Chefs-d’oeuvre des artistes et maîtres artisans du XVIIIe siècle
Symposium d’histoire de l’art de la mairie du 11e arrondissement
sous la direction de Martine Debieuvre, Sébastien Chauffour et Christophe Henry
Mercredi 8 juillet 2015
Comme lors de la première édition (16 février 2015), le deuxième symposium d’histoire de l’art de la mairie du 11e arrondissement donne la priorité aux artistes et maîtres artisans du XVIIIe siècle. La journée de février avait fait la part belle aux itinéraires et aux carrières de peintres, sculptures, architectes et maîtres artisans célèbres en leur temps, celle de juillet s’efforcera de faire une large place à l’étude approfondie d’une oeuvre exemplaire des transformations radicales que connaissent alors l’art et la société.
La journée fera l’objet d’une présentation par Madame Martine Debieuvre, Première adjointe au maire du 11e arrondissement chargée de la culture, du patrimoine et de la mémoire et co-organisatrice du symposium. Chaque présentation de 25 minutes sera suivie d’un quart-d’heure dévolu aux échanges et débats, sous la présidence de Sébastien Chauffour et Christophe Henry.
Pour tout renseignement : culture11@paris.fr
Jean-Baptiste Oudry (Paris 1686 – Beauvais 1755), Vue des jardins d’Arcueil, 1744, pierre noire et rehauts de craie blanche, 310 x 520 mm, signé et daté.
Le jeudi 26 mars 2015, les quarante-neuf coups du marteau de Matthieu Fournier ont dispersé la collection de peintures de Louis Grandchamp des Raux au cours d’une vente organisée par Sotheby’s et Artcurial à Paris.
Tous les lots ont été vendus, sans que les musées français n’aient fait valoir leur droit de préemption. Ce retrait s’explique probablement par le montant élevé des estimations, qui n’a cependant pas découragé les autres acheteurs. Ainsi, la majorité des lots a été adjugée dans la tranche prévue par les estimations, et près de 40% des lots ont même dépassé ces prévisions, portant le résultat global de la vente à plus de 7 630 000 € (8,7 millions avec les frais).
À l’exemple de Louise Moillon, dont l’une des deux natures mortes (ill. 1) a trouvé acquéreur pour 900 000 € (hors frais), d’autres artistes ont visiblement battu leur record sur le marché de l’art[1].
Tout comme les œuvres de Louise Moillon, celles d’Anne Vallayer-Coster ont remporté un franc succès commercial. Compte tenu du faible nombre de femmes reçues à l’Académie royale de peinture et de sculpture[2], la qualité esthétique de leurs tableaux se double d’une valeur sociale indéniable. Le développement des gender studies a sans doute aiguisé l’intérêt du public pour ce type de productions, a fortiori quand le modèle est également une artiste (ill. 2).
Pourtant, c’est moins la musicienne -dont le violon est proprement désaccordé- que la psychologie de la demoiselle qui est mise en avant dans cette composition poétique mêlant les genres du portrait et de la nature morte. À l’écart des scènes moralisantes de son contemporain Greuze[3], Anne Vallayer-Coster semble ici renouer avec l’ancienne tradition du memento mori. Tenant un violon dont la première corde a déjà lâché, le jeune modèle apparaît dans la posture humble d’une Madeleine pénitente dont le regard semble s’évanouir au travers des portées musicales. Le public pourra bientôt l’admirer dans un musée européen, qui l’a acquis pour la somme de 750 000 € (hors frais).
Le goût de Louis Grandchamp des Raux pour les assemblages harmonieux transparaît également dans la nature morte, qui est le genre pictural le plus représenté dans sa collection. Parmi les plus remarquées, la fascinante composition de Pierre-Antoine Lemoine est une des quatre œuvres actuellement référencée de l’artiste (ill. 3): elle a trouvé acquéreur pour 350 000 € (hors frais).
En lien avec ce genre, il convient aussi de signaler cinq œuvres de François Desportes (1661-1743), dont l’esquisse d’un tableau représentant les chiennes de Louis XV Bonne, Nonne et Ponne (Paris, Musée de la chasse et de la nature).
À signaler enfin, parmi des paysages de Boucher, Fragonard et Hubert Robert, Le lever du jour, départ des pêcheurs (ill. 4) de Joseph Vernet, qui s’est envolé (en France : le tableau, issu de l’ancienne collection du château de Ferney-Voltaire, est classé monument historique) pour 700 000 € (hors frais).
Dans un communiqué de presse commun, Sotheby’s et Artcurial se sont félicités d’avoir battu un record remontant à plus de vingt ans. En conséquence, la vente Grandchamp des Raux est révélatrice d’un regain d’intérêt pour la peinture française des XVIIe et XVIIIe siècles, dont la recherche en Histoire de l’art moderne ne peut que se flatter.
[1] À en juger par les résultats de la base Artprice, c’est le cas du peintre de Pierre-Antoine Lemoine (Paris 1605-1665) et d’Anne Vallayer-Coster (Paris 1744-1818). [2] Octave Fidiere, Les femmes artistes à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris: Charavay frères, 1885. [3] Justement, le Portrait de jeune femme au fichu blanc (lot 27) peint par Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) a été vendu en deçà de son estimation (75 000 € hors frais).
1. Lorenzo Lippi (1606-1665), Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant sur une corde, sanguine, 410 x 260 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : EBA 353.
Le GRHAM a été accueilli au Cabinet des dessins Jean Bonna par sa conservatrice, Emmanuelle Brugerolles, qui a rappelé le double intérêt du fonds dont elle a la responsabilité. D’un point de vue patrimonial, il s’agit de la collection française de dessins la plus importante après celle du Louvre. D’un point de vue scientifique, ce fonds offre un point de départ utile à ceux qui étudient certains aspects méconnus de l’histoire de l’art ou de la vie des artistes. L’exemple en est donné avec l’actuelle exposition « Le baroque à Florence » qui offre un appréciable coup de projecteur sur une époque et un espace estompés par la prépondérance historiographique de la Renaissance florentine et du baroque romain[1]. Dans la continuité d’une exposition précédemment consacrée à Michel-Ange[2], le Cabinet Jean Bonna présente jusqu’au 17 avril 2015 une trentaine de feuilles dessinées entre la fin du XVIe siècle et le XVIIe siècle.
2. Sigismondo Coccapani (1583-1643), Ange et sainte agenouillée face à une « Apparition du Christ à la Vierge », pierre noire, plume, encre brune et lavis rose, 328 x 200 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2805.
Vice-présidente du GRHAM et stagiaire à l’ENSBA, Marine Roberton a fait découvrir l’exposition aux membres de l’association dans une perspective attributionniste. En effet, la plupart des dessins n’étant pas signés, le rattachement à une main florentine est déterminant pour comprendre le climat artistique de la cité médicéenne durant l’ère baroque. Se fondant sur des œuvres définitives bien documentées[3] et sur des rapprochements techniques ou stylistiques[4], l’exposition a donné lieu à de nouvelles attributions pertinentes. Au-delà de cette garantie scientifique, l’exposition se présente comme un panorama diversifié de Florence aux tournants des Cinquecento et Seicento.
L’ambiance laborieuse et sensuelle des ateliers d’artiste est évoquée par des académies et des études de drapés à la sanguine -technique florentine par excellence- que le Jeune homme vêtu d’une blouse, tirant une corde illustre fort bien (ill. 1). Ces travaux, autant que les copies d’œuvres alors célèbres (Scène de sacrifice autour d’une statue de Diane d’Ephèse, dessinée par Andrea Boscoli d’après une fresque romaine de Polidoro da Caravaggio), ainsi que les nombreux dessins préparatoires rendent compte de la circulation des motifs, essentiellement religieux (ill. 2), depuis l’atelier jusqu’aux murs des églises et des palais toscans.
3. Remigio Cantagallina (ca. 1582-1656), Paysage d’Italie avec un monastère et deux moines au premier plan, plume et encre brune, lavis brun sur tracé à la sanguine et à la pierre noire, 171 x 238 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 371.4. Stefano della Bella (1610-1664), Coiffure de théâtre, graphite, plume et encre brune, lavis d’encre de Chine, 300 x 208 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2260.
À côté de ces ébauches, l’exposition présente aussi des dessins dont le fini suggère la présence d’un marché de l’art spécifique. Plusieurs paysages de Remigio Cantagallina, longtemps attribués à Paul Bril, semblent indiquer l’intérêt de collectionneurs contemporains pour le dessin (ill. 3).
Alors que la majorité des feuilles exposées témoigne de l’impact tridentin sur Florence, ces paysages attestent également de l’existence de thématiques profanes.
5. Baccio del Bianco, Personnages burlesques, plume, encre brune, aquarelle et rehauts d’or, 200 x 282 mm, Paris : École nationale supérieure des Beaux-Arts ; n° d’inventaire : Mas 2463.
Des projets de décors éphémères ou de fêtes commandés par les Médicis (ill. 4), en passant par des emprunts à la littérature héroïque, jusqu’aux Personnages burlesques de Baccio del Bianco (ill. 5), le regard des participants s’est réjoui de balayer le spectre d’une société florentine réanimée par les enchevêtrements baroques de la pierre noire, de la sanguine ou de l’encre rehaussés de lavis multicolores.
[1] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le baroque à Florence », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2015, 111 p. [2] Emmanuelle Brugerolles (dir.), « Le dessin à Florence au temps de Michel-Ange », dans Carnets d’études de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, n°13, Paris : Beaux-Arts de Paris, 2009, 160 p. [3] Par exemple, le Moïse au Mont Sinaï de la villa Muti à Grottaferrata, peint par Domenico Cresti (ca. 1560-1636), dit Il Passignano, permet d’attribuer deux académies anonymes à cet artiste. [4] Autre exemple, le Portrait de petite fille est donné à Carlo Dolci (1616-1886) en raison d’une forte similitude avec des portraits contenus dans l’un des carnets de dessins de cet artiste, actuellement conservé au Fitzwilliam Museum de Cambridge.