposition La Toilette. Naissance de l’intime (jusqu’au 5 juillet 2015), s’étend sur une large période, de la Renaissance jusqu’à nos jours. Deux salles, sur les six, sont consacrées à la peinture de la période moderne.

Anonyme (école de Fontainebleau), Portrait présumé de Gabrielle d’Estrées et de la duchesse de Villars au bain, fin du XVIe siècle, huile sur toile, 63,5 × 84 cm, Montpellier, Musée Languedocien, collections de la Société archéologique de Montpellier.
Fig. 1 – Anonyme (école de Fontainebleau), Portrait présumé de Gabrielle d’Estrées et de la duchesse de Villars au bain, fin du XVIe siècle, huile sur toile, 63,5 × 84 cm, Montpellier, Musée Languedocien, collections de la Société archéologique de Montpellier.

Nadeije Laneyrie-Dagen et Georges Vigarello, commissaires de l’exposition[1], mettent en évidence la rupture qui s’opère au début du XVIIe siècle. Les bains représentés durant la Renaissance, tel le Portrait présumé de Gabrielle d’Estrées et la Duchesse de Villars au bain (Fig. 1), disparaissent à l’orée du Grand Siècle au profit de la toilette sèche. Celle-ci s’effectue habillée, au moyen d’un linge blanc et de diverses poudres ou onguents. La Vue (femme à sa toilette) d’après Abraham Bosse (Fig. 2) est particulièrement représentative de ces nouvelles mœurs. Se déroulant dans la chambre, le moment est pensé comme un spectacle où les visiteurs sont conviés. Lors de la présentation de l’exposition, Nadeije Laneyrie-Dagen précise que « outre une véritable défiance vis-à-vis de l’eau, la dame de qualité ne peut plus être représentée nue ».

Abraham Bosse (d’après), La Vue (Femme à sa toilette), après 1635, huile sur toile, 104 × 137 cm, Tours, musée des Beaux-Arts.
Fig. 2 – Abraham Bosse (d’après), La Vue (Femme à sa toilette), après 1635, huile sur toile, 104 × 137 cm, Tours, musée des Beaux-Arts.
Fig. 3 - Salomon de Bray, Jeune femme nue, à mi-corps, en train de se peigner, ca. 1635, huile sur bois, 54 × 46 cm, Paris, musée du Louvre, département des Peintures, don de la Société des amis du Louvre en 1995.
Fig. 3 – Salomon de Bray, Jeune femme nue, à mi-corps, en train de se peigner, ca. 1635, huile sur bois, 54 × 46 cm, Paris, musée du Louvre, département des Peintures, don de la Société des amis du Louvre en 1995.

Car la nudité ne sied pas aux femmes du monde. La Jeune femme nue à mi-corps en train de se peigner de Salomon de Bray (Fig. 3) ne semble pas en être une. De même que La Femme à la puce de Georges de la Tour (Fig. 4) qui est une domestique, et peut donc être représentée ainsi. Le cadrage serré permet de donner au spectateur une sensation de proximité avec le modèle peint, impression qui est aussi recherchée par Nicolas Régnier dans la Vanité ou Jeune Femme à sa toilette (Fig. 5). Ici, la représentation intime prend la forme d’un jugement moral, de par l’apport de plusieurs objets propres à la symbolique des vanités qui lient la féminité à la coquetterie et à la mort.

 

C’est aussi dans la partie moderne que se trouve la seule représentation où un homme est le sujet principal. Gravure d’Adriaen Pietersz van de Venne, le Gentilhomme à sa toilette[2] côtoie, sur sa cimaise, une Jeune femme se coupant les ongles de Jacob Ochtervelt[3]. Elle est l’une des rares œuvres de la période à montrer des ustensiles destinés à une toilette humide : cependant, le nécessaire disposé sur le sol pour prendre un bain de pieds reste vide.

Georges de La Tour, La Femme à la puce, 1638, huile sur toile, 121 × 89 cm, Nancy, Musée Lorrain.
Fig. 4 – Georges de La Tour, La Femme à la puce, 1638, huile sur toile, 121 × 89 cm, Nancy, Musée Lorrain.
Nicolas Régnier, Vanité ou Jeune Femme à sa toilette, 1626, huile sur toile, 130 × 105,5 cm, Lyon, musée des Beaux-Arts.
Fig. 5 – Nicolas Régnier, Vanité ou Jeune Femme à sa toilette, 1626, huile sur toile, 130 × 105,5 cm, Lyon, musée des Beaux-Arts.

La pratique de l’ablution connaît un renouveau progressif dans la toilette au début du XVIIIe siècle. Ce dernier s’accompagne de l’apparition d’objets jusqu’alors inusités, comme en témoignent les eaux-fortes de Jean-Charles Delafosse montrant bidet et demi-baignoire italienne. La scène se privatise et le spectateur n’est plus convié, devenant ainsi voyeur dissimulé dans l’embrasure d’une porte ou d’un paravent. Dans les vitrines, des représentations de moments privés : sexualité et épilation. Utilisation grivoise d’un instant qui ne concerne que celui qui s’y consacre. La coquetterie reste souvent représentée : ainsi, dans la Dame à sa toilette ou La Mouche de François Boucher (Fig. 6), une femme s’apprête pour son amant, en regardant son portrait.

 

François Boucher, La Mouche ou Une dame à sa toilette, 1738, huile sur toile, 86,3 × 76,2 cm, collection particulière.
Fig. 6 – François Boucher, La Mouche ou Une dame à sa toilette, 1738, huile sur toile, 86,3 × 76,2 cm, collection particulière.

Nadeije Laneyrie-Dagen véhicule l’hypothèse que la forme ovale prise par les peintures à cette période atteste d’une nouvelle façon de voir l’intimité par des « trous de serrure ». Les quatre œuvres les plus remarquables de cette partie de l’exposition sont justement des ovales de Boucher, réunis pour la première fois. A l’origine, ils ornent le fumoir de Pierre Paul Louis Randon de Boisset[4] (1708-1776). L’Enfant gâté (Fig. 7) et La Gimblette (Fig. 8), œuvres innocentes, cachent sous leur cadre deux représentations crument érotiques : La Jupe relevée (Fig. 9) et La Femme qui pisse (Fig. 10). Les secondes, masquées, étaient probablement montrées aux seuls proches du propriétaire. Les sujets représentés et le procédé utilisé font de ces deux œuvres en paires, les ancêtres de la célèbre toile L’Origine du monde[5] de Courbet, originellement cachée sous Le château de Blonay[6].

François Boucher, La Gimblette, L'Oeil indiscret, L'Enfant gâté, La Jupe relevée, 1742 ? ou années 1760 ?, huile sur toile, 52,5 × 41,5 cm, Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle et coll. part.
Fig. 7, 8, 9, 10 – François Boucher, La Gimblette, La Femme qui pisse, L’Enfant gâté, La Jupe relevée, 1742 ? ou années 1760 ?, huile sur toile, 52,5 × 41,5 cm, Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle et coll. part.

Le spectateur observera également La Toilette de Jean-Baptiste Pater[7], propriété du Louvre ; la Jeune femme à sa toilette de François Eisen du musée d’Abbeville (Fig. 11) ; sans oublier le Lever de Fanchon de Nicolas-Bernard Lépicié (1770), habituellement exposé à Saint-Omer[8]. Ils rendent compte, chacun à leur manière, de moments d’intimité qui font de plus en plus partie de la vie quotidienne, comme le montrent aussi dans les vitrines les gravures de Nicolas-René Jollain – telles que Après le bain ou La Serviette qui côtoient les manuels de toilette de l’époque. La salle de bains gothique de Jean-Baptiste Mallet (Fig. 12) vient clôturer ce parcours effectué dans la période moderne : la toilette bénéficie désormais d’un espace privé dédié au sein duquel l’eau retrouve une place essentielle et où la femme jouit d’une solitude que seul l’œil du peintre a le privilège de venir troubler.

François Eisen, Jeune Femme à sa toilette, 1742, huile sur bois, 36,5 × 27,3 cm, Abbeville, musée Boucher-de-Perthes.
Fig. 11 – François Eisen, Jeune Femme à sa toilette, 1742, huile sur bois, 36,5 × 27,3 cm, Abbeville, musée Boucher-de-Perthes.
Jean-Baptiste Mallet, La Salle de bains gothique, 1810, huile sur bois, 40,5 × 32,5 cm, Dieppe, château-musée de Dieppe.
Fig. 12 – Jean-Baptiste Mallet, La Salle de bains gothique, 1810, huile sur bois, 40,5 × 32,5 cm, Dieppe, château-musée de Dieppe.

[1] Concernant les travaux des commissaires sur la thématique du corps et de la femme, nous pouvons citer : Alain Corbin, Jean-Jacques Courtine, Georges Vigarello (dir.), Histoire du corps, 3 vol., Paris, Seuil, 2005, Georges Vigarello, Histoire de la beauté, Paris, Points, 2004 ; Georges Vigarello Le Propre et le sale, Paris, Seuil, 2013, ainsi que Nadeije Laneyrie-Dagen, L’Invention du corps, Paris, Flammarion, 2006.
[2] Adriaen Pietersz van de Venne, Gentilhomme à sa toilette, 1660, grisaille sur bois, 41 x 32 cm, Valenciennes, musée des Beaux-Arts.
[3] Jacob Ochtervelt, Une jeune femme se coupant les ongles, vers 1670-1675, huile sur toile, 74,5 x 59 cm, Londres, The National Gallery.
[4] « On comparait la galerie de cet amateur à un sanctuaire, n’y était pas admis qui voulait. Les prières, les sollicitations restaient sans succès, près d’un homme froid, peu communicatif », dans Gault de Saint-Germain, Souvenirs de quelques amateurs du XVIIIe siècle, Ms 329, Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, cité par C .Guichard, Les amateurs d’art à Paris au XVIIIe siècle, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p. 216.
[5] Gustave Courbet, L’Origine du monde, 1866, huile sur toile, 46 x 55 cm, Paris, Musée d’Orsay.
[6] Gustave Courbet, Le Château de Blonay, c. 1875, huile sur toile, 46 x 55 cm, Budapest, Musée des Beaux-Arts.
[7] Jean-Baptiste Pater, La Toilette, première moitié du XVIIIe siècle, huile sur toile, 47 x 37,5 cm, Paris, Musée du Louvre.
[8] Nicolas-Bernard Lépicié, Le Lever de Fanchon, 1773, huile sur toile, 74 x 93 cm, Saint-Omer, Musée de l’Hôtel Sandelin.

Sélection d’œuvres présentées lors de l’édition 2015 du Salon du dessin au Palais Brongniart

Galerie Didier Aaron & cie :

Jean-Baptiste Oudry (Paris 1686 - Beauvais 1755), Vue des jardins d'Arcueil, 1744, pierre noire et rehauts de craie blanche, 310 x 520 mm, signé et daté.
Jean-Baptiste Oudry (Paris 1686 – Beauvais 1755), Vue des jardins d’Arcueil, 1744, pierre noire et rehauts de craie blanche, 310 x 520 mm, signé et daté.

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Vente Grandchamp des Raux (26/03/2015): records battus par les académiciennes !

Le jeudi 26 mars 2015, les quarante-neuf coups du marteau de Matthieu Fournier ont dispersé la collection de peintures de Louis Grandchamp des Raux au cours d’une vente organisée par Sotheby’s et Artcurial à Paris.

Tous les lots ont été vendus, sans que les musées français n’aient fait valoir leur droit de préemption. Ce retrait s’explique probablement par le montant élevé des estimations, qui n’a cependant pas découragé les autres acheteurs. Ainsi, la majorité des lots a été adjugée dans la tranche prévue par les estimations, et près de 40% des lots ont même dépassé ces prévisions, portant le résultat global de la vente à plus de 7 630 000 € (8,7 millions avec les frais).

Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert
1. Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

À l’exemple de Louise Moillon, dont l’une des deux natures mortes (ill. 1) a trouvé acquéreur pour 900 000 € (hors frais), d’autres artistes ont visiblement battu leur record sur le marché de l’art[1].

Tout comme les œuvres de Louise Moillon, celles d’Anne Vallayer-Coster ont remporté un franc succès commercial. Compte tenu du faible nombre de femmes reçues à l’Académie royale de peinture et de sculpture[2], la qualité esthétique de leurs tableaux se double d’une valeur sociale indéniable. Le développement des gender studies a sans doute aiguisé l’intérêt du public pour ce type de productions, a fortiori quand le modèle est également une artiste (ill. 2).

Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert
2. Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Pourtant, c’est moins la musicienne -dont le violon est proprement désaccordé- que la psychologie de la demoiselle qui est mise en avant dans cette composition poétique mêlant les genres du portrait et de la nature morte. À l’écart des scènes moralisantes de son contemporain Greuze[3], Anne Vallayer-Coster semble ici renouer avec l’ancienne tradition du memento mori. Tenant un violon dont la première corde a déjà lâché, le jeune modèle apparaît dans la posture humble d’une Madeleine pénitente dont le regard semble s’évanouir au travers des  portées musicales. Le public pourra bientôt l’admirer dans un musée européen, qui l’a acquis pour la somme de 750 000 € (hors frais).

Le goût de Louis Grandchamp des Raux pour les assemblages harmonieux transparaît également dans la nature morte, qui est le genre pictural le plus représenté dans sa collection. Parmi les plus remarquées, la fascinante composition de Pierre-Antoine Lemoine est une des quatre œuvres actuellement référencée de l’artiste (ill. 3): elle a trouvé acquéreur pour 350 000 € (hors frais).

Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert
3. Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

En lien avec ce genre, il convient aussi de signaler cinq œuvres de François Desportes (1661-1743), dont l’esquisse d’un tableau représentant les chiennes de Louis XV Bonne, Nonne et Ponne (Paris, Musée de la chasse et de la nature).

À signaler enfin, parmi des paysages de Boucher, Fragonard et Hubert Robert, Le lever du jour, départ des pêcheurs (ill. 4) de Joseph Vernet, qui s’est envolé (en France : le tableau, issu de l’ancienne collection du château de Ferney-Voltaire, est classé monument historique) pour 700 000 € (hors frais).

Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert
Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Dans un communiqué de presse commun, Sotheby’s et Artcurial se sont félicités d’avoir battu un record remontant à plus de vingt ans. En conséquence, la vente Grandchamp des Raux est révélatrice d’un regain d’intérêt pour la peinture française des XVIIe et XVIIIe siècles, dont la recherche en Histoire de l’art moderne ne peut que se flatter.

Maël TAUZIEDE-ESPARIAT

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 [1] À en juger par les résultats de la base Artprice, c’est le cas du peintre de Pierre-Antoine Lemoine (Paris 1605-1665) et d’Anne Vallayer-Coster (Paris 1744-1818).
[2] Octave Fidiere, Les femmes artistes à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris: Charavay frères, 1885.
[3] Justement, le Portrait de jeune femme au fichu blanc (lot 27) peint par Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) a été vendu en deçà de son estimation (75 000 € hors frais).

Compte rendu d’exposition : “Le Baroque à Florence” (Paris, ENSBA, 27 janvier – 17 avril 2015)

1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d'une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.
1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.

Le GRHAM a été accueilli au Cabinet des dessins Jean Bonna par sa conservatrice, Emmanuelle Brugerolles, qui a rappelé le double intérêt du fonds dont elle a la responsabilité. D’un point de vue patrimonial, il s’agit de la collection française de dessins la plus importante après celle du Louvre. D’un point de vue scientifique, ce fonds offre un point de départ utile à ceux qui étudient certains aspects méconnus de l’histoire de l’art ou de la vie des artistes. L’exemple en est donné avec l’actuelle exposition « Le baroque à Florence » qui offre un appréciable coup de projecteur sur une époque et un espace estompés par la prépondérance historiographique de la Renaissance florentine et du baroque romain[1]. Dans la continuité d’une exposition précédemment consacrée à Michel-Ange[2], le Cabinet Jean Bonna présente jusqu’au 17 avril 2015 une trentaine de feuilles dessinées entre la fin du XVIe siècle et le XVIIe siècle.

2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.
2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.

Vice-présidente du GRHAM et stagiaire à l’ENSBA, Marine Roberton a fait découvrir l’exposition aux membres de l’association dans une perspective attributionniste. En effet, la plupart des dessins n’étant pas signés, le rattachement à une main florentine est déterminant pour comprendre le climat artistique de la cité médicéenne durant l’ère baroque. Se fondant sur des œuvres définitives bien documentées[3] et sur des rapprochements techniques ou stylistiques[4], l’exposition a donné lieu à de nouvelles attributions pertinentes. Au-delà de cette garantie scientifique, l’exposition se présente comme un panorama diversifié de Florence aux tournants des Cinquecento et Seicento.

L’ambiance laborieuse et sensuelle des ateliers d’artiste est évoquée par des académies et des études de drapés à la sanguine -technique florentine par excellence- que le Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant une corde illustre fort bien (ill. 1). Ces travaux, autant que les copies d’œuvres alors célèbres (Scène de sacrifice autour d’une statue de Diane d’Ephèse, dessinée par Andrea Boscoli d’après une fresque romaine de Polidoro da Caravaggio), ainsi que les nombreux dessins préparatoires rendent compte de la circulation des motifs, essentiellement religieux (ill. 2), depuis l’atelier jusqu’aux murs des églises et des palais toscans.

3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.
3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.
4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.
4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.

À côté de ces ébauches, l’exposition présente aussi des dessins dont le fini suggère la présence d’un marché de l’art spécifique. Plusieurs paysages de Remigio Cantagallina, longtemps attribués à Paul Bril, semblent indiquer l’intérêt de collectionneurs contemporains pour le dessin (ill. 3).

Alors que la majorité des feuilles exposées témoigne de l’impact tridentin sur Florence, ces paysages attestent également de l’existence de thématiques profanes.

 

 

 

 

 

5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or, 200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.
5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or, 200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.

Des projets de décors éphémères ou de fêtes commandés par les Médicis (ill. 4), en passant par des emprunts à la littérature héroïque, jusqu’aux Personnages burlesques de Baccio del Bianco (ill. 5), le regard des participants s’est réjoui de balayer le spectre d’une société florentine réanimée par les enchevêtrements baroques de la pierre noire, de la sanguine ou de l’encre rehaussés de lavis multicolores.

Maël TAUZIEDE-ESPARIAT

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[1] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le baroque à Florence », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2015, 111 p.
[2] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le dessin à Florence au temps de Michel-Ange », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, n°13, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2009, 160 p.
[3] Par exemple, le Moïse au Mont Sinaï de la villa Muti à Grottaferrata, peint par Domenico Cresti (ca. 1560-1636), dit Il Passignano, permet d’attribuer deux académies anonymes à cet artiste.
[4] Autre exemple, le Portrait de petite fille est donné à Carlo Dolci (1616-1886) en raison d’une forte similitude avec des portraits contenus dans l’un des carnets de dessins de cet artiste, actuellement conservé au Fitzwilliam Museum de Cambridge.

Louvre : Offre de stage au département des Arts graphiques

Gabriel de Saint-Aubin, Salon de 1765, 1765, dessin à la plume, 24 x 46,5 cm, Paris, Musée du Louvre, Département des Arts graphiques.
Gabriel de Saint-Aubin, Salon de 1765, 1765, dessin à la plume, 24 x 46,5 cm, Paris, Musée du Louvre, Département des Arts graphiques.

Objet du stage :

– Participation à la campagne de recherche et de documentation sur les dessins germaniques du département des Arts graphiques.
– Recherches bibliographiques et enrichissement des dossiers d’oeuvre ; rédaction de fiches techniques et de synthèse des connaissances sur chaque dessin.
– Etude des dessins et rédaction de notices synthétiques destinées à la base de données informatisées du département des Arts graphiques.

Profil recherché :

– Etudiant(e) en Histoire de l’art en Master 1 ou Master 2.
– Spécialisé(e) en art ancien (XVe-XVIIIe siècle).
– Très bonne connaissance de la langue allemande.

Modalités :

Candidature (CV + lettre de motivation) à envoyer à l’attention d’Hélène Grollemund, chargée d’exposition au département des Arts graphiques :
helene [point] grollemund [at] louvre [point] fr.

Appel à communication : Séminaire du GRHAM, 2015-2016

« Séminaire de recherche active en histoire de l’art moderne »

Au cours de ce séminaire mensuel, le GRHAM proposera à deux intervenants de venir exposer leurs recherches en cours, leurs questionnements ou leurs hypothèses de travail les plus récentes. Chaque intervenant pourra s’exprimer pendant une durée de vingt minutes. La séance sera ensuite consacrée à un débat sous la gouverne d’un discutant ainsi que d’un modérateur expérimenté.

Se voulant un organe d’aide à la réflexion, cet appel à communication s’adresse aux enseignants-chercheurs, aux conservateurs et professionnels du marché de l’art, ainsi qu’aux étudiants, à partir du M2.

Toutes les propositions de communication sont les bienvenues et seront attentivement examinées. Elles peuvent néanmoins être construites autour de l’un des axes suivants :

  • Du projet d’architecture au lieu de vie ou de représentation,
  • Textiles et vêtements : les enjeux de l’ornement,
  • Figures de l’oubli et de l’anonymat : trajectoires d’artistes,
  • Art et historicisme, le rapport de l’artiste au passé,
  • Ateliers, artisans et manufactures.

En 2015, le séminaire se déroulera de 18h à 20h à l’INHA aux dates suivantes :

  • Mardi 6 octobre,
  • Mardi 3 novembre,
  • Mardi 8 décembre.

Pour 2016, les dates du séminaire seront précisées ultérieurement.

Les intervenants choisis pour chaque séance s’engagent à envoyer le texte de leur communication, ainsi que les éventuelles images qu’ils souhaitent utiliser, dix jours avant le séminaire auquel ils participent, afin que le modérateur et le discutant puissent orienter au mieux le débat.

Les frais de transport en train (aller-retour à Paris) seront pris en charge par le GRHAM, sur une base forfaitaire, pour les intervenants résidant en France ou dans un pays limitrophe.

Les propositions de communication d’environ 300 mots, accompagnées d’une courte bio-bibliographie, doivent parvenir au GRHAM avant le 30 mai 2015 à l’adresse suivante : asso.grham@gmail.com.

Offre de stage au Musée-Promenade de Marly-le-Roi / Louveciennes

Situé dans le parc de Marly, le Musée-Promenade de Marly-le-Roi / Louveciennes (Yvelines), créé en 1982 conserve des collections liées au patrimoine du château de Marly, demeure de Louis XIV disparue au XIXe siècle.

François Boucher, L'Apothéose d'Enée, plafond, Marly-le-Roi, 1747
François Boucher, L’Apothéose d’Enée, Musée-Promenade de Marly-le-Roi, 1747.

1) Sous la direction de la responsable du musée, le stagiaire sera associé à la préparation de l’exposition temporaire de l’automne, consacrée à l’histoire des femmes au XVIIe siècle.
Le stagiaire assistera la responsable dans la préparation de l’exposition :
– Suivi des prêts
– Collecte des informations pour le transport des œuvres
– Organisation du planning du montage de l’exposition
– Recherche iconographique pour le catalogue de l’exposition
– Préparation des cartels d’œuvres et des supports de médiation pour le public

2) Par ailleurs, le stagiaire se verra confier une mission d’inventaire d’un fonds de dessins récemment acquis : 85 dessins du XIXe siècle sur le château et les jardins de Marly :
– Préparation de la saisie des notices d’inventaire dans la base documentaire Micromusée.

Enfin, le stagiaire participe à la vie quotidienne de l’équipe du musée.

Compétences :
– Prises de vue numériques, traitement des photos (recadrage et redimensionnement)
– Utilisation des outils de bureautique : mise en page Word et tableurs Excel
– Bon rédactionnel
– Une première expérience sur Micromusée serait un plus

Aptitudes :
– Rigueur dans le travail
– Dynamisme
– Autonomie

Ce stage est ouvert aux étudiants de Master 1 ou 2 d’Histoire de l’art.

Période de stage : de mai à septembre 2015.
Gratification de stage :
– Rémunération mensuelle à hauteur de 30% du SMIC.
– Aide à l’abonnement de transport en commun.

Les CV et les lettres de motivation ainsi que les demandes de renseignements complémentaires sont à adresser à administration@musee-promenade.fr.

Prochaine réunion pour la lettre du GRHAM : 4 mars

Gabriel de Saint-Aubin, Portrait de Mr. Sedaine fait d'après nature, 1749, dessin à la pierre noire, 21,1 x 24,9 cm, marché de l'art.
Gabriel de Saint-Aubin, Portrait de Mr. Sedaine fait d’après nature, 1749, dessin à la pierre noire, 21,1 x 24,9 cm, marché de l’art.

La lettre d’information est rédigée par le Comité de rédaction du GRHAM et est envoyée aux membres adhérents de l’association. Les membres désireux de s’investir dans sa conception et son amélioration sont invités à participer à la prochaine réunion de rédaction qui se déroulera le 4 mars 2014 à l’INHA.

Pour plus de détails, contactez nous à asso.grham@gmail.com.

 

Conférence filmée : Qu’apporte le discours historique à l’appréhension de l’oeuvre d’art ?

 

Le Dominiquin (dit), Domenico Zampieri, La Dernière Communion de saint Jérôme, 1614, huile sur toile, 419 x 256 cm, cité du Vatican, musées du Vatican.

Christian Michel[1], professeur ordinaire à l’Université de Lausanne, a été invité à donner une conférence au Collège de France par Antoine Compagon[2].

Captée le 4 février 2015[3], cette communication se propose de restituer les objectifs, les apports, mais également les limites du discours de l’historien de l’art. En s’interrogeant sur les enjeux de sa discipline, Christian Michel questionne l’écart existant entre l’horizon d’attente[4] de la majorité des spectateurs vis-à-vis de celui d’une minorité plus ou moins marginale de spécialistes. Par certains égards, cette interrogation sur la structuration du temps historique et du rapport à l’objet évoque la pensée développée par George Kubler dans Formes du temps, remarques sur l’histoire des choses[5].

Voir ou télécharger la vidéo sur le site du Collège de France

[1] Christian Michel est spécialiste de la théorie de l’art et du rapport à l’antique à l’époque moderne. Il a publié plusieurs ouvrages sur Charles-Nicolas Cochin (1987, 1991 et 1993), Jean-Antoine Watteau (2007), et sur l’Académie royale de Peinture et de Sculpture (2014).

[2] Professeur au Collège de France, Antoine Compagnon est titulaire de la Chaire de Littérature française moderne et contemporaine.
[3] Conférence donnée le mercredi 4 février 2015 à 16h dans l’amphitéâtre Maurice Halbwachs – Marcelin Berthelot. Le Pr Christian Michel est présenté et introduit par le Pr Marc Fumaroli de l’Académie française.
[4] Traduction française du concept allemand d’Erwartungshorizont. Principalement développé et popularisé par Hans-Robert Jauss (1921-1997), cet outil conceptuel est également utilisé par Edmund Husserl, Hans-Georg Gadamer et par les divers tenants de l’Ecole de Constance. Voir Hans-Robert Jauss, Pour une esthétique de la réception, préf. de Jean Starobinski, Paris, Gallimard, 1990, 305 p. (éd. originale de plusieurs textes de Jauss dont « Kleine Apologie der ästhetischen Erfahrung », dans Konstanzer Universitätsreden, n° 59, Constance, Universitätsverlag, 1972).
[5] Une grande partie de l’argumentaire développé par Christian Michel résulte de ce que George Kubler définit comme l’effet Eliot. Selon cet éminent spécialiste de l’art précolombien, la relation entre le présent et le passé n’est pas unilatérale ce qui implique que toute œuvre importante conduit à une réévaluation des œuvres précédentes. Il exemplifie cette théorie en démontrant que l’avènement de Rodin modifie sensiblement l’identité de Michel Ange. Voir George Kubler, Formes du temps, remarques sur l’histoire des choses, préf. d’Andrei Boris Nakov, Paris, Editions Champ Libre, 1973, 185 p. (éd. originale, The shape of time : remarks on the history of things, New Haven, Yale university press, 1963).

Séminaire : “Quand j’étais doctorant… Regards sur l’expérience de la thèse”

Invitation au séminaire «Quand j’étais doctorant… Regards sur l’expérience de la thèse »

Première séance : jeudi 19 février 2015 de 18h à 20h en salle Jullian à l’INHA, 2 rue Vivienne, 2e arrondissement, Paris.

Anicet Charles Gabriel Lemmonier, Lecture de la tragédie de Voltaire, l’Orphelin de la Chine, dans le salon de Mme Geoffrin en 1755, huile sur toile, 129 x 196cm, Rueil-Malmaison, Musée national du Château de Malmaison.
Anicet Charles Gabriel Lemmonier, Lecture de la tragédie de Voltaire, l’Orphelin de la Chine, dans le salon de Mme Geoffrin en 1755, huile sur toile, 129 x 196cm, Rueil-Malmaison, Musée national du Château de Malmaison.

“Le séminaire « Quand j’étais doctorant », organisé par le Salon XVIIe-XVIIIe siècles propose d’aborder une question aussi simple qu’évidente : l’expérience de la thèse. En invitant des docteurs et chercheurs de différentes générations à venir nous parler de la leur, nous espérons faire de ce séminaire un espace d’échange et d’émulation, à l’image d’un salon.

Ce séminaire sera l’occasion de soulever des questions, allant du plus pratique au plus conceptuel, qui animent actuellement les doctorants que nous sommes et animaient sans doute nos intervenants : l’angoisse de la page blanche, les regrets ou les déceptions, les problèmes méthodologiques rencontrés et surmontés…

Bien qu’il accueille des docteurs en art moderne, ce séminaire saura susciter l’intérêt des jeunes chercheurs de toutes disciplines et périodes en ce qu’il concerne une problématique que nous côtoyons tous : le « faire » même d’une thèse.”

La séance du 19 février aura pour thème « La thèse monographique », le séminaire recevra à cette occasion Alain Mérot (Professeur, Paris IV) et Francesco Guidoboni (Docteur, Paris 1). Bien qu’étant statutairement un séminaire doctoral, celui-ci est bien entendu ouvert à tous, notamment aux étudiants de M1 et M2.


Programme des séances suivantes jusqu’à juin 2015 (ces séminaires se déroulent toujours en salle Jullian de 18h à 20h) :

19 mars : “L’Art Religieux”
Frédéric Cousinié, professeur à l’Université de Rouen
Christine Gouzi, maître de conférences à l’Université Paris-Sorbonne (Paris IV)
Sébastien Bontemps, docteur

14 avril : “L’histoire de l’art au coeur des sciences humaines”
Marie-Pauline Martin, maître de conférences à l’Université d’Aix-Marseille
Emmanuelle Hénin, professeur à l’Université de Reims

28 mai : “La peinture du Nord”
Jan Blanc, professeur à l’Université de Genève
Xavier Paroutaud, ATER à l’Université de Grenoble

18 juin : “L’Architecture et le décor”
Sophie Mouquin, maître de conférences à l’Ecole du Louvre
Alexia Lebeurre, maître de conférences à l’Université de Bordeaux

Comité d’organisation : Lucille Calderini, Bastien Coulon, Lucile Roche, Charlotte Rousset.

 

 

 

Appel à communications : “Savoir et transmission : La littérature de la technologie de l’art dans l’Europe moderne (1400-1700)”

Machine à compression. Daguin, Pierre Adolphe. Traité élémentaire de physique théorique et expérimentale avec des applications à la météorologie et aux arts industriels. 7e éd. Toulouse : Privat ; Paris ; Dezobry et Magdeleine, 1861. p. 324
Machine à compression. Daguin, Pierre Adolphe. Traité élémentaire de physique théorique et expérimentale avec des applications à la météorologie et aux arts industriels. 7e éd. Toulouse : Privat ; Paris ; Dezobry et Magdeleine, 1861. p. 324

Type : Colloque
Date limite pour envoyer une proposition : 20 avril 2015.
Date et lieu de la journée d’étude : 10 octobre 2015 – INHA, 2 rue Vivienne, 75002 Paris.

La composante « Centre de recherche en préservation des biens culturels » de l’équipe d’accueil 4100 « Histoire culturelle et sociale de l’art » (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) organise le samedi 10 octobre 2015 à l’Institut National d’Histoire de l’Art (Paris, 2, rue Vivienne, 2e arrondissement), un colloque consacré à « La littérature de la technologie de l’art dans l’Europe moderne (1400-1700) ».

La période qui s’étend de la fin du Moyen Age à la veille des Lumières voit émerger une nouvelle approche de la connaissance. Le but de cette journée consiste à s’interroger sur la manière dont la littérature de la technologie de l’art s’inscrit dans cette évolution globale des savoirs et de leur transmission durant cette époque.

Afin de mieux comprendre les modalités d’élaboration et de diffusion du savoir technologique dans le domaine artistique, ce colloque se propose d’aborder sans exclusive les thèmes suivants :

– Quelles sont les sources de l’information technologique (observations, textes, mise en pratique par des amateurs ou des professionnels) ?

– Quels sont les modes de transmission entre la source de l’information et son transcripteur transmission matérielle, orale ou écrite (ouvrages, lettres, notes) ?

– Quels sont les acteurs de cette transmission de l’information technologique (auteurs, copistes, lecteurs, utilisateurs) ?

– Comment ces textes technologiques ont-ils été conçus et dans quels buts (collection encyclopédique, expérimentation, usage quotidien, application pratique) ?

– Existe-il une mise en forme et une mise en mots de l’information propres aux écrits de la technologie de l’art ou bien sont-elles communes à plusieurs disciplines (arts, médecine, botanique, cosmétique, alchimie, minéralogie …) : par exemple, la récurrence du vocabulaire, les systèmes d’abréviations, la structuration en paragraphes, les annotations infratextuelles (notes, corrections, manicules, titres, numérotations) ?

– Que peuvent nous apprendre les analyses codicologiques et paléographiques de ces textes ?

– Quelle place les informations relevant de la technologie de l’art occupent-elles dans des ouvrages technologiques aux préoccupations plus vastes ou différentes ?

Pour répondre à ces questions, le centre de recherche en préservation des biens culturels souhaite réunir aussi bien des historiens de l’art, des sciences ou des techniques, que des conservateurs-restaurateurs, des conservateurs, des archivistes-paléographes, et des scientifiques du patrimoine. Les doctorants et jeunes chercheurs sont les bienvenus. Les langues du colloque seront le français et l’anglais.

Les propositions de participation, d’un maximum de 500 mots, sont attendues au plus tard le 20 avril 2015 et sont à envoyer en français ou en anglais sous format Word en pièce jointe à l’une des adresses ci-dessous. La liste des propositions retenues sera communiquée début juin 2015.

Contacts :

Cécile Parmentier, doctorante à l’HiCSA – ED 441 Histoire de l’art
Cecile.Francois1@malix.univ-paris1.fr

Anne Servais, doctorante à l’HiCSA – ED 441 Histoire de l’art
a_servais@hotmail.com

Visite guidée de l’exposition “Le Baroque à Florence”

Grégorio Pagani, La mort d'Adonis, ca. 1580-1605, plume, lavis de bistre et rehauts de gouache sur papier, 27,2 x 22,3 cm, Paris, Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts.
Grégorio Pagani, La mort d’Adonis, ca. 1580-1605, plume, lavis de bistre et rehauts de gouache sur papier, 27,2 x 22,3 cm, Paris, Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts.

Le GRHAM a le plaisir de vous inviter à une visite guidée du cabinet Jean Bonna de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

Organisée à l’occasion de l’exposition Le Baroque à Florence, cette visite conduite par Marine Roberton, aura lieu le 27 février 2015 à 10h30. Exceptionnellement ouvert à tous, cet événement sera aussi l’occasion pour le GRHAM de rappeler les activités de l’association.

Si vous souhaitez participer à la visite, il suffit d’envoyer un mail à asso.grham@gmail.com en précisant votre nom et votre prénom avant le 24 février 2015.

 

 

 

“À propos” et “Nous rejoindre” sont ouverts !

Hughes Taraval - Le triomphe d'Amphitrite (1780)
Hughes Taraval, Le triomphe d’Amphitrite, 1780, huile sur toile, 129 x 97 cm, Amherst, MA, Mead Art Museum.

 

 

Bienvenue sur le carnet du GRHAM,

Créé depuis décembre 2014, le Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne vient de se doter de son carnet Hypothèses.

Pour l’instant, seules les sections “A propos” et “Nous rejoindre” sont ouvertes. Les autres catégories seront rapidement alimentées. En attendant, vous pouvez tout de même nous rejoindre !

 

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