Archives par étiquette : Philippe de Champaigne

Appel à communication : 8 sessions at RSA (New Orleans, 22-24 Mar 18)

Eustache Le Sueur, Les Muses Melpomène, Erato et Polymnie, 1652 – 1655, huile sur toile, Paris, musée du Louvre.

Type : Appel en communication

Date de l’événement : 22 – 24 mars 2018

Lieu : Nouvelle Orléans

64th Annual Meeting of the Renaissance Society of America, New Orleans

[1] Mimesis and Fantasy in Early Modern Spanish Art. Deadline: Jun 3, 2017

[2] Elemental Force. Deadline: May 31, 2017

[3] Particularities of Place: The Practice of Collecting Early Modern European Art in the Southern United States. Deadline: Jun 3, 2017

[4] French Classicism and French Romanticism: A Necessary Encounter. Deadline: Jun 3, 2017

[5] The Value of Faking It. Deadline: Jun 2, 2017

[6] Beyond Surface: Interrogating the Early Modern Wall and Page. Deadline: Jun 2, 2017 Continuer la lecture

Valorisation d’une collection publique : les peintures italiennes et hispaniques (XIVe-XVIIIe siècles) du musée de Tessé au Mans (catalogue et exposition)

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Illustration 1: Juan de Valdés Leal, Sainte Paule, 1655-1657, huile sur toile 208 x 126 cm, Le Mans: musée de Tessé, (c) Musées du Mans/Alain Szczuczynski.

À moins d’une heure de Paris, la ville du Mans réunit quatre musées : le Carré Plantagenêt (archéologie et histoire), le musée Vert (histoire naturelle), celui de la Reine-Bérengère (art et histoire de la Sarthe) et le celui de Tessé (beaux-arts)[1].

Ce dernier est installé dans l’ancien évêché construit en 1848 sur l’emplacement de l’hôtel de la famille de Tessé, dont les collections forment une partie du fonds ancien du musée. Ce fonds originel a d’abord été enrichi par des érudits locaux dans la première moitié du XIXe siècle. Grâce à eux, le musée de Tessé fait notamment figure de précurseur en matière d’acquisition : il s’agit de l’un des premiers établissements français à acheter des peintures espagnoles (Illustration 1). Dans la seconde moitié du siècle, le conservateur Charles Dugasseau (1812-1885) réécrit les catalogues du musée, contribuant ainsi à augmenter la visibilité de la collection mancelle auprès du public.

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Illustration 2: Pietro Lorenzetti, Sainte Agathe (?), c. 1315, panneau de bois peint, 64,9 x 33,3 cm, Le Mans: musée de Tessé, (c) Musées du Mans/Alain Szczuczynski.

Il accroît par ailleurs celle-ci en sollicitant des dépôts de l’État et en effectuant des achats, en particulier vingt-trois œuvres de « primitifs » italiens acquis lors de la vente après décès d’un collectionneur manceau, Évariste Fouret (1807-1863) (Illustration 2).

Cet ensemble de panneaux sur fond doré a été complété à la fin du XXe siècle par un dépôt de l’État, confirmant ainsi la particularité des collections du Mans (Illustration 3). Au début du XXe siècle, les collections du musée, jusque-là exposées dans l’ancienne abbatiale de Notre-Dame-de-la-Couture, font l’objet d’une réorganisation plus rationnelle dans le bâtiment actuel. En raison de l’intérêt précurseur du musée des beaux-arts du Mans pour la peinture espagnole, et de sa remarquable collection de « primitifs » italiens, la mise à l’honneur de ces deux écoles était attendue.

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Illustration 3: Jacopo del Sellaio, La Vierge adorant l’Enfant, c. 1465-1470, panneau de bois peint, 95 x 48 cm, Le Mans: musée de Tessé, (c) Maël Tauziède-Espariat

Cette valorisation a été initiée par Corentin Dury[2] lors de son cursus à l’École du Louvre, d’abord sous la direction de Michel Laclotte et Dominique Thiébaut pour la période s’étendant du XIVe au XVIe siècles, puis sous celle d’Olivier Bonfait pour les XVIIe et XVIIIe siècles. Ce travail consacré aux peintures italiennes et hispaniques des XIVe-XVIIIe siècles, enrichi par des échanges avec des chercheurs internationaux et appuyé par l’équipe du musée de Tessé, vient d’aboutir sous la forme d’un catalogue et d’une exposition.

L’exposition réunit quatre-vingt œuvres italiennes et hispaniques dans un parcours chrono-thématique. La qualité inégale de la collection a été exploitée avec intelligence : les chefs-d’œuvre justifient à eux-seuls une visite, mais toutes les œuvres sont mises en valeur de façon à appuyer un discours pertinent sur l’art. En d’autres termes, l’exposition fonctionne comme un lieu de délectation et d’apprentissage (comme cela devrait toujours être le cas). Continuer la lecture

L’enfant des Lumières au musée Marmottan Monet

    L’exposition[1] qui a lieu actuellement au musée Marmottan Monet, « L’Art et l’enfant », propose une histoire de l’enfance au travers d’œuvres allant du Moyen-Age jusqu’au XXe siècle. Pour le catalogue de cette exposition, Jacques Gélis[2] a rédigé deux contributions qui touchent plus particulièrement à la situation de l’enfant aux XVIIe et XVIIIe siècles dont nous donnons ci-après un compte-rendu.

Philippe de Champaigne (attribué à), Portrait de la famille Habert de Montmor, XVIIe siècle, huile sur toile, Sully-sur-Loire, château.

Philippe de Champaigne (attribué à), Portrait de la famille Habert de Montmor, XVIIe siècle, huile sur toile, Sully-sur-Loire, château.

Jusqu’à la fin du Moyen-Age, les représentations consacrées aux enfants sont peu courantes et elles restent encore modestes au XVIe siècle. De plus l’enfant ne figure jamais seul à moins qu’il ne s’agisse de l’enfant exceptionnel qu’est le dauphin royal ou l’Enfant Jésus.

Frans Pourbus le Jeune, Louis XIII en costume de deuil, 1611, huile sur toile, Florence, Palazzo Pitti.

Frans Pourbus le Jeune, Louis XIII en costume de deuil, 1611, huile sur toile, Florence, Palazzo Pitti.

Les sources écrites témoignent d’un certain détachement vis-à-vis de l’enfant dont on attend essentiellement qu’il perpétue la famille. La pudeur – voire la froideur – domine la relation entre parents et enfants, les gestes de tendresse semblant absents. Néanmoins le portrait de groupe commandé par le chef de famille est synonyme de réussite sociale et symbole d’avenir grâce aux enfants, héritiers d’une lignée. La famille Haber de Montmor témoigne de cette volonté d’enraciner les individus dans le passé ancestral, un univers où l’individu et le social sont étroitement imbriqués. Continuer la lecture

Les Trésors nationaux du comte de Paris

 

Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Portrait de la duchesse d'Orléans, née Marie-Adélaïde de Bourbon-Penthièvre, 1789, huile sur panneau, 110 x 84 cm

Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Portrait de la duchesse d’Orléans, née Marie-Adélaïde de Bourbon-Penthièvre, 1789, huile sur panneau, 110 x 84 cm.

   Trente mois, c’est la durée dont dispose l’Etat français pour faire une offre d’achat sur ce tableau d’Elisabeth Vigée Le Brun, classé « Trésor national ». Retiré de la vente des œuvres provenant des collections de Feu Monseigneur le comte de Paris (1908 – 1999), le portrait de la duchesse d’Orléans fait donc l’objet de tractations privées sous l’égide de Sotheby’s afin de lui trouver un ou des mécènes – la Banque de France se serait porter acquéreuse – pouvant lui permettre de rester sur le territoire français. Louise-Marie-Adélaïde de Bourbon (1753 – 1821), héritière d’une immense fortune, épouse Louis-Philippe d’Orléans (1747 – 1793) en 1769. La duchesse d’Orléans, souvent délaissée, doit s’accommoder de la présence de la maîtresse de son mari, la comtesse de Genlis, et supporter l’influence grandissante qu’elle aura sur les six enfants du couple. Le tableau d’Elisabeth Vigée Le Brun (1755 – 1843) montre la duchesse dans un de ses moments d’intimité, la tête mélancoliquement penchée, le regard doux mais , Sotheb’yvolontaire, la main droite abandonnée sur les plis de sa robe savamment disposée. Exposé au Salon de 1789, le tableau remporte les faveurs des critiques : «  Madame Le Brun a parfaitement saisi le caractère de cette Princesse, elle a peint à la fois cet air de bonté, & cette sensibilité profonde que porte son âme. Son modèle ne pouvait que l’inspirer ; aussi son tableau est-il frappant.[1] »

Philippe de Champaigne, Portrait de Louis XIII, vers 1639, huile sur toile.

Philippe de Champaigne, Portrait de Louis XIII, vers 1639, huile sur toile.

   Ont aussi été classés Trésors nationaux le livre de comptes du château d’Amboise (1495 – 1496) et le portrait de Louis XIII par Philippe de Champaigne (1602 – 1674). Le portrait est commandé en 1639 par le secrétaire d’Etat chargé des finances du royaume, Louis Phélypeaux, seigneur de La Vrillière, marquis de Châteauneuf et de Tanlay (1599 – 1681). Le marquis expose le tableau dans son hôtel particulier, l’hôtel de Toulouse, actuelle Banque de France, en pendant à un portrait de Richelieu aujourd’hui conservé au Louvre[2]. L’œuvre célèbre un roi guerrier, ceint de son armure, la main gauche posée sur un casque empanaché qui affirme les victoires militaires, mais aussi sa confiance dynastique suite à la naissance – tant attendue – du dauphin, futur Louis XIV en 1638.

Florence Fesneau

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[1] Les élèves au salon : ou L’Amphigouri., A Paris, Chez Lecomte, Libraire, rue S. André-des-Arcs, coin de celle des Grands-Augustins. 1789, p. 22.

[2] Philippe de Champaigne, Le cardinal de Richelieu, 1635, huile sur toile, 222 x 155 cm, Paris, musée du Louvre.