Archives de l’auteur : Maxime Georges Métraux

À propos Maxime Georges Métraux

Doctorant en Histoire de l'art moderne (Université Paris IV –Sorbonne, Centre André Chastel – UMR 8150).

Journée d’études : « Architecture et arts décoratifs au temps de Percier et Fontaine ».

Type : Journée d’études.
Date et horaire :
mercredi 31 mai 2017 à partir de 9h15.
Lieu :
Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, Auditorium de la Galerie Colbert.

Programme :

9h15

Accueil des participants

9h30

Introduction

Charlotte Duvette (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA), Maxime Georges Métraux (Université Paris-Sorbonne, centre André Chastel) et Saskia Wallig (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, HiCSA)

Session 1/ Du Directoire à l’Empire : collaborations et interprétations dans la production des arts décoratifs

Présidente de séance : Nina Stritzler-Levine (Bard Graduate Center, New-York)

9h45

Jean-François Belhoste (École Pratique des Hautes Etudes)

La participation des Jacob aux premiers chantiers de décoration de Charles Percier : de la salle de la Convention aux hôtels particuliers du Directoire (1793-1799).

10h15

Anne Dion-Tenenbaum (Musée du Louvre, département des objets d’art)

Biennais, parfait interprète du style Percier ?

10h45

Vincent Cochet (Château de Fontainebleau)

Siéger en majesté : Percier et Fontaine et la conception des trônes impériaux. Continuer la lecture

Conférence du GRHAM : « Questions d’attribution » par Ambroise et Hubert Duchemin (Paris, 18 mai 2017).

Type : Conférence (entrée libre).
Date et horaire : jeudi 18 mai 2017 à 19h.
Lieu : Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Demargne (rez-de-chaussée).
Pour tout renseignement : asso.grham@gmail.com

A l’occasion de la dernière conférence de son cycle 2016-2017, le GRHAM invite la Galerie Hubert Duchemin pour une séance dédiée à un vaste débat sur l’attribution.

Ambroise Duchemin présentera une communication axée autour de la découverte d’un portrait de Fortuné Dufau (1770-1821). L’attribution à cet élève de Girodet d’un petit tableau longtemps resté anonyme a permis de redécouvrir un artiste oublié et de mettre un nom sur un des portraits les plus mystérieux du néo-classicisme français : La jeune fille au collier de jais du musée Magnin à Dijon.

Hubert Duchemin s’interrogera sur l’attribution de certaines œuvres célèbres présentées dans les musées. Il partagera avec le public son analyse sur des toiles de Caravage et Poussin mais aussi, plus brièvement, de Watteau et Chardin. Cette présentation sera l’occasion de mettre à l’épreuve de la discussion quelques-unes de ses interrogations. Partisan d’une approche singulière et transversale, Hubert Duchemin reviendra également sur sa méthode basée sur « la connaissance du langage des peintres » et la comparaison, le « paragone ».

Expert indépendant en tableaux et dessins, Hubert Duchemin exerce son regard depuis plus de trente ans au sein des collections privées, du marché de l’art mais également des musées. Il est notamment à l’origine de la redécouverte du Chat Mort de Géricault ainsi que des Esquisses de portraits de Fragonard (avec Lilas Sharifzadeh). Actuellement installé au 8 rue de Louvois à Paris, la Galerie Hubert Duchemin présente plusieurs expositions chaque année, basées sur ses récentes découvertes.

Diplômé de Sciences-Po Toulouse en 2013 (Master Culture et Production des savoirs), Ambroise Duchemin rejoint dans la foulée la galerie familiale puis créé en 2015 sa propre structure accompagnée d’un site internet. Passionné par l’art ancien et moderne, il a publié en mars 2017 son premier catalogue « Œuvres sur papier » qui couvre une période allant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle.

Publication : « Oxford Botanic Garden and Arboretum : A Brief History ».

HARRIS Stephen, Oxford Botanic Garden and Arboretum : A Brief History, Oxford: Bodleian Library, 2017, 144 p.

Oxford Botanic Garden is the oldest surviving botanic garden in Britain and has occupied its site in central Oxford since 1621. Conceived as a place to grow medicinal plants, born in the turmoil of civil war and nurtured during the restoration of the monarchy, the garden has, unsurprisingly, a curious past.

By tracing the work and priorities of each of the garden’s keepers, this book explores its importance as one of the world’s oldest scientific plant collections. It tells the story of the planting of the garden by its first keeper, Jacob Bobart, and his son, together with how they changed the garden to suit their own needs. The story develops during the eighteenth century as the garden grew exotic plants under glass and acquired a fine succulent collection but then experienced a downturn under the stewardship of the eccentric Professor Humphrey Sibthorp (famous for giving just one lecture in thirty-seven years). Finally, the narrative throws light on the partnership of gardener William Baxter and academic Charles Daubeny in the early nineteenth century, which gave the garden its glasshouses and ponds and contributed to its survival to the present day. Continuer la lecture

Colloque : « Under the Greek Sky : Imitation and Geographies of Art after Winckelmann ».

Anton von Maron, Portrait de Johann Joachim Winckelmann, 1768, toile, 138 x 99 cm, Weimar, Stiftung Weimarer Klassik und Kunstsammlungen.

Type : colloque.
Date : 15 et 16 juin 2017.
Lieu : King’s College London, The Warburg Institute, The British Museum, Londres.

2017 marks the 300th anniversary of the birth of the German classicist and art historian Johann Joachim Winckelmann, commonly regarded as the founding father of both archaeology and art history. Winckelmann’s writings heralded a revolution in approaches to the history of ancient art and culture, as well as contributing to the spread of neoclassical taste throughout Enlightenment Europe. This conference will re-evaluate Winckelmann’s legacy and his influence on art theory since the eighteenth century. The concept of imitation, central to Winckelmann’s theories and writings, proves to be a linchpin for modern ideas about the diffusion, appropriation, and musealization of art.

The first day of the conference will focus on the ‘culture’ of imitation. Winckelmann famously claimed, paradoxically, that one has to imitate Greece in order to become inimitable. From a range of historical and artistic perspectives, papers map the consequences this claim had for art’s theory, practice, and body politics since the eighteenth century.

The second day will discuss the ‘nature’ of imitation, and the consequences of the ecological boundaries set for it by Winckelmann. It will explore the implications of Winckelmann’s climate theory for neoclassical geographies of art and contemporary debates on aesthetic relativism in the age of nationalism. Continuer la lecture

Journée d’études : « Allegorie nach 1789 : Kritik und Transformation ».

Antoine-François Callet, Tableau allégorique du 18 brumaire an VIII ou la France sauvée, 1800, huile sur toile, 101 x 125 cm, Vizille, musée de la Révolution française.

Type : Journées d’étude.
Date : 19 mai 2017.
Lieu : Museum Giersch der Goethe-Universität, Frankfurt am Main.

Die Allegorie als künstlerische und literarische Form sah sich im Laufe des 18. Jahrhunderts vielfacher Kritik ausgesetzt, wobei die Vorwürfe von ihrer Abwertung als dunkel und unverständlich bis zur Diskreditierung als rein willkürlicher Modus der Bedeutungsproduktion reichen. Mit dem folgenreichsten Ereignis des 18. Jahrhunderts, der Französischen Revolution, gewannen diese kritischen Spannungen an verschärfter Aktualität. Angesichts der umwälzenden Ereignisse und der zunehmenden Schwierigkeit, diese historisch sinnfällig zu deuten, erlebte die Allegorie als Mittel der semantischen Stabilisierung jedoch auch eine Wiederbelebung sowohl in der Malerei wie insbesondere in der Druckgraphik.

Der Workshop beschäftigt sich mit der Wiederaufnahme der Allegorie, ihrer kritischen Debatte während und nach der Revolution und der transformierenden Kraft, die diese Kritik entfaltete. Dabei steht nicht nur die Frage nach der kunsthistorischen Bedeutung der ›Sattelzeit‹ um 1800 zur Diskussion, sondern mehr noch die Relevanz vormoderner Formen der malerischen und literarischen Sinnstiftung unter den Bedingungen moderner Autonomieästhetik. Nicht zuletzt entstehen mit der Transformation der Allegorie im 18. und 19. Jahrhundert auch neue Lektüretechniken der Kunstkritik und schließlich der Kunstgeschichte, die an die Technik der Allegorese anknüpfen. Kontakt: Gabriel Hubmann, hubmann@kunst.uni-frankfurt.de. Continuer la lecture

Journées doctorales du séminaire du professeur Etienne Jollet.

Nicolas Bertin, Apollon et Phaéton : Phaéton conduisant le char du soleil, XVIIIe siècle, huile sur toile, 89 x 125 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : journées doctorales.
Date :
jeudi 27 et vendredi 28 avril 2017.
Lieu :
Paris, Institut National d’Histoire de l’Art, salle Perrot et Jullian.

Programme :

Jeudi 27 avril
14h – Salle Perrot

– Émilie Chedeville : « De l’image vive à la conformation du spectateur : le sublime du calvaire de Saint-Roch ».
Répondante : Zijing Wang

– Lucille Calderini : « La gravure d’ornementation en France au XVIIe siècle ».
Répondante : Lucie Desramaut

– Alexia Vahlas : « Le paradoxe de la matérialité ; les relations entre architecture et sculpture à Rome sous le pontificat de Clément XII Corsini (1730-1740) ».
Répondante : Sabine Jardon

– Hadrien Volle : « Si M. l’Intendant vient faire un tour à Lyon… : du théâtre à l’Italienne vers un modèle à la française ».
Répondante : Marianne Guernet-Mouton

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Publication : « Eighteenth-Century Women Artists : Their Trials, Tribulations, and Triumphs ».

CHAPMAN Caroline, Eighteenth-Century Women Artists : Their Trials, Tribulations, and Triumphs, Londres, Unicorn Press, 2017, 176 p.

Présentation de l’éditeur :

The eighteenth century was an age when not only the aristocracy, but a burgeoning middle class, had the opportunity to pursue their interest in the arts. But these opportunities were generally open only to men; any woman who wished to succeed as an artist still had to overcome numerous obstacles. In a society in which women were expected to marry, become mothers, and conform to rigid social conventions, becoming a professional artist was a controversial choice. Nevertheless, if a woman possessed charm and ambition, and united her talent with hard work, success was possible.

Eighteenth-Century Women Artists celebrates the work of women who had the tenacity and skill (and sometimes the necessary dash of luck) to succeed against the odds. Caroline Chapman examines the careers and working lives of celebrated artists like Angelica Kauffman and Elisabeth Vigée Le Brun as well as the equally interesting work of artists who have now mostly been forgotten. In addition to discussing their varied artworks, Chapman considers artists’ studios, the functioning of the print market, how art was sold, the role of patrons, and the rise of the lady amateur. It is enriched by over fifty color images, which offer a rich selection of art from the time.

Plus d’informations sur le site de l’éditeur.

 

Publication : « Blake, Myth, and Enlightenment : The Politics of Apotheosis ».

FALLON David, Blake, Myth, and Enlightenment : The Politics of Apotheosis, Londres, Palgrave Macmillan, 2017, 343 p.

Présentation de l’éditeur :

This book provides compelling new readings of William Blake’s poetry and art, including the first sustained account of his visionary paintings of Pitt and Nelson. It focuses on the recurrent motif of apotheosis, both as a figure of political authority to be demystified but also as an image of utopian possibility. It reevaluates Blake’s relationship to Enlightenment thought, myth, religion, and politics, from The French Revolution to Jerusalem and The Laocoön. The book combines careful attention to cultural and historical contexts with close readings of the texts and designs, providing an innovative account of Blake’s creative transformations of Enlightenment, classical, and Christian thought.

David Fallon is Senior Lecturer in English at the University of Sunderland, UK. From 2009 to 2012 he was a British Academy Postdoctoral Fellow at the University of Oxford. He has published on Blake and on eighteenth-century and Romantic-period booksellers and co-edited Romanticism and Revolution: A Reader (2011) with Jon Mee. Continuer la lecture

Appel à communication : « Faire carrière en Italie : les artistes étrangers à Rome et à Venise au temps de Nicolas Régnier (ca. 1610-1667) ».

Nicolas Régnier, La Farce, 1623 – 1625, toile, 97 x 131 cm, Stockholm, Nationalmuseum.

Type : Appel à communication.
Date limite appel à candidature : 23 juin 2017.
Date de la manifestation : 22-23 février 2018.
Lieu : Nantes, université de Nantes et musée d’arts de la ville de Nantes.

À l’occasion de la première exposition monographique consacrée au peintre franco-flamand Nicolas Régnier au Musée d’arts de Nantes du 30 novembre 2017 au 11 mars 2018 (commissariat : Adeline Collange-Perugi, Annick Lemoine, Sophie Lévy), l’Université de Nantes et le Musée d’arts s’associent pour organiser un colloque autour des artistes étrangers actifs à Rome et à Venise au XVIIe siècle.

Comme l’ont démontré les travaux d’Annick Lemoine, Nicolas Régnier représente un cas particulièrement intéressant d’insertion et de progression sociale d’un artiste étranger dans la péninsule italienne. Après des débuts dans l’atelier d’Abraham Janssens à Anvers, Régnier fit le voyage d’Italie, et n’en revint jamais. À Rome dès 1620, il y demeurera jusqu’en 1625, avant son départ pour Venise, où il mourra plus de quarante ans plus tard, en 1667. À Rome comme à Venise, Régnier fréquenta les communautés d’artistes, trouva protecteurs et clientèle de premier ordre, s’intégra pleinement à la vie sociale de son temps, et à un marché de l’art particulièrement dynamique, en tant que peintre, expert et marchand d’art. Continuer la lecture

Conférence : « Charles Percier (1764-1833) : architecture et design ».

Type : conférence.
Date : mercredi 19 2017 à partir de 18h.
Lieu : Paris, INHA, salle Benjamin.

Cette séance de séminaire, organisée et animée par les membres de Studio XIX, est orientée autour de la thématique du dessin, de l’ornement et de l’architecture de la veille de la Révolution à la fin de l’Empire. 

Philippe Bordes, professeur émérite d’histoire de l’art moderne à l’Université Lyon 2, et Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture à l’Université Paris 1, tous deux spécialistes de ces périodes, interviendront en reprenant un dialogue amorcé il y a plusieurs années autour de la production et des activités de Charles Percier.

Ils échangeront à travers les différentes problématiques abordées au sein du catalogue de l’exposition « Charles Percier (1764-1833), architecture et Design » récemment inaugurée au musée du château de Fontainebleau (et qui s’est tenue au Bard Center de New-York fin 2016), orchestrée par J-Ph. Garric. Continuer la lecture

Colloque : « D’autres regards sur les frères Le Nain ».

Louis ou Antoine Le Nain, Famille de paysans dans un intérieur, vers 1642, huile sur toile, 113 x 159 cm, Paris, musée du Louvre.

Type : colloque.
Date : 5 et 6 mai  2017.
Lieu : Lens, musée du Louvre-Lens.

Depuis leur redécouverte il y a plus d’un siècle, l’oeuvre des frères Le Nain a fasciné l’histoire de l’art française, de Champfleury à Jacques Thuillier en passant par Paul Jamot. Cette fascination a permis de ne pas limiter leur création à la peinture de genre, comme à l’élaboration de catalogues raisonnés avec distinction des trois frères, mais elle laisse de côté certains domaines : les liens avec le nord ont été rapidement négligés. Le dialogue avec les historiens, en vue d’une meilleure compréhension culturelle de leurs oeuvres, ne s’est pas vraiment établi. Profi tant que l’exposition sur les frères Le Nain soit présentée dans la région des Hauts-de-France au Louvre-Lens du 22 mars au 26 juin (après une première rétrospective aux États-Unis), et que ses deux commissaires proposent d’attribuer la célèbre Académie à un peintre nordique, ce colloque voudrait susciter d’autres regards sur les frères Le Nain, faire naître de nouveaux questionnements sur leurs oeuvres. Continuer la lecture

Colloque : « Les présents diplomatiques entre la Chine et l’Europe aux XVIIe–XVIIIe siècles ».

Manufacture royale de Sèvres, L’empereur de Chine, ca. 1776 et 1785, porcelaine dure, 40 x 14 x 14 cm, Paris, musée des Arts décoratifs.

Type : colloque.
Date et horaire : 4 et 5 mai 2017.
Lieu : Salon de la Maison de l’Asie, 22, avenue du Président Wilson, 75016, Paris et 
Salle M019, Bâtiment Olympe de Gouge, université Paris Diderot, Place Paul Ricoeur, 75013 Paris.

Peut-on employer le terme « cadeaux diplomatiques » pour ce qui concerne les XVIIe- XVIIIe siècles entre la Chine et les pays européens, alors que dans la tradition chinoise, tout pays étranger n’était qu’un vassal devant l’empereur de Chine ? Nous regroupons en fait sous ce terme tous les objets destinés à être offerts par une cour européenne ou un membre de la famille royale ou aristocratique à l’empereur de Chine, aux princes, et aux mandarins, et réciproquement. Dans ce contexte des échanges officiels, les présents soigneusement choisis sont porteurs d’une fonction politique de faire-valoir, en plus des caractéristiques formelles propres aux objets dotés de pouvoirs de séduction. Agissant ainsi comme objets de pouvoir et de courtoisie, leur nature est ambivalente : les caractéristiques intrinsèques (esthétique, économique et technique) doivent refléter aussi bien l’identité de celui qui offre que celle de celui qui reçoit. En plus de la matérialisation du pouvoir suprême, les objets « exotiques » de prestige par excellence, assument également de multiples autres fonctions sociales entre autres, le témoignage de respect et de confiance, le moyen d’introduction et d’obtention de faveurs.

Le colloque sera l’occasion de faire dialoguer entre elles les sources primaires, en particulier les archives (imprimées et surtout manuscrites) issues de traditions textuelles différentes et de contextes sociaux qui s’ignoraient. L’objectif est de construire une histoire des échanges à « plusieurs voix » et à une réalité sociale multiple. Continuer la lecture

Publication : « Velázquez Re-Examined : Theory, History, Poetry, and Theatre ».

TIFFANY Tanya (dirs.) et KNOX Giles (dirs.), Velázquez Re-Examined : Theory, History, Poetry, and Theatre, Turnhout, Brepols, 2017, 126 p.

Présentation de l’éditeur :

Featuring the work of five prominent scholars, this collection analyzes the paintings of Diego Velázquez within the cultural, intellectual, and political frameworks of seventeenth-century Spain. Each essay offers novel insight into the greatest artist of the Spanish Golden Age by bringing a remarkable range of material to bear upon the interpretation of his works. Laura Bass considers painting, poetics, and the Spanish canon of arts and letters in an examination of Velázquez’s trenchant portrayal of the writer Luis de Góngora. Turning to the nexus between theory and practice, Giles Knox explores how Velázquez engaged with sculpture both as a young man mastering his craft and as a painter to King Philip IV. Fernando Marías uses sixteenth- and seventeenth-century artistic theory to shed light on the complex narrative structure of a work painted by Velázquez in Italy: Joseph’s Bloodied Coat, in which the artist placed himself in competition with the celebrated history painters of Rome. Through an investigation of classical philosophy as understood by Velázquez’s contemporaries, Aneta Georgievska-Shine locates his enigmatic Aesop and Menippus within discourse on wisdom, paradox, and humor. Javier Portús places paintings and theatrical productions within the social and political matrix of the Spanish court, offering a powerful new reading of the space for which Velázquez created the Surrender of Breda. Continuer la lecture

Publication : « Perspectives on the Art of Wenceslaus Hollar (1607-77) ».

BUBENIK Andrea (dirs.) et THACKRAY Anne (dirs.), Perspectives on the Art of Wenceslaus Hollar (1607-77), Turnhout, Brepols, 2017, 244 p.

Présentation de l’éditeur :

This collection of essays offers critical perspectives on the creation and reception of prints and drawings by Wenceslaus Hollar (1607-77), and seeks to contribute to a new appreciation of an undervalued and excitingly interdisciplinary artist.
Wenceslaus Hollar (1607 Prague – 1677 London) was one of the most important artists of the 17th century. His international career, affluent patrons, and insatiable curiosity enabled him to create a diverse range of prints and drawings, remarkable for their varied subject matter and exceptional technical qualities. Hollar’s oeuvre includes cities and fortifications, portraits, religious subjects, politics, mythology, architecture, heraldry and numismatics, antiquarian relics, costume, maps, sports, classical literature, landscape views, ‘Old Master’ drawings and paintings, and natural history. His work invokes his close observation of, and engagement with, the natural world, as much as the society of his times. Continuer la lecture

Publication : « The building site in eighteenth-century Ireland ».

GIBNEY Arthur, The building site in eighteenth-century Ireland, Dublin, Four Courts Press, 2017, 320 p.

Présentation de l’éditeur :

his study by the late Arthur Gibney takes you among labourers, craftspeople, contractors, builders and designers as they populate the building sites of eighteenth-century Ireland. Gibney tells a story that has never been told so comprehensively before. What kind of contracts bound those involved? How much did it cost to bring a cargo of oak to the Dublin docks from Riga or Shillelagh – or of fir from Trondheim – and what kind of roof trusses or floor framing was it used for? What was distinctively Irish about these structural features? What did plumbers do? How did roofers choose between slates and shingles and pantiles, and how did this choice affect the profile of a roof? Based on extensive documentary research and on a lifetime of experience of building and conservation, Gibney takes the interested layperson, the student, the architect and the conservationist behind the facades to give us an understanding of paint colours such as Venetian red and Spanish brown, the manufacture of stucco, the variations of Irish, English and French glass, the composition of masonry walls, and much more, in our great legacy of Georgian buildings. Continuer la lecture