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Conférence du GRHAM : « Questions d’attribution » par Ambroise et Hubert Duchemin (Paris, 18 mai 2017).

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 18 mai 2017 à 19h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée).
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

A l’occasion de la dernière conférence de son cycle 2016-2017, le GRHAM invite la Galerie Hubert Duchemin pour une séance dédiée à un vaste débat sur l’attribution.

Ambroise Duchemin présentera une communication axée autour de la découverte d’un portrait de Fortuné Dufau (1770-1821). L’attribution à cet élève de Girodet d’un petit tableau longtemps resté anonyme a permis de redécouvrir un artiste oublié et de mettre un nom sur un des portraits les plus mystérieux du néo-classicisme français : La jeune fille au collier de jais du musée Magnin à Dijon.

Hubert Duchemin s’interrogera sur l’attribution de certaines œuvres célèbres présentées dans les musées. Il partagera avec le public son analyse sur des toiles de Caravage et Poussin mais aussi, plus brièvement, de Watteau et Chardin. Cette présentation sera l’occasion de mettre à l’épreuve de la discussion quelques-unes de ses interrogations. Partisan d’une approche singulière et transversale, Hubert Duchemin reviendra également sur sa méthode basée sur « la connaissance du langage des peintres » et la comparaison, le « paragone ».

Expert indépendant en tableaux et dessins, Hubert Duchemin exerce son regard depuis plus de trente ans au sein des collections privées, du marché de l’art mais également des musées. Il est notamment à l’origine de la redécouverte du Chat Mort de Géricault ainsi que des Esquisses de portraits de Fragonard (avec Lilas Sharifzadeh). Actuellement installé au 8 rue de Louvois à Paris, la Galerie Hubert Duchemin présente plusieurs expositions chaque année, basées sur ses récentes découvertes.

Diplômé de Sciences-Po Toulouse en 2013 (Master Culture et Production des savoirs), Ambroise Duchemin rejoint dans la foulée la galerie familiale puis créé en 2015 sa propre structure accompagnée d’un site internet. Passionné par l’art ancien et moderne, il a publié en mars 2017 son premier catalogue « Œuvres sur papier » qui couvre une période allant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle.

Christie’s en octobre

Antoine van Dyck, Portrait de Marguerite de Lorraine, duchesse d’Orléans, vers 1634, huile sur toile, 135,6 x 99,7 cm.

Antoine van Dyck, Portrait de Marguerite de Lorraine, duchesse d’Orléans, vers 1634, huile sur toile, 135,6 x 99,7 cm.

Pour sa vente du 26 octobre 2016, Christie’s propose un Portrait de Marguerite de Lorraine, duchesse d’Orléans (1615 – 1672). Ce tableau (lot n° 70 estimé entre 400 000 et 600 000 $) récemment redécouvert est une des deux versions autographes peintes par Antoine van Dyck (1599 – 1641), l’autre version faisant partie de la collection du Duc de Bedford à l’abbaye de Woburn.

Ferdinand Bol, Portrait d’un jeune homme, vers 1640, huile sur toile, 67 x 53,7 cm

Ferdinand Bol, Portrait d’un jeune homme, vers 1640, huile sur toile, 67 x 53,7 cm.

Le lot n° 74 (estimé entre 150 000 et 250 000 $) propose un Portrait de jeune homme inédit de Ferdinand Bol (1616 – 1680). Ce tableau date probablement des années 1640 qui marqueront la fin de l’apprentissage de Ferdinand Bol auprès de son maître Rembrandt (1606 – 1669) et le début d’une carrière indépendante couronnée de succès et de nombreuses commandes officielles.

Jean-Honoré Fragonard, Le Billet doux, vers 1770, huile sur toile, 16,4 x 12,4 cm.

Jean-Honoré Fragonard, Le Billet doux, vers 1770, huile sur toile, 16,4 x 12,4 cm.

Le Billet Doux (Lot n° 100 estimé entre 120 000 et 160 000 $) est un petit tableau de Jean-Honoré Fragonard (1732 – 1806) récemment redécouvert. Il fait partie d’un ensemble de scènes de genre, toutes peintes au cours des années 1770, montrant des demi-figures accoudées à un rebord de pierre ou à une fenêtre ouverte. Parmi celles-ci, on compte les célèbres Curieuses conservées aujourd’hui au musée du Louvre. Un autre tableau de Fragonard qui dépeint un jeune homme implorant une jeune fille à sa fenêtre, conservé dans la collection Veil-Picard, est probablement le pendant du Lot n° 100. Les deux œuvres se complètent sur le thème de la rencontre amoureuse.

Jean-Baptiste Pater, Soldats et vivandières se reposant autour d’un feu, huile sur toile, 46,3 x 55,8 cm.

Jean-Baptiste Pater, Soldats et vivandières se reposant autour d’un feu, huile sur toile, 46,3 x 55,8 cm.

Au Lot n° 101 (estimé entre 100 000 et 150 000 $) on trouve un tableau de Jean-Baptiste Pater (1695 – 1736) qui, comme son maître Antoine Watteau (1684 – 1721), s’attache à représenter la vie des soldats pendant la Guerre de Succession d’Espagne (1701 – 1713). Le morceau de réception de Pater à l’académie royale de peinture en décembre 1728 sera d’ailleurs un tableau sur le thème de la vie militaire ; Une fête champêtre. Réjouissance de soldats, actuellement conservé au musée du Louvre. Les Soldats et vivandières se reposant autour du feu reprend le modèle établi par Watteau qui montre soldats et officiers loin de l’agitation du champ de bataille. Ces derniers sont dépeints dans leur quotidien, alors qu’ils se reposent, jouent aux cartes ou conversent en compagnie des femmes et enfants qui accompagnent la garnison de campement en campement. Chaque figure, étudiée séparément, a fait l’objet de dessins préparatoires dont certains sont identifiés dans les collections du musée J. Paul Getty ou de la Fondation Custodia.

Jean Restout II, Portrait de Pierre Vigné de Vigny, vers 1720, huile sur toile, 81,6 x 65 cm.

Jean Restout II, Portrait de Pierre Vigné de Vigny, vers 1720, huile sur toile, 81,6 x 65 cm.

Le Portrait de Pierre Vigné de Vigny (1690 – 1772) proposé au Lot n° 96 (estimé entre 100 000 et 150 000 $) dépeint un ami de Jean Restout. L’architecte et le peintre semblent avoir été proches : tous les deux membres de l’Académie royale, ils bénéficient régulièrement des commandes de l’église, du Régent et du Duc de Luynes. De plus, de nombreuses peintures de Restout apparaissent sur l’inventaire après décès établi à la mort de Vigné de Vigny. Ce dernier, élève de Robert de Cotte, admirateur de Borromini et d’Oppenordt, réalise au début de sa carrière parisienne un ensemble de logements pour le banquier Antoine Crozat (la Cour du Dragon) ainsi que l’hôtel Chenizot, avant de travailler pour le clergé et la noblesse. Pour son élection à la Royal Society de Londres, il écrit, en 1740, une Dissertation sur l’architecture, publiée en 1752.

Florence Fesneau

Colloque : « Dream and Inspiration. Recent Approaches to a Topos in Art and Literature. (Traum und Inspiration. Aktuelle Ansätze zu einem Topos in Kunst und Literatur) ».

Antonio Palomino, El sueño de San José, ca. 1697, huile sur toile, 159 x 103 cm, Madrid, musée du Prado.

Antonio Palomino, El sueño de San José, ca. 1697, huile sur toile, 159 x 103 cm, Madrid, musée du Prado.

Type : colloque.
Date de la manifestation : du 05 au 07 octobre 2016.
Lieu : Universität des Saarlandes, Saarbrücken.

Träume gelten schon seit der Antike, vor allem aber ab dem 18. Jahrhundert als Erfahrungsräume, die insbesondere dem künstlerischen Subjekt als Quelle von Inspiration und Kreativität dienen können. Der Topos vom Träumer als Künstler beziehungsweise vom Künstler als Träumer schlug sich nicht nur im philosophischen und kunsttheoretischen Diskurs der Romantik und daran anknüpfender Künstler- und Schriftstellergenerationen nieder, sondern findet sich auch in zahlreichen Werken der Literatur, Malerei und Grafik wieder. « Der Traum ist unwillkürliche Dichtkunst » heißt es so zugespitzt bei Jean-Paul, und Künstler wie Füssli, Ingres oder die Nazarener verliehen ihrer Faszination für den künstlerischen Schaffensprozess mit Hilfe der Traummetapher in Bildwerken Ausdruck. Dabei erscheint der Traum als produktiver Bewusstseinszustand, in dem der Kunstschaffende besonders empfänglich ist für die Regungen der eigenen Imaginationskraft oder auch für von außen herangetragene Eingebungen transzendenten Ursprungs.

Mithilfe kontextualisierender Fallstudien aus der Kunst-, Literatur-, Musik- und Filmgeschichte will die Tagung ein differenzierteres Bild der Funktionen und Deutungen dieses Topos entwerfen. Neben Phänomenen des 18. und 19. Jahrhunderts werden auch frühere Positionen als Wegbereiter der späteren Diskurse vorgestellt. Beispiele des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart ermöglichen es weiterhin, Rezeptionslinien und Brüche mit traditionellen Konzepten – insbesondere auch in den neueren Medien – aufzuzeigen. Continuer la lecture

Publication : « Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper ».

GERARD POWELL Véronique (dir.), Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper, Paris, Presses de l'université Paris-Sorbonne, collection « Art'hist », 2016, 486 p.

GERARD POWELL Véronique (dir.), Artistes, musées et collections. Un hommage à Antoine Schnapper, Paris, Presses de l’université Paris-Sorbonne, collection « Art’hist », 2016, 486 p.

Présentation de l’éditeur :

Professeur d’histoire de l’art moderne à Paris-Sorbonne de 1978 à 1998, Antoine Schnapper (1933-2004) eut une influence déterminante sur l’évolution de l’histoire de l’art en France. Attaché aux principes d’une recherche rigoureuse, riche d’une superbe culture visuelle et d’une sensibilité poétique envers l’œuvre d’art, il a contribué à ouvrir la discipline vers de nouveaux champs, comme le collectionisme, l’étude des conditions de vie de l’artiste tout en publiant quelques grandes monographies.

Les articles de ses collègues et disciples, universitaires, chercheurs ou conservateurs de musée, rassemblés dans cet ouvrage analysent et prolongent son œuvre scientifique en en exploitant toute la diversité. Faisant passer le lecteur du XVIe au XIXe siècle, de la collection princière à l’image accrochée dans un modeste logement parisien, des cardinaux Mazarin et Bichi à Vivant Denon et Jean-Baptiste Lebrun, de Jean Jouvenet et Antoine Coypel à Fragonard et David, ce livre rend hommage à l’extraordinaire curiosité d’esprit du grand savant trop tôt disparu.

Table des matières : 

  • L’histoire de l’art selon Antoine Schnapper.

Pierre-Michel Menger, Le métier de peintre au XVIIe siècle selon Antoine Schnapper.

Christine Gouzi, L’histoire dans les règles de l’art : la monographie.
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Cycle de conférences autour de l’exposition « Fragonard amoureux. Galant et libertin » (16 septembre 2015 – 24 janvier 2016).

Présentation de l’exposition Fragonard amoureux (Guillaume Faroult, commissaire de l’exposition et Jean-Julien Simonot, scénographe) :

Découvrez les coulisses de l’exposition en compagnie du commissaire et du scénographe qui reviendront sur la genèse du projet, son contenu scientifique et son expression architecturale.
Mardi 29 septembre à 18h30. Durée : 1h30.

 

Fragonard dans la vie de son temps (Michel Delon, professeur de littérature française du XVIIIe siècle) :

Une présentation historique et littéraire de la société du XVIIIe siècle, de l’évolution des moeurs et du libertinage, permettra de mieux appréhender l’œuvre de Fragonard.
Mardi 6 octobre à 18h30. Durée : 1h30.

 

Le Libertinage aujourd’hui  (Aurélie Charon, productrice à France Culture, Philippe Combessie, sociologue, Gaëlle Bourges, danseuse et chorégraphe, Esther Loubradou, Docteur en Sciences de l’Information et de la Communication) :

Le terme de libertinage est encore employé de nos jours, mais dans quel sens exactement ? Peut-on réduire ce terme à la liberté des pratiques sexuelles, encouragées par le développement d’Internet et des réseaux sociaux ? N’exprime-t-il pas aussi une certaine posture de libre penseur face à un modèle de société qui nous est imposé ?

Mercredi 25 novembre, à 18h30. Durée : 1h30.

 

Journée d’étude : Libertés du corps et du geste : la place de la spontanéité en France au XVIIIe siècle.

Jean-Honoré Fragonard, Céphale et Procris, 1755, huile sur toile, 79 x 173 cm, Angers, musée des Beaux-Arts.

Jean-Honoré Fragonard, Céphale et Procris, 1755, huile sur toile, 79 x 173 cm, Angers, musée des Beaux-Arts.

Type : journée d’étude.
Date : 08 décembre 2015.
Lieu : Palais du Luxembourg, 26 rue de Vaugirard, 75006 Paris.
Sous la direction du :
laboratoire IRHiS (Université Lille 3) et du musée du Luxembourg.
Sur inscription, par mail : joanne.snrech@museeduluxembourg.fr, avant le 10 novembre.

Programme :

9h00 : Accueil.
9h30 : Fragonard, le « peintre dynamique » ?. Entretien avec Pierre Rosenberg de l’Académie Française.
10h10 : « Je peindrais avec mon cul ». Peindre sur nature chez Fragonard. Guillaume Faroult, Conservateur en chef, en charge des peintures françaises du XVIIIe siècle et des peintures britanniques et américaines, Musée du Louvre ; Commissaire de l’exposition Fragonard amoureux.
11h00 : Pause.
11h20 : « Il y en a bien peu qui connoissent le fin ». Connoisseurs, demi-connoisseurs et goût pour le dessin en France au XVIIIe siècle. Delphine Chambon, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
11h40 : « Finissez monsieur Robert ! » : la rapidité du geste d’Hubert Robert. Sarah Catala, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS.
12h00 : discussion.
12h20-13h50 : Pause déjeuner.
14h00 : Brouillon, prélude, esquisse. Michel Delon, Professeur de Littérature française, Université Paris-Sorbonne.
14h40 : Les étapes d’une réflexion : étude de quelques séries d’esquisses de Gabriel-François Doyen (1726-1806). Benjamin Salama, doctorant en histoire de l’art, Université Paris-Sorbonne.
15h00 : Nocturnes libertins, ou la mise en scène de la spontanéité dans l’art d’aimer du siècle des Lumières. Marine Ganofsky, maître de conférences, Université de Saint-Andrews.
15h20 : Discussion.
15h40 : Pause.
16h00 : « Plus de grâce que les plus beaux ornements » : la quête de la spontanéité dans le portrait féminin du XVIIIe siècle. Elise Urbain, doctorante en histoire de l’art, Université Lille 3 – IRHiS, École du Louvre.
16h20 : Pétiller d’esprit : les sociabilités du bon mot au XVIIIe siècle. Jean-Alexandre Perras, assistant de recherche, Jesus College, Université d’Oxford.
16h40 : Discussion.
17h00 : Conclusion générale.
17h20 : Fin de la journée.

Vente Grandchamp des Raux : records battus par les académiciennes !

Le jeudi 26 mars 2015, les quarante-neuf coups du marteau de Matthieu Fournier ont dispersé la collection de peintures de Louis Grandchamp des Raux au cours d’une vente organisée par Sotheby’s et Artcurial à Paris.

Tous les lots ont été vendus, sans que les musées français n’aient fait valoir leur droit de préemption. Ce retrait s’explique probablement par le montant élevé des estimations, qui n’a cependant pas découragé les autres acheteurs. Ainsi, la majorité des lots a été adjugée dans la tranche prévue par les estimations, et près de 40% des lots ont même dépassé ces prévisions, portant le résultat global de la vente à plus de 7 630 000 € (8,7 millions avec les frais).

Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

1. Louise Moillon (1610-1696), Nature morte de pêches sur un plat d’étain, boîte de copeau, 1634, peinture à l’huile sur panneau, 49 x 65 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

À l’exemple de Louise Moillon, dont l’une des deux natures mortes (ill. 1) a trouvé acquéreur pour 900 000 € (hors frais), d’autres artistes ont visiblement battu leur record sur le marché de l’art[1].

Tout comme les œuvres de Louise Moillon, celles d’Anne Vallayer-Coster ont remporté un franc succès commercial. Compte tenu du faible nombre de femmes reçues à l’Académie royale de peinture et de sculpture[2], la qualité esthétique de leurs tableaux se double d’une valeur sociale indéniable. Le développement des gender studies a sans doute aiguisé l’intérêt du public pour ce type de productions, a fortiori quand le modèle est également une artiste (ill. 2).

Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

2. Anne Vallayer-Coster (1744-1818), Portrait d’une violoniste, 1773, peinture à l’huile sur toile, 116 x 96 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Pourtant, c’est moins la musicienne -dont le violon est proprement désaccordé- que la psychologie de la demoiselle qui est mise en avant dans cette composition poétique mêlant les genres du portrait et de la nature morte. À l’écart des scènes moralisantes de son contemporain Greuze[3], Anne Vallayer-Coster semble ici renouer avec l’ancienne tradition du memento mori. Tenant un violon dont la première corde a déjà lâché, le jeune modèle apparaît dans la posture humble d’une Madeleine pénitente dont le regard semble s’évanouir au travers des  portées musicales. Le public pourra bientôt l’admirer dans un musée européen, qui l’a acquis pour la somme de 750 000 € (hors frais).

Le goût de Louis Grandchamp des Raux pour les assemblages harmonieux transparaît également dans la nature morte, qui est le genre pictural le plus représenté dans sa collection. Parmi les plus remarquées, la fascinante composition de Pierre-Antoine Lemoine est une des quatre œuvres actuellement référencée de l’artiste (ill. 3): elle a trouvé acquéreur pour 350 000 € (hors frais).

Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

3. Pierre-Antoine Lemoine (1605-1665), Nature morte aux raisins, plat de pêches et potiche chinoise sur un entablement de pierre, peinture à l’huile sur toile, 50 x 61 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

En lien avec ce genre, il convient aussi de signaler cinq œuvres de François Desportes (1661-1743), dont l’esquisse d’un tableau représentant les chiennes de Louis XV Bonne, Nonne et Ponne (Paris, Musée de la chasse et de la nature).

À signaler enfin, parmi des paysages de Boucher, Fragonard et Hubert Robert, Le lever du jour, départ des pêcheurs (ill. 4) de Joseph Vernet, qui s’est envolé (en France : le tableau, issu de l’ancienne collection du château de Ferney-Voltaire, est classé monument historique) pour 700 000 € (hors frais).

Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Joseph Vernet (1714-1789), Le lever du jour, départ des pêcheurs, 1747, peinture à l’huile sur toile, 98 x 134 cm, © D. Perronnet/Art digital studio & P. de Gobert

Dans un communiqué de presse commun, Sotheby’s et Artcurial se sont félicités d’avoir battu un record remontant à plus de vingt ans. En conséquence, la vente Grandchamp des Raux est révélatrice d’un regain d’intérêt pour la peinture française des XVIIe et XVIIIe siècles, dont la recherche en Histoire de l’art moderne ne peut que se flatter.

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 [1] À en juger par les résultats de la base Artprice, c’est le cas du peintre de Pierre-Antoine Lemoine (Paris 1605-1665) et d’Anne Vallayer-Coster (Paris 1744-1818).
[2] Octave Fidiere, Les femmes artistes à l’Académie royale de peinture et de sculpture, Paris: Charavay frères, 1885.
[3] Justement, le Portrait de jeune femme au fichu blanc (lot 27) peint par Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) a été vendu en deçà de son estimation (75 000 € hors frais).

Redécouvrir le musée Cognacq-Jay

La récente réouverture du musée Cognacq-Jay – qui célèbre la fin de ses travaux de rénovation en donnant carte blanche à Christian Lacroix[1] – est aussi l’occasion de découvrir, ou de redécouvrir, les collections XVIIIe qu’accueille le petit hôtel de Donon. Constituées par le fondateur de la Samaritaine, Ernest Cognacq, et son épouse, Marie-Louise Jay, ces collections offrent un ensemble cohérent de tableaux, de sculptures mais aussi d’objets d’art ; petits meubles, bel ensemble de porcelaines de Meissen, importante collection de boîtes en or et objets de vertu. Elles ont, de plus, suscité nombre d’études, dont certaines sont évoquées ici et qu’un regard nouveau pourrait poursuivre.

Hubert Robert, L’Accident, 1793, huile sur toile, 60 x 74 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Hubert Robert, L’Accident, 1793, huile sur toile, 60 x 74 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Les trois grandes figures de la peinture du XVIIIe siècle sont, bien entendu, représentées au musée Cognacq-Jay : Boucher avec Le Repos des nymphes au retour de la chasse (1745), Chardin avec une Nature morte au chaudron de cuivre (1734 – 1735) et Fragonard, « le conteur libre, l’amoroso galant, païen, badin, de malice gauloise, de génie presque italien, d’esprit français[2] », avec Perrette et le pot au lait (1770). C’est la double chute morale et physique de cette laitière qu’analyse Etienne Jollet dans son article de 1993[3] en ouvrant sa réflexion sur le caractère énigmatique de l’œuvre telle que la perçoit Adorno. Un pas de plus, et les conséquences de la loi de la gravité deviennent dramatiques ; c’est ce qu’illustre L’Accident (1793) d’Hubert Robert dans lequel « Un jeune Homme ayant grimpé au haut d’un Monument antique, pour cueillir des fleurs & les jetter à des jeunes Femmes, tombe dans un tombeau, qui, parmi d’autres débris d’antiquité, se trouve au pied du Monument[4] ».

 

Nicolas Lavreince, Le repentir tardif, dessin, 26 x 21 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © RMN-Grand Palais/Agence Bulloz

Nicolas Lavreince, Le repentir tardif, dessin, 26 x 21 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © RMN-Grand Palais/Agence Bulloz.

Sur un registre plus léger, Philip Stewart[5] utilise les œuvres du musée Cognacq-Jay pour alimenter sa réflexion sur le paradigme intervisuel qui se constitue au XVIIIe siècle entre le livre – qui ressort de plus en plus de l’intime – et son lecteur : ainsi cette petite statue d’une Femme lisant[6] tout en ayant la poitrine à moitié découverte, ou encore ces deux versions du Repentir tardif (1790) de Lavreince. Dans l’une de ces gouaches, le guéridon renversé, accompagné d’un vase brisé et d’une bougie en morceaux, rappelle l’excitation qui a précédé ce qui a donné le titre de l’œuvre, tandis que dans l’autre, le livre ouvert qui git au pied du lit semble indiquer la cause – bien plus que le résultat – de l’activité passée de la femme repentante.

 

 

Jean-Baptiste Le Prince, Le Joueur de balalaïka, 1764, huile sur toile, 72,5 x 60 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet

Jean-Baptiste Le Prince, Le Joueur de balalaïka, 1764, huile sur toile, 72,5 x 60 cm, Paris, musée Cognacq-Jay. © Musée Cognacq-Jay / Roger-Viollet.

Enfin, Le Joueur de balalaïka (1764) permet d’interroger ce qu’il est convenu d’appeler les « russeries[7] » de Le Prince. Celui-ci s’en serait servi pour illustrer ses réflexions sur la société française, tandis que Diderot, au travers des critiques qu’il formule à leur encontre, aurait ainsi exposé ses opinions sur les réformes russes[8].

 

Mais, à la fin de cette rapide – et trop sélective – visite du musée Cognacq-Jay, c’est, sans doute, sur la place du spectateur qu’il convient de conclure en rappelant que Michael Fried[9] évoque, entre autres, une Pastorale russe[10] de Le Prince – proche, dans sa conception, du Joueur de balalaïka – pour développer son thème de l’absorbement, qui ne manquera pas de saisir le visiteur du musée Cognacq-Jay, à l’instar de Diderot qui, une fois « entré dans le tableau[11] », écrit : « Je me trouve bien là…Un tableau avec lequel on raisonne ainsi, qui vous met en scène, et dont l’âme reçoit une sensation délicieuse, n’est jamais un mauvais tableau[12] ».

Florence Fesneau

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[1] Exposition « Lumières – cartes blanche à Christian Lacroix » du 19 novembre 2014 au 19 avril 2015, sous le commissariat de Christian LACROIX et Rose-Marie MOUSSEAUX, conservateur du patrimoine, directrice du Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, 75003 Paris.
[2] Edmond et Jules GONCOURT, L’art du XVIIIe siècle, Série 3, Paris, Charpentier, 1881 – 1882, p. 242.

[3] Etienne JOLLET, “Gravity in painting: Fragonard’s Perrette and the depiction of innocence”, dans Art history, Vol. 16, Issue 2, June 1993, p. 266 – 285. Voir aussi du même auteur : Figures de la pesanteur. Fragonard, Newton et les plaisirs de l’escarpolette, Paris, Chambon, 1998.
[4] Jules GUIFFREY, Collection des livrets des anciennes expositions depuis 1673 jusqu’en 1800, Paris, Liepmann Sohn et Dufour, 1869 – 1872, « Exposition de 1793 », p. 20 – 21, n° 158.
[5] Philip STEWART, Engraven Desire. Eros, Image, and Text in the French Eighteenth Century, Durham and London, Duke University Press, 1992. Voir en particulier le chapitre 3 : “The Intervisual paradigm”, p. 73 – 102.
[6] Auteur anonyme.
[7] Louis REAU, L’Europe française au siècle des Lumières, Paris, Albin Michel, 1971, p. 179.
[8] Perrin STEIN, Jeanne BOUNIORT, « Le Prince, Diderot et le débat sur la Russie au temps des Lumières », dans Revue de l’Art, n° 112, 1996, p. 16 – 27 ; Marie-Liesse PIERRE-DULAU, « Trois artistes lorrains à Saint-Pétersbourg au XVIIIe siècle », dans POUSSOU, Jean-Pierre, MEZIN, Anne, PERRET-GENTIL, Yves, L’influence française en Russie au XVIIIe siècle, Paris, Presses Université Paris-Sorbonne, 2004, p. 131 – 157.
[9] Michael FRIED, La place du spectateur. Esthétique et origines de la peinture moderne, trad. fr., Paris, Gallimard, 1990, (éd. originale, Absorption and Theatricality. Painting and Beholder in the Age of Diderot, University of California Press, 1980), p. 121 – 122.
[10] Jean-Baptiste Le Prince, Pastorale russe, 1765, collection particulière.
[11] Michael FRIED, Ibid., p. 121.
[12] Denis Diderot, « Salon de 1765 », dans Œuvres complètes, par J. Assézat, Paris, Garnier, 1875 – 1877, t. X, p. 375.